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Etiquetas: [congreso]  [elecciones]  [Historieta]  [Política]  [presidenciales]  [superhéroes]  
Fecha Publicación: 2021-03-12T16:13:00.001-05:00

 


A estas alturas para cualquier lego es fácil darse cuenta que un producto cultural como la narrativa gráfica se verá envuelta consiente e inconscientemente dentro de la época política de un país. Más si el tiempo que toca es cercano a las elecciones de autoridades políticas. Cómo evitar la avalancha de noticias a través de periódicos, revistas, televisión y redes sociales con contenido político o con opiniones sobre posturas políticas, mantener al margen es ilusorio salvo que vivas como anacoreta o hayas naufragado en una isla desierta.


Decía que  el marco histórico e ideológico envuelve , influye o marca las historias de ficción que uno encuentra en los comics, lo hacen de manera inconsciente pues reflejan usos, modos, costumbres, estructuras sociales, cultura y por supuesto política. Un Asterix,  Tíntin, los Pitufos o un Popeye tenían una posición, o mejor dicho sus autores reflejaban las ideas políticas de la época desde siempre, pero hay historietas que evidentemente cruzan la barrera del reflejo para hacerse declaraciones de parte que apoyan ideas políticas, situaciones y candidatos. 




Dejemos aparte en  cambio  binomio gráfico del humor y la política es por supuesto inevitable desde el origen de la caricatura y el humor gráfico político ( Editorial Cartoons). 

Y centrémonos en este pequeño post al cómic y su uso de propaganda política en época electorales para centrar el alcance ligero de esta publicación. Por supuesto a manera de anotación podemos citar el caso de los personajes del cómic americano y su papel propagandístico en la II Guerra mundial, con Superman, Batman y hasta Popeye dando golpes a Nazis y Japoneses, o los comics dedicados al 9-11. A Maus y su relato estremecedor de los campos de concentración, a Joe Sacco y sus crónicas historietísticas, o  Marjane Satrapi y Persépolis más cerca esta Barbarie de Jesús Cossio o Rupay de Cossio, Rossell y Villar y muchas otras historietas que hablan o relatan hechos políticos. pero por ahora pues solo mostraré una galería de portadas y recortes de Historietas en tiempo electoral sin hacer mayor análisis que esta larga introducción.

Espero que les interese y genere conversación. Un abrazo

Javier Prado

GALERÍA después del salto























Etiquetas: [Frank Thorne]  [Red Sonja]  
Fecha Publicación: 2021-03-08T10:19:00.000-05:00

 

El legendario dibujante de cómics Frank Thorne, mejor conocido por su trabajo en Red Sonja de Marvel, falleció a la edad de 90 años junto a su esposa, Marilyn.


Numerosos profesionales de la industria transmitieron la noticia del fallecimiento de Thorne en Facebook, incluido el escritor de cómics Paul Levitz . "Despedirme de Frank Thorne, un artista que desarrolló progresivamente su estilo en una expresión cada vez más personal. Tuve el placer de trabajar con Frank en sus últimos días en DC, cuando hizo un trabajo magnífico para los títulos de misterio, e intervino a lápiz para Jim Aparo en El espectro , haciendo coincidir su enfoque narrativo cuidadosamente con el de Jim ", escribió Levitz.
"Pero Frank tuvo el mejor momento de su carrera en Red Sonja de Marvel , a quien hizo a la vez poderosa y sexy", continuó. "Probablemente fue el primer [artista] convencional que se deleitó con el [cosplay], convirtiéndose en el mago que actuó con la Sonja de Wendy Pini en un espectáculo tras otro. Un hombre de talento, encanto y gran ingenio. Buen viaje hacia adelante, Frank, lo harás ser recordado por mucho tiempo ". Además, una publicación del también artista Chuck Patton explica que la esposa de Thorne, Marilyn, también falleció, aparentemente unas horas después que él. Dicho esto, las causas de muerte no están disponibles en este momento.
Nacido el 16 de junio de 1930, Thorne comenzó su carrera en el cómic en 1948, escribiendo títulos románticos para el ahora desaparecido Standard Comics. Continuó trabajando en varias tiras de periódicos y cómics, incluidos Perry Mason , Flash Gordon y The Green Hornet . Comenzando con Marvel Feature # 2 de 1976 , Thorne comenzó a dibujar Red Sonja, un personaje creado por Roy Thomas y Barry Smith para la serie Conan the Barbarian de Marvel Comics (que también se basó parcialmente en los personajes de Robert E. Howard, Red Sonya y Dark Agnes). Sucedió a Dick Giordano, quien dibujó al personaje en Marvel Feature # 1.
Thorne pasó a dibujar a Red Sonja durante la mayor parte de su primera serie en solitario del mismo nombre en Marvel, que tuvo un total de 15 números desde enero de 1977 hasta mayo de 1979. La artista luego pasó a crear varios cómics de fantasía erótica, escribiendo e ilustrando "Moonshine McJugs "para Playboy ," Lann "para Heavy Metal y" Danger Rangerette "para National Lampoon . También creó la miniserie Ribit para Comico, así como varias novelas gráficas para Fantagraphics Books, incluidas Ghita of Alizarr , The Iron Devil y The Devil's Angel.. El trabajo de Thorne le valió múltiples honores, incluido un premio de la National Cartoonists Society en 1963, un premio Inkpot de San Diego en 1978 y un premio editorial de Playboy . Vía CBR
Etiquetas: [Popeye]  
Fecha Publicación: 2020-11-23T23:32:00.004-05:00


 

"La verdad comienza hace más de cincuenta años. En 1870, Erich von Wolf, un químico alemán, examinó la cantidad de hierro en la espinaca, entre muchas otras verduras. Al registrar sus hallazgos, von Wolf perdió accidentalmente un punto decimal al transcribir datos de su cuaderno, cambiando el contenido de hierro en las espinacas en un orden de magnitud. Si bien en realidad solo hay 3,5 miligramos de hierro en una porción de 100 gramos de espinacas, el hecho aceptado se convirtió en 35 miligramos. 

Para poner esto en perspectiva, si el cálculo fuera correcto, cada porción de 100 gramos sería como comerse un pequeño trozo de un clip. Una vez que se imprimió este número incorrecto, el valor nutricional de la espinaca se volvió legendario. Entonces, cuando se creó Popeye, los ejecutivos del estudio le recomendaron que comiera espinacas por su fuerza, debido a sus propiedades saludables. ¡Aparentemente, Popeye ayudó a aumentar el consumo estadounidense de espinacas en un tercio! Este error finalmente se corrigió en 1937, cuando alguien volvió a verificar los números. 

Pero el daño ya esta hecho. Se extendió y se extendió, y solo recientemente se ha ido al borde del camino, sin duda ayudado por la relativa oscuridad de Popeye en la actualidad. Pero el error fue tan generalizado que el British Medical Journal publicó un artículo sobre este incidente de las espinacas en 1981, haciendo todo lo posible para finalmente desacreditar el problema."

 
Arbesman usa la historia de Popeye como una alegoría de amonestación contra el ego demasiado humano y nuestra propensión crónica a los atajos, cuya combinación nos hace demasiado perezosos para mirar más de cerca y demasiado temerosos de admitir que hemos estado ciegos y equivocados :

 

En última instancia, la razón por la que se propagan estos errores es porque es mucho más fácil difundir lo primero que encuentras, o el hecho que suena correcto, que profundizar en la literatura en busca del hecho correcto.

 

Pero quizás la reflexión más adecuada sobre lo que nos enseña la historia de Popeye se puede encontrar en la fantástica meditación de Dorion Sagan sobre por qué la ciencia y la filosofía se necesitan mutuamente , en la que él observa:

 

Es el espíritu de cuestionamiento, de curiosidad, de investigación crítica combinada con verificación de hechos. Es el espíritu de poder admitir que estás equivocado, de apelar a los datos, no a la autoridad, a la que no le gusta admitir que está mal.
Con información de:Brainpickings
Etiquetas: [FujimorismoNuncaMas]  [Alberto]  [Caricatura]  [Fujicinismo]  [Javier Prado]  [Keiko]  [Politica]  
Fecha Publicación: 2020-11-23T23:12:00.006-05:00


 

Etiquetas: [Historieta]  [Nota]  [Novela Gráfica]  [The Spirit]  [WillEisner]  
Fecha Publicación: 2020-09-29T21:06:00.004-05:00
(*)Esta nota fue hecha a partir de las preguntas de Enrique Planas (El Comercio) para un artículo sobre el personaje, genial creación de Will Eisner. 

 “The Spirit” llegó con la primera hornada de superhéroes clásicos. Superman nació en 1938, Batman un año más tarde y en 1940 nacieron Flash y “The Spirit”. ¿Pero más allá del antifaz, estamos hablando de un superhéroe? 

 The Spirit fue un amplio territorio de experimentación. Eisner estaba absolutamente consiente que a pesar de que su editor lo contrataba para realizar un personaje super heroico para no perder ventas ante el auge del Comicbook de superhéroes, él tendría un público más sofisticado que el que compraba historietas. Denny Colt su protagonista “muere” y retorna a su carrear justiciera, la máscara no le otorga poderes y no tiene una identidad que ocultar pues él está “oficialmente” fallecido, en Colt la máscara más que hacerlo destacar hace que se pierda en el anonimato del ciudadano común, que es la antípoda de los trajes de colores brillantes. Cada semana Eisner y su equipo entregaba 7 páginas dominicales de The Spirit (En verdad 16 tenía el Sunday) donde exploraban lo alcances de la narrativa gráfica, muchas de las viñetas que mezclaban por ejemplo Splash páginas en forma de casas donde cada habitación era una viñeta que por el orden de lectura te hacía ir de un piso a otro eran cosas que se veían por vez primera en los comics.


 
En el prólogo de “Contrato con Dios” Eisner definiría lo que era el cómic para él:

“En retrospectiva, me doy cuenta de que estuve trabajando tan sólo una idea central: que el medio, la disposición de palabras e imágenes en el arte secuencial, era una forma artística en sí”

Will Eisner, junio 1985, “Contrato con Dios”/ Norma Editorial 2006 


 Teniendo conciencia de que lo que a era Arte Secuencial y no un sub género narrativo, contó temáticas cómicas, dramáticas, thrillers y ciencia ficción como lo hace cualquier arte consolidado. Eisner quería hacer historias cortas y auto conclusivas al estilo de Ring Lardner un periodista deportivo que escribió historias cortas satíricas sobre el deporte, el matrimonio y el teatro. Pero Busy Arnold le recordó que ellos querían a un tipo con disfraz. Así Eisner toma al detective Denny Colt, le dibuja un antifaz y guantes mientras sigue tratando de calmar la inquietud a su editor por teléfono y crea a The Spirit. 

Un detalle adicional el clásico sombrero Fedora era igual al que siempre usaba su Arnold, una broma interna, que al parecer su editor nunca noto. La aparición de personajes como Superman, Batman u otros superhéroes explican el interés de QualityComics en participar en el auge del Comicbook, pero el interés de la gente por los comics radicaba en su bajo costo, fácil lectura pero también porque representaban de manera diferente el espíritu y la ideología de la época de un país que salía de una gran depresión económica y que carecía de iconos propios así los superhéroes toman prestado de los héroes míticos su poder, así Superman encarnaba tanto a Sansón por su fuerza como a un Moisés rescatado de las aguas, Batman como Hades, Flash es sin dudas una encarnación de Mercurio y The Spirit tenía una “resurrección” , pero la gran diferencia es que The Spirit no es tan infalible como sus coetáneos, puede perder no solo una pelea, sino también en un trance amoroso y el final de sus historias el héroe no salva ni a la chica ni al desvalido.
“No hay otro como Will Eisner. No lo hubo antes, y en mis momentos más pesimistas dudo que vuelva a haberlo jamás”, dijo Alan Moore. ¿Cuál crees que fue la clave de su genio? 

 Eisner era un narrador maravilloso que ejecutaba con gran maestría relatos de distinta índole, historias con finales redondos, inesperados, personajes que trasuntaban humor, credibilidad a pesar de situaciones insólitas, había un realismo que podía tocar con naturalidad lo fantástico, el horror y la novela negra sin perder la identidad. Pero si me preguntas la clave, exactamente la clave tengo una respuesta a ello, Eisner era alevoso y premeditado se dio cuenta muy temprano que tenía entre sus manos algo totalmente diferente y que aún no había sido explorado en toda su magnitud, lo estudió tanto en su forma como su contenido y lo uso en beneficio de su narración no ponía una postura en el dibujo, una línea, un encuadre, composición y frase en bocadillo o fuera de él sin que el previamente no supiera como iba a funcionar para el lector.

 Al final si uno lee una compilación de los 12 años del personaje se dará cuenta que Will Eisner al final de cuentas se salió con la suya porque The Spirit es más el relato de la ciudad, de sus edificios desde los barrios más pobres, a los acaudalados, de sus habitantes, de los delincuentes, los marginales como de la gente honrada y los servidores de la ley, que habla en coro y aun así Denny Colt no aparezca en sus páginas en alguna de estas historias sabes que su Spirit está ahí como todos. 

¿Qué podríamos decir del típico humor de “The Spirit”, algo que los superhéroes de su época tardarían tanto tiempo en asimilar?

 El relato a pesar de hacer muchas veces novela negra detectivesca o thrillers, con crímenes de por medio no olvida que el humor sirve para mantener la pausa adecuada después o antes de las tramas truculentas, además su humor tenía la virtud de desmitificar al personaje y hacerlo más natural y cercano. Eisner tenía claro que estaba haciendo relatos en pocas páginas y tener remates humorísticos permitía conseguir elipsis temporales para saltar de una secuencia a otra donde se podía retomar la trama. Tampoco hay que olvidar que tenía a Jack Cole (Plastic Man) Bob Powell, Alex Kotzky y Lou Fine que antes de ser leyenda en el Noveno Arte eran un grupo de muchachos divertidos que junto con Will Eisner hacían Funnies , esto cambió finalizada la II Guerra donde hay mayor sofisticación en el humor como en la experimentación narrativa, que se acentuó con la llegada de Jules Feiffer.
Otra característica de “Spirit” era la presencia de las “mujeres fatales” que se cruzaban en su camino, en historias que siempre terminaban mal. ¿Crees que estamos frente a un personaje esencialmente romántico? 

The Spirit era un detective entregado a la causa de combatir a los criminales a cualquier riesgo o costo, pero donde realmente se notaba su vulnerabilidad era frente a las mujeres, no podía con ellas era su talón de Aquiles, no importaba si eran peligrosas o letales siempre termina enredado en sus encantos y en plan perdedor.Apuesto que muchos se sentirían muy identificados con el personaje y su relación con las mujeres en general. Frank Miller es católico, solemne, misógino y miembro del ala dura del Partido Republicano. Will Eisner era un judío bromista, mujeriego y demócrata furibundo. No puedo imaginar dos personajes más antagónicos. ¿Tienes alguna respuesta para explicar la cercana amistad que compartieron y la obsesión de Miller que le llevó a dirigir su primera película, basada en el personaje de Spirit? Si fuera Miller, All Capp, Disney e incluso Trump y conociera a Will Eisner no habría forma de no buscar ser amigo de su humor, bonhomía, genio y tampoco de dejar de admirar su obra. Ahora, después de ver la versión de Miller de The Spirit, ya no estaría tan seguro de la sinceridad de la amistad de Miller. 

 Javier Prado

Fecha Publicación: 2020-08-28T22:00:00.003-05:00

 


Chadwick Boseman, actor estadounidense conocido por su papel como #BlackPanther, falleció el día de hoy. Después de luchar contra el cáncer de colon durante 4 años. QEPD. (1976-2020). Demostró siempre ser un verdadero luchador. Descansa en paz rey de Wakanda #WakandaForever
Etiquetas: [El Eternatua]  [El Eternauta]  
Fecha Publicación: 2020-08-07T11:12:00.003-05:00

 

ATENCIÓN! Lanzamiento 14 de agosto! Todo EL ETERNAUTA - EDICIÓN INTEGRAL TODO lo que hicieron Solano y Oesterheld sobre EL ETERNAUTA: .Eternauta 1 (EN VERTICAL!) .Episodio unitario de Hora Cero Extra .Cuento Hiroshima (escrito en 1962 y posteriormente ilustrado por Solano en 2005) .Eternauta 2 Son 632 páginas de 17 x 24 cm y un lomo de casi 4 cm

 Pueden conseguirlo en (Argentina):

En las siguientes librerías (en venta exclusiva por dos meses).

.Club del Comic

Marcelo T. de Alvear 2002 - (1122) CABA

www.clubdelcomic.com.ar @clubdelcomic

.Comic Center Colegiales

Av. Elcano 3017 - (1426) CABA

www.comiccenterstore.com.ar @comiccenterstore

.Comic Center Villa Urquiza

Av. Monroe 5342 - (1431) CABA

www.comiccenterstore.com.ar @comiccenterstore

Crossover Comics Store

Av. Gral. Paz 174, Loc. 05 - (5000) Córdoba Capital

www.crossover-comics.com @crossovercomicsstore

.Elektra Comics

Defensa 247 - (1065) CABA

www.elektracomics.com.ar @elektracomics

.Entelequia Centro

Uruguay 341 - (1015) CABA

www.entelequia.com.ar @entelequiagram

.Entelequia Belgrano

Juramento 2584 - (1428) CABA

www.entelequia.com.ar @entelequiabelgrano

.Fábrica de Historietas

Ayacucho 19 - (1025) CABA

facebook: fabricadehistorietas @fabricadehistorietas

.Puro Comic

3 de febrero 1180 - (2000) Rosario

www.purocomic.com.ar @purocomicrosario

.Sector 2814

Suipacha 892 - (1008) CABA

www.sector2814.com.ar @sector_2814_comiqueria



Etiquetas: [Animacion]  [Animación]  [Animación Clásica]  [Animación Digital]  [Animación Tradicional]  [Animación Tradicional Tradigital]  [Animador Javier Prado]  [largometraje animado]  [latino]  
Fecha Publicación: 2020-08-06T10:32:00.006-05:00

Hola este miércoles 12 de agosto a las 6 pm.(Hora Perú) estaré conversando con los amigos de Laboratorio Animado una red de animadores latinos que vienen haciendo un gran trabajo de difusión de esta naciente industria. Los invito cordialmente a encontrarnos! Los horarios están marcados en las imágenes.
Etiquetas: [Animación]  [Dibujos Animados]  [Frank Thomas]  [Ollie Johnston]  
Fecha Publicación: 2020-06-28T16:06:00.003-05:00

En 1927, él (Walt Disney) aseguró un nuevo contrato para producir una serie con Oswald The Lucky Rabbit. Esta era la oportunidad que había estado esperando. Aquí había un personaje que podía ser héroe y comediante que podría actuar de cualquier cosa desde un Charlie Chaplin hasta Doug Fairbanks, y que sin duda podría ser memorable. Walt no podía dibujar figuras cartoons más interesantes o hacer fotogramas por menos dinero, pero había una zona que conocía mejor que la mayoría – la risa.

Decidió hacer hincapié en los Gags (Chistes visuales). Como dijo Dick Huemer más tarde, ′′ Disney trajo una planificación cuidadosa y una atención meticulosa a los detalles e ideas, y gags, gags, gags. Tenía la mejor mente humorística que he encontrado." A pesar de que las dos primeras películas de Oswald fueron criticadas tanto por críticos como por distribuidores, Walt tenía confianza en el personaje y en su propia habilidad para encontrar las gags que harían de esta serie la más divertida producida en cualquier lugar.
En ese momento, sin embargo, incluso los distribuidores estaban cuestionando si los gags eran suficientes para sostener toda una película y empezaron a pedir más historia. Walt, el más grande de los narradores, reaccionó de una manera sorprendente.
"By the time you have a story really started," he said, "it is time to iris out (end the picture)
Traducido es algo así como:
′′ Para cuando tienes una historia realmente avanzada," y no has hecho reír al público es hora de irse (y acabar el dibujo) ′′
Obviamente, en la mente de Walt, el primero La prioridad en cualquier película fue la risa, y demasiada historia rápidamente se volvió tediosa. Nunca olvidó ese punto a lo largo de toda su vida, evitando constantemente proyectos que tenían más continuidad que entretenimiento."

Frank Thomas y Ollie Johnston, "Too Funny for Words: Disney's Greatest Sight Gags" pg. 20

Este articulo es oro puro. ¿Eres animador? bueno presta atención en CartoonBrew acaba de poner un articulo con 10 punto claves recomendados nada menos que por Ron Clements y John Musker el dúo de directores de animación con más éxito que ha tenido Walt Disney Company. Debajo una traducción libre con varias apostillas mias.

1. Cuente historias que exploten el medio de la animación. La pareja trata de evitar historias que podrían contarse como una novela o una obra de teatro en vivo. "Esa regla se ha vuelto un poco más borrosa", admitió Musker, "a medida que la acción en vivo ... se acerca mucho más a la animación, con la introducción de tecnologías digitales". Es escéptico sobre el próximo remake de acción real de Disney de The Little Mermaid : "Les deseo lo mejor con eso, pero [las personas que hablan y cantan bajo el agua] es una convención, una estilización, que creo que es más fácil de aceptar en una película dibujada a mano . "

2. Puedes encontrar personajes en cualquier lugar que mires. Clements dio el ejemplo de Glen Keane, quien animó a Ariel en La sirenita, y cuya personalidad propia moldeó la de ella: “Pensamos en Glen [cuando desarrollaba Ariel]. Salta a las cosas, es audaz ". Añadió, tentadoramente, "Hay algunos villanos que basamos en algunos de nuestros jefes".

3. Use canciones que avancen la narrativa. La pareja discutió su colaboración con el compositor Howard Ashman, quien fue cortejado por Disney a fines de la década de 1980, y eligió a La Sirenita de entre los diversos proyectos sobre la mesa. Ashman y los directores acordaron que “cualquier canción que estuviera en la película tenía que avanzar en la trama, el personaje o ambos. [De lo contrario] la historia se detenía durante la canción, y no queríamos que eso sucediera ". (Esto no le va a gustar a los chicos de Pixar).

4. Crea cada escena cinco veces. Clements aprendió esta lección de su mentor Frank Thomas, uno de los Nine Old Men de Disney: “Obtienes una escena de animación y piensas: 'Sé cómo quiero hacer eso'. No solo vayas con tu primer impulso. Oblíguese a idear cinco ideas diferentes sobre cómo animar la escena y luego elija la mejor ".
(Verdad ABSOLUTA, la animación siempre es un acto premeditado, no te sientes a animar sino te has esforzado pro ver de manera creativa tu escena previamente en las miniatura (thumbnails). Leyeron no es cierto señores de Intro a la animación.)

5. Deje que la audiencia vea la imagen divertida. Este consejo específico fue transmitido a Musker por Ward Kimball, otro de los Nueve Viejos, a través del animador Cliff Nordberg. Se trata esencialmente de tiempo en la comedia, de pausar cuando sea necesario. "A veces tengo una tendencia a pasar por cosas tan rápidas", dijo Musker, "pero hay un cuadro divertido que, si no permites que el público vea esa imagen, pierdes algo".
Corolario: Si el público no lo ve o no lo entiende, revisa tu timing.

6. Piensa en la nariz. Musker recordó otra lección de comunicación visual de Nine Old Man Eric Larson, en la que ha recurrido muchas veces. Larson lo instó a considerar la nariz de un personaje como "un puntero gráfico que señala hacia dónde quiere ir su ojo". Entonces, si alguien está hablando con alguien, asegúrese de que la nariz no lo guíe en otra dirección ".

7. Storyboarding es el mejor camino para dirigir. Musker señaló que la mayoría de los directores de Disney, incluidos él y Clements, tienen experiencia en este campo. "Storyboarding es como dirigir en papel", explicó. "Estás eligiendo dónde está la cámara, estás tratando de dejar de actuar, estás tratando de desarrollar el entretenimiento a través de una sensación de ritmo, claridad, todas esas cosas".
"Si el que hace el Storyboard aun no es el Director es solo porque aun no ha decidido como matar al director"

8. Dirigir en pareja puede ser difícil. Estos dos se manejan a través de una clara división del trabajo. Al escribir, Musker tiende a generar ideas en bruto y Clements las pule en un borrador de guión. Al dirigir, supervisan diferentes secuencias, canalizando la tradición de Disney de "directores de secuencia"; Musker a menudo toma comedia y acción, Clements escenas más dramáticas o sinceras. Musker expresa sus emociones sobre la asociación dibujando caricaturas de Clements. De manera crucial, dijo Clements, siempre sienten que quieren hacer la misma imagen, incluso cuando no están de acuerdo.
"Tienes que saber cual es tu labor cuando diriges, la tendencia actual es confundir roles, un dia voya escribir un poco mas amplio sobre el trabajo de director que muchos equivocadamente lo asocian a pegar de gritos a la gente que trabaja contigo"

9. Aprende a aceptar las críticas. Muchos artistas, jóvenes y viejos, no quieren escuchar comentarios constructivos, dijo Musker. "Mire su propio trabajo e intente ser objetivo al respecto: ¿qué tiene de débil?" Hoy en día, la abundancia de recursos y comunidades en línea brinda a las personas oportunidades incomparables no solo para obtener retroalimentación, sino también para buscarla activamente al poner su trabajo allí.
"No te ofendas si te corrigen, la animación es una construcción colectiva, nada es tuyo ahí es de todos y el error solo debe servir para que lo usen como peldaño para subir a donde quieres llegar"

10. La escuela no lo es todo. "Casi todo lo que aprendí sobre animación, no lo aprendí en la escuela", dijo Musker, reflexionando sobre su tiempo en Calarts. Él le da crédito a Larson por haberlo educado en el oficio: "El cambio de forma, las declaraciones positivas, las siluetas de valor ... la idea del momento, el carácter, la observación".
"Solo la practica profesional hará de ti un verdadero animador. "

Enlace al artículo original: 

Secrets Of A Creative Marriage: 10 Animation And Filmmaking Tips From Disney Directors Ron Clements And John Musker


https://www.cartoonbrew.com/educational/secrets-of-a-creative-marriage-10-animation-and-filmmaking-tips-from-disney-directors-ron-clements-and-john-musker-193684.html?fbclid=IwAR0HPePm5qxf4zTA-8DlrC7O4TD9Pqs8VDbA19772awVdM-OnQHI5fZSfTo
Etiquetas: [Animador Javier Prado]  [Dibujos Animados]  [Lipsync]  [Sincronía labial]  
Fecha Publicación: 2020-06-27T12:37:00.002-05:00

Un articulo dedicado a la sincronía de labios en la animación. Es un tema interesante y con muchas variables. Empezaré diciendo que usualmente estamos en una región donde llevamos viendo series con doblajes desde hace mucho, mucho tiempo atrás por lo tanto estamos habituado a esa desincronía que a veces se puede producir en los actores o personajes animados y considerar que no es un problema. Segundo, cuando vemos un Plano general, un plano americano, incluso un plano medio amplio con dos o mas personajes hablando en escena, el lipsync mientras mantenga las vocales fuertes coincidentes con bocas abiertas, será asumida como sincrónica. Un ejemplo son los productos japoneses,que emplean dos o tres boca dibujadas para cubrir todo los textos y nadie se queja. Un tercer factores por supuesto la técnica a emplear, y los costos de producción. Así finalmente tendremos gente que hace sincronía labial con dos, cinco, nueve, o doce bocas base para combinarla y reproducir cualquier texto.


Etiquetas: [Animación Clásica]  [Animación Tradicional Tradigital]  [Dibujos Anmados]  
Fecha Publicación: 2020-06-13T13:04:00.000-05:00


Etiquetas: [ADÑ]  [campaña]  [Covid19]  [Me alejo porque te quiero]  
Fecha Publicación: 2020-06-13T12:05:00.001-05:00

Lee, asimila y difunde. Tener Covid-19 no es negocio. Cambia el perfil de tu facebook es una acción que puede ayudar a que más personas seamos conscientes de que alguna solución está en nosotros. No importa la lengua, el mensaje es el mismo #mealejoporquetequiero #adñ #fabricadeideas

Etiquetas: [Comic Code Authory]  [Comics Code Authority]  
Fecha Publicación: 2020-05-10T13:22:00.000-05:00

Después de la cacería de brujas de los cómics con contenidos no apropiados para la moral que se practicaba en los años 50, las revistas de historietas debían ser autorizadas por  el '''Comics Code Authority''' (Autoridad del Código de Cómics, o CCA por sus sigla en inglés) esto fue en respuesta a toda una persecución  a través del congreso, iglesias protestantes y prensa, donde muchos cómics fueron a dar a una fogata , las propias editoriales se reunieron en la Asociación de Revistas de Cómics de los Estados Unidos (en inglés, Comics Magazine Association of America, o CMAA) para plantear su autocensura. 

La CCA no tenía autoridad legal sobre las editoriales que no fueran miembro, pero las distribuidoras rechazaron trabajar con cómics sin el sello de la CCA. Algunas editoriales prosperaron con esas restricciones, otras se adaptaron cancelando series y enfocándose en el contenido aprobado por el Código, otras tuvieron que cerrar. Este código fue siendo revisado y fueron cayendo en desuso muchas de sus reglas, hasta el día de hoy que solo terminó siendo parte de la historia pasada del noveno arte.

Quizás muchos no lo leyeron pero originalmente cuando fue publicado por primera vez en 1954 , estas eran sus reglas...

Lineamientos de la Autoridad del Código de Cómics

  1. Los crímenes nunca serán presentados de modo que creen simpatía por el criminal, promuevan desconfianza de las fuerzas de seguridad o inspiren a desear imitar a los criminales.
  2. Si el crimen es representado, lo será como una actividad sórdida y desagradable.
  3. Los criminales no serán presentados como glamorosos o que ocupen una posición que cree el deseo de emularlos.
  4. En cada momento el bien triunfará sobre el mal y los criminales serán castigados por sus acciones.
  5. Las escenas de excesiva violencia serán prohibidas. Las escenas de tortura brutal, el excesivo e innecesario uso de pistolas y cuchillos, la agonía física y los crímenes sangrientos y truculentos serán eliminados.
  6. Ninguna revista de cómics usará la palabra horror o terror en su título.
  7. Todas las escenas de horror, demasiado sangrientas o repelentes, la depravación, la lujuria, el sadismo y el masoquismo no serán permitidos.
  8. Todas las ilustraciones repelentes y soeces serán eliminadas.
  9. La inclusión de historias sobre tratos con el Mal serán usadas o publicadas solo cuando su intención sea ilustrar moralmente y no en caso que el Mal se presente atractivo ni cuando se dañe la sensibilidad del lector.
  10. Las escenas que traten con, o con instrumentos asociados con muertos vivientes, tortura, vampiros y vampirismo, ghouls, canibalismo y licantropismo están prohibidas.
  11. La profanación, obscenidad, el lenguaje soez, la vulgaridad o palabras o símbolos que puedan adquirir significados indeseables están prohibidos.
  12. La desnudez en cualquier forma está prohibida, así como poses indecentes o inapropiadas.
  13. Las ilustraciones sugerentes o libidinosas o en poses sugerentes son inaceptables.
  14. Las mujeres serán dibujadas realísticamente sin exageración de ninguna cualidad física.
  15. Las relaciones sexuales ilícitas no serán retratadas ni insinuadas. Las escenas de amor violento, así como anormalidades sexuales son inaceptables.
  16. La seducción y la violación nunca serán mostrados o sugeridos.
  17. La perversión sexual o cualquier inferencia a lo mismo esta estrictamente prohibido.
  18. La desnudez con intenciones prostituidoras y posturas salaces no serán permitidas en la publicidad de ningún producto; Las figuras vestidas nunca serán presentadas de modo alguno que sean ofensivas o contrarias al buen gusto y a la moral.
Etiquetas: [Wolfwalkers]  
Fecha Publicación: 2020-05-10T09:42:00.001-05:00

En este año 2020 el director de animación irlandés Tomm Moore estrenó su tercer largometraje através de la plataforma Apple TV+, Wolfwalkers, película de dibujos animados producida en Burdeos .
Las dos primeras películas de Moore, El secreto de Kells y la Canción del Mar , cimentó su estatus como un narrador y cineasta de la primera clase,  impulsando la escena de la animación de Irlanda al centro de atención mundial, lo que le valió dos nominaciones al Oscar y un sinnúmero de otros reconocimientos. Ahora, con Wolfwalkers, Moore está listo para entregar lo que él describe como "el último cuadro del tríptico de nuestro folklore irlandés."

En una época en la que reinan la superstición y la magia, los lobos están considerados como una fuerza demoníaca que debe ser eliminada. Robyn es una joven aprendiz que viaja hasta Irlanda junto a su padre para erradicar al último grupo de lobeznos que conoce, pero la situación cambia cuando Robyn salva a Mebh. Su amistad la lleva a conocer el mundo de los denominados "Wolfwalkers", transformándose en aquello que su padre la ha mandado a destruir.
Detrás de cámaras de Wolfwalkers


La banda sonora


Créditos:
Título original: Wolfwalkers
Año: 2020
País: Irlanda Irlanda
Dirección: Tomm Moore, Ross Stewart
Guion: Will Collins, Tomm Moore (Historia: Tomm Moore, Ross Stewart)
Fotografía: Animation
Reparto: Animation
Productora: Coproducción Irlanda-Estados Unidos; Cartoon Saloon / Dentsu Entertainment USA. Distribuida por Apple TV+

Galería
Etiquetas: [Comic]  [influenza]  [Pandemia]  
Fecha Publicación: 2020-04-27T00:59:00.003-05:00
Comic sobre la Influenza by LaNuez on Scribd



Para promover la preparación para la pandemia de gripe, el organismo de Salud Pública de Seattle y el Condado de King ha elaborado un cómic de 12 páginas sobre la pandemia de gripe. Esta historieta narra la historia de una familia durante la pandemia de gripe de 1918. También explica sobre la amenaza de la pandemia de gripe hoy, e ilustra lo que debe esperarse durante una pandemia (como el cierre de escuelas), y ofrece consejos para ayudar a preparan mejor a la comunidad.

Dicho comic puede ser encontrado en varios idiomas y es un documento importante y que puede ser distribuido gratuitamente en colegios, mercados, terminales de autobus y lugares de concentración masiva y seguramente tendrá mas chance de ser leído gracias al medio que permite integrar texto e imágenes en secuencia.

Desarrollado por Public Health – Seattle & King County Advanced Practice Center
Concepto e historia: Meredith Li-Vollmer y Matthew French
Arte: David Lasky
Financiación proporcionada por Cooperative Agreement Number U50/CCU302718 de los Centers for Disease Control and Prevention
(CDC) para la National Association of County & City Health Officials (NACCHO). Sus contenidos son responsabilidad exclusiva de los
autores y no representan necesariamente la visión oficial del CDC o NACCHO.
Etiquetas: [Mad Magazine]  [Mort Drucker]  
Fecha Publicación: 2020-04-12T10:39:00.000-05:00

Mort Drucker (nacido el 22 de marzo de 1929- 9 de abril de 2020) es un caricaturista estadounidense y artista de cómics más conocido como colaborador durante más de cinco décadas en la revista de humor ,MAD donde se especializó en sátiras de los principales largometrajes y series de televisión.

“Se buscan dibujantes”. Acudió a la llamada. Con 18 años entró a trabajar en un periódico a hacer tiras cómicas, por recomendación de Will Eisner (1917-2005), después llegó a National Periodical Publications (DC Comics), donde se hartó en siete años de dibujar superiores, y con ese anuncio en el periódico se presentó, en 1956, en las oficinas de MAD. La publicación tenía cuatro años de vida y había pasado de ser un cómic a una revista. Les enseñó su carpeta y el editor, Bill Gaines, le dijo que si los Dodgers de Brooklyn ganaban el partido de la Serie Mundial de beisbol, tendría que dibujarlo. Así ocurrió. Le contrataron inmediatamente, pero no para hacer superhéroes. Querían caricaturas. Sátiras de personajes de televisión y de cine. Tenía que dibujar a los famosos, sacarles de contexto, ridiculizarlos. Allí pasó más de cincuenta años y terminó dibujando a todo Hollywood. Sus parodias se publicaban en casi todos los números de MAD, más de doscientas tiras cómicas. Sus favoritas fueron las de El padrino. La última se publicó en 2008, antes de su jubilación. Ayer, su hija anunció la muerte de Mort Drucker, en Nueva York, a los 91 años. No le hicieron test de coronavirus.


Sobre su modo de trabajo y técnica en una entrevista del 2012 Drucker comentó:
"Siempre consideré una caricatura como la persona completa, no solo un parecido. Las manos en particular siempre han sido un foco principal para mí, ya que pueden ser tan expresivas de carácter como las exageraciones y distorsiones que busca un caricaturista. Lo intento para capturar la esencia de la persona, no solo las características faciales ... He descubierto a través de años de trabajo en la captura de una imagen humorística que no se trata tanto de las características en sí como del espacio entre las características. Todos tenemos dos ojos, una nariz, una boca, cabello y líneas de mandíbula, pero aun así todos nos vemos diferentes. Lo que hace que así sea es el espacio entre ellos."

Etiquetas: [Batman]  [Comic]  [covers]  [Portadas]  
Fecha Publicación: 2020-03-29T14:53:00.000-05:00

45 portadas de Batman, sin ningún orden en particular, pero guiado por mis gustos estéticos, por  que me gusto su historia, o me recuerdan algún momento de mi vida también por importancia en la historia del personaje,  cuando veo un comic es seguro que lo primero que me llama la atención es su estilo de dibujo de la simpleza de Bob kane, al lujo de Brian Bolland o el virtuosismo de Neal Adams ,  el dinamismo de Jim Amparo o Carmine Infantino pasando por los diseños marcados de Dick Sprang o Sheldon Moldoff o el propio Bruce Tim y su mejor aliado Mike Parobeck. El cubismo de Miller o algo mas actuales Tim Sale, Jim Lee, Eduardo Risso, Greg Capullo, Clay Mann,  Jorge Jimenez y me detengo para no cometer más omisiones de artistas que le han puesto el alma y arte al señor de la noche de Gótica.


Continué con la galería después del salto.





Fecha Publicación: 2020-03-29T12:17:00.003-05:00

Ya está el cartel para el Día Internacional de la Animación 2020. Creado por Regina Pessoa.
Emitiendo de un sombrero mágico, la luz de la animación ilumina el mundo, celebrando el Día Internacional de la Animación 2020 y el 60º aniversario de ASIFA (Asociación Internacional du Film d ' Animation).

El sombrero es sostenido por Abi Feijó, creador del Día Internacional de la Animación y ex presidente de ASIFA. Con esta imagen, el cartel de Regina Pessoa llama nuestra atención sobre la magia y la historia de la animación.

Regina obtiene su inspiración visual en la pintura (que estudió antes de encontrarse con animación), cómics alternativos y literatura. " Me fascinó la posibilidad de agregar movimiento a los ricos visuales y texturas que estaba desarrollando en la pintura," para intersecar con las artes del lenguaje cinematográfico, el sonido, la música y la escritura. En sus películas se volvió a lo personal, así para contar las historias de sus experiencias vividas, temas comunes que pueden ser reconocidos universalmente - siendo joven y miedo de la oscuridad - pero desde su perspectiva única. Este enfoque la alimenta todavía; " Sigo explorando ese camino, inspirándome en mi propia infancia y la gente que me rodea," como su excéntrico tío Tomás, cuyo sombrero Abi sostiene.

Y así el cartel hace referencia a historias que son personales y aquellas que pueden ser familiares pero en peligro de desvanecerse. " Creo que más que nunca es necesario enseñar la historia del arte y la animación a las generaciones jóvenes... Qué papel y lápiz son y el poder que representan... que un concepto abstracto existente solo en la mente / idea / imaginación podría ser materializado física y materialmente a través de esa perfecta comunicación / conexión y dominio entre cerebro y mano / cuerpo." Para Regina entonces, el cortometraje animado es un " tipo precioso de laboratorio " en el que se encuentran límites de técnica, narrativa y contenido Explorado.

Destacando la obra de la luz y la sombra, la duración de ASIFA como lugar de encuentro para los amantes de la animación, y la celebración del Día Internacional de la Animación, el cartel encapsula un deseo expresado por Regina, " de que la animación pueda ser reconocida y respetada por el público en general como la gran forma de arte que de hecho es."

- Bob Swieringa es un escritor, instructor de historia de animación en Grand Valley State Univ., y miembro de la junta directiva de ASIFA-Central USA.
Etiquetas: [2020]  [coronavirus]  [Quédate en casa]  
Fecha Publicación: 2020-03-15T00:50:00.000-05:00

#YoMeQuedoEnCasa
#QuédateEnCasa
Etiquetas: [animation]  [Pete Docter]  [Pixar]  [Soul]  
Fecha Publicación: 2020-03-12T13:09:00.000-05:00

LOGLINE
Un músico que ha perdido su pasión por la música es transportado fuera de su cuerpo y debe encontrar el camino de regreso con la ayuda de un alma infantil que aprende sobre sí misma.

¿Cómo te gustaría que te recordaran? ¿Te has preguntado alguna vez de dónde vienen tus sueños, tu pasión, tus intereses? ¿De verdad tratas de ser tú mismo e intentas aportar algo valioso a este mundo? Joe Gardner es un maestro de música cuya verdadera pasión es tocar jazz. Pero, cuando le llega la oportunidad que lleva buscando toda su vida, sufre un accidente que le trasporta a un lugar donde se ve obligado a pensar qué significa realmente tener alma. La historia de un viaje desde las calles de Nueva York hasta los reinos cósmicos, para descubrir las respuestas a las preguntas más importantes de la vida. Esta película de animación de los creadores de Del revés (Inside Out) (2015) y Up (2009), está producida por los estudios Pixar y Disney.

Dirigida por Pete Docter con las voces de Jamie Foxx, Questlove, Phylicia Rashad, Daveed Diggs y Tina Fey.

Fecha Publicación: 2020-03-08T23:28:00.003-05:00

A estrenarse en abril del 2020, la serie será realizada mediante animación CGI , de los estudios Sola Digital Arts y Production IG . El diseño de los personajes esta a cargo del  ilustrador Ilya Kuvshinov. Con la dirección de Kenji Kamiyama y Shinji Aramaki, quienes también están confirmados como los directores de Blade Runner: Black Lotus.

Etiquetas: [Justice League Dark Apokolips War]  
Fecha Publicación: 2020-03-05T21:07:00.001-05:00

DC Comics echará la casa por la ventana cuando varios equipos se unan en una batalla sin cuartel cuando Darkseid busque apoderarse de la Tierra, en el primer tráiler de Justice League Dark: Apokolips War.

Warner Bros. Animation dio a conocer el primer tráiler de Justice League Dark: Apokolips War. En esta película varias agrupaciones como la Liga de la Justicia, la Liga de la Justicia Oscura, los Teen Titans, y la Batifamilia unan fuerzas para hacerle frente al despiadado tirano de Apokolips.
Pero no todos los héroes harán equipo, ya que algunos justicieros caerán en las trampas de Darkseid para estar en contra de sus aliados.

Etiquetas: [Scobby Doo]  
Fecha Publicación: 2020-03-05T13:43:00.002-05:00

La película es dirigida por Tony Cervone, escrita por Kelly Fremon Craig, y cuenta con las voces de Frank Welker, Zac Efron, Will Forte, Amanda Seyfried, Gina Rodriguez y Tracy Morgan.
Es un reinicio de la serie de películas Scooby-Doo y la primera película en el universo cinemático de Hanna-Barbera.
 Animada por los estudios Reel FX para Warner Animation Group,​ la película se estrenará en Estados Unidos el 15 de mayo de 2020.