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Fecha Publicación: 2024-04-01T11:53:00.002-05:00
Falleció Juana Bacallao, ella era «Juana La Cubana»
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| Juana Bacallao |
Diviértanse conmigo que ando de paso en la vida, le he dicho a los que me han ofrecido dinero abundante por irme de mi país, pero mi país no lo abandono por nada del mundo.
El pasado sábado 24 de febrero falleció en La Habana, Juana Bacallao, tenía 98 años, ella fue la verdadera inspiradora del famoso merengue «Juana La Cubana», que popularizaran, en la década de los ochenta, la orquesta dominicana «Las Chicas del Can»,
«Juana La Cubana», fue compuesta por Rodolfo Olivares y con los arreglos de Manuel Tejada, se incluyó en el álbum «Caribe» (Sonotone, 1988) de las Chicas del Can, convirtiéndose rápidamente en un hit bailable en diversos países de Latinoamérica.
El merengue fue compuesto por Rodolfo Olivares, quien en una oportunidad negó que Bacallao, era la Juana que inspiró la letra de la canción, que más bien eran todas las cubanas que bailaban estupendamente, pero sin embargo cuando en la letra de la canción se menciona: "Porque ya empezó a bailar esa morena cubana", todos lo que conocían y habían visto a la cubana morena Juana Bacallao cantar y bailar , no podían dudar que ella era la "Juana" de l a canción
Pero, ¿Quién es Juana Bacallao?
Su nombre real, era Neris Amelia Martínez Salazar, nacida en La Habana en 1925, pero era más conocida como Juana Bacallao o como Juana La cubana, y es considerada como una figura icónica de la cultura popular cubana, que compartió escenarios con artistas de la talla de Chano Pozo, Meme Solís, Moraima Secada, Nat King Cole, Bola de Nieve, Rosita Fornés, Ninón Sevilla, Celeste Mendoza, Benny Moré, Elena Burke, Rafaela Carrá y Omara Portuondo, entre muchos otros que ya son figuras legendarias de la música y el teatro. Fue figura principal en los principales centros de la vida nocturna de Cuba y también fuera de la isla entre las que se incluye el Opéra Comique de París.
Su nombre para los escenarios, sería Juana Bacallao, para lo cual Obdulio Morales compuso la guaracha «Yo soy Juana bacallao», tema que la identificaría para siempre.
Se inició de la mano del compositor y director de orquesta cubano Obdulio Morales (1910 - 1981) llegando a convertirse en referente obligado de la historia de los cabarets cubanos desde mitad de la década del 50 del siglo pasado hasta hace pocos años en los que se presentaba incluso con orquesta propia .
Acostumbraba acompañar sus actuaciones añadiendo textos y diálogos ácidamente sarcásticos, con un marcado histrionismo, presentándose siempre con vestimentas inusuales y colores llamativos, dirigiéndose al público con comentarios jocosos y de doble sentido cargados de un lenguaje coloquial profundamente cubano, con los que se proyectó no solo al teatro sino también al show televisivo, convirtiéndose en un personaje reconocido y querido por la población cubana cosechando también muchos seguidores fuera de la isla.
«El arte viene con la persona. Eso vino conmigo. Una gracia natural. Yo no he estudiado nunca música, chico, ya te lo dije y no persigas más. Las prendas están aseguradas. Yo he hecho todas mis cosas sin maestros. Eso nace. Tírate pa la otra senda y no me estropees la autopista. Mi lucha viene de atrás. Yo hago lo que la naturaleza me dio. Yo no me guío por libreto ni nada de eso. El arte nace. El arte no se estudia. Eso vino conmigo. Mi personalidad vino conmigo pa que me defendiera porque la cosa venía al duro y sin careta. La naturaleza conmigo no fue madre, fue tía lejana». Son frases con las que Juana Bacallao, se describía a si misma, y que son mencionadas en el portal CubaNet.
Una nota informativa del Ministerio de Cultura cubano, la califica de «patriota y revolucionaria a toda prueba». y también recuerda que fue miembro de la Unión Nacional de Artistas y Escritores de Cuba (UNEAC) y recibió reconocimientos como la Distinción por la Cultura Nacional, la Medalla Alejo Carpentier, del Reconocimiento Gitana Tropical y del Premio Nacional del Humor 2020.
La llamaban "La diosa negra de todos los tiempos", "La reina mayor de todos los cabarets", partió a la eternidad y nos deja la su saoco rumboso y la alegría ocurrente que desbordaba los escenarios, nos deja en cada una de sus grabaciones y presentaciones en video, una conexión muy profunda con el alma cubana que siempre está envuelta de musicalidad. Adiós Juana la Cubana.
Uno de los últimos éxitos musicales y bailables, que protagonizó Juana Bacallao, fue «Bailando con Juana», conjuntamente con el artista cubano conocido como Papushi, publicado en un video animado que es un homenaje para «Juana La Cubana».
Juana Bacallao interpreta «Espíritu burlón», tema del compositor Enrique Jesús Jorrín, una versión de uno de los éxitos de la Orquesta Aragón.
Fecha Publicación: 2021-07-23T01:40:00.011-05:00
Una década sin la diva contemporánea del soul
Hace poco recordábamos los 50 años del fallecimiento de Jim Morrison, líder y vocalista de la mítica banda The Doors, había dejado de existir a la temprana edad de 27 años, el mismo fatal destino que tuvieron otros jóvenes, brillantes figuras de la explosiva generación musical de los años 60, como fueron Janis Joplin, Jimi Hendrix y Brian Jones, triste lista a la que después, en 1994 se sumarían Kurt Cobain y en este siglo, en 2011, Amy Winehouse. Ellos siguieron una senda de éxitos en una efímera carrera vividas en adicción angustiosa hacia la autodestrucción, que acabó enredándolos, en una fantasmal leyenda rockera, "El club de los 27".
Amy Winehouse, falleció un 23 de julio de 2011, hace ya 10 años, había nacido en Londres y sus primeras influencias musicales las recibió de su padre que gustaba cantar las canciones de Frank Sinatra, y que abandonaría el hogar cuando Amy era aún una niña. A los 13 años tuvo su primera guitarra, a los 16 ya tenía grabada su primera maqueta y a los 19 años lanzó su primer álbum que lo tituló Frank (Island Records, octubre 2003) en homenaje a Frank Sinatra, por quien sentía mucha admiración. Alcanzó a publicar un segundo álbum titulado Back to Black (Island Records, 2006), trabajo que la catapultó definitivamente al éxito internacional, con el cual conseguiría múltiples premios y el respeto unánime de la crítica especializada. Sin embargo el amarillaje periodístico, encontró un tenebroso y rentable filón, para elaborar perversos titulares, las cámaras apuntando permanentemente a los desvaríos existenciales de la artista.
Una década ha pasado desde que Amy se fue en busca de Billie Holiday y Sarah Vaughan. Una década sin Amy, pero nos queda en nuestros recuerdos, su aspecto desgarbado, y retro, pero a la vez contemporáneo con sus desafiantes tatuajes, también será inolvidable su peinado sesentero, a lo Ronnie Spector de The Ronettes, un homenaje a una de sus pasiones, las Girl Groups de aquellos tiempos.
Una década sin la diva contemporánea del soul, pero nos han quedado sus canciones, las que nos hicieron recordar los años dorados de la Motown, canciones mezcla de blues, soul y jazz a las que agregaba ingredientes de reggae y funk como receta para un menú de sueños. Nos queda para siempre su voz áspera, negra, precisa y estupenda, que tiene el efecto de retrotraernos a las épocas de las antiguas divas del soul y el jazz. Su lírica descarada pero honesta, sin inhibiciones, parecía sin ningún resquemor cantar sus propias experiencias tan tercamente vividas siempre al borde de la autodestrucción, Amy cantaba blues sintiendo realmente, que su vida estaba en los blues, por eso es una leyenda.
Amy solo pudo dejarnos dos álbumes, y a pesar de esa pequeña producción, me resulta difícil , colocar en este post, sus diez mejores canciones (según mi gusto), esta lista podría ser fácilmente bastante más larga.
"Cuesta creerlo. Hace diez años que Amy Winehouse salió a buscar a Billie Holiday. Fue la diva más contradictoria. La macarra o hooligan con más discos en la gramola mental que casi nadie. La niña nerviosa y flaca que quería ser Etta James. Peinada como Ronnie Spector y tan salvaje en su fraseo y presencia como una sacerdotisa de la soleá nacida en Reino Unido. Fue por la vida obsesionada con las girl groups. Atravesó lo escenarios con rostro de pantera machacada. Traía en los bolsillos una mierda de gran calidad, mezcla de blues y soul, reggae y jazz. Más allá de las influencias y los guiños, lo que más la distingue de sus contemporáneas, y sucesoras, fue lo que aprendió de Bessie Smith, y Dinah Washington, de Chet Baker y Mel Tormé. A saber. Que menos es más. Que los mejores cantantes no son quienes trata a toda costa de exhibir sus virtudes, plusmarquistas coñazo de todas las escalas, sino aquellos, sutiles, inteligentes que ponen la garganta al servicio de lo que cantan, y no la canción al servicio del ego."Tomado del artículo de Julio Valdeón en la sección "Combustiones" de EfeEme. Ver artículo completo aquí..
1. Stronger than me (2003).
Es laa primera pista, luego de un jazzero intro, de su primer álbum de estudio, Frank (Island Record, Octubre 2003), tiene muy buenos acordes de jazz para guitarra con las cuales acompaña su ya incipiente descaro para abordar la lírica de sus temas.
"Winehouse suena como si hubiera actuado miles de veces en clubes de jazz llenos de humo. Así que es una sorpresa saber que solo tiene 19 años y se crió en el norte de Londres. Sentada en algún lugar entre Nina Simone y Erykah Badu, el sonido de Winehouse es a la vez inocente y sórdido.", escribía Beccy Lindon en The Guardian en octubre de 2003, reseñando el primer disco de Amy.
2. You sent me flying (2003).
Esta canción pertenece al álbum debut de Amy Winehouse, escrita por Amy y el compositor Félix Howard. Se lanzó como tercer sencillo en abril de 2004, teniendo en la cara "A" a In my Bed, con relativo éxito en las listas. La letra describe relaciones sentimentales tormentosas y fallidas, algo que será reiterativo en posteriores composiciones de Winehouse, quien luce ya su talento interpretativo, en clave jazzística.
3. In my bed (2003).
Una de las más logradas pistas del álbum debut de Winehouse, se siente como una mezcla del soul de Filadelfia y funck conteponizado con hip-hop.
4. Fuck me pumps (2003).
La letra pertenece a Amy Winehouse, aunque la autoría está acreditada junto a Salaam Remi, aparenta una dulce canción, pero es una atrevida e ingeniosa pegada al plexo de la cultura WAG (esposas y novias de futbolistas). el video incrustado pertenece al DVD I Told You I Was Trouble: Live In London (Universal/ Island Records, Noviembre de 2007).
5. Rehab (2006).
Esta es la primera pista del segundo álbum de estudio de Amy, titulado Back to black (Island Record, Octubre 2006) , álbum elogiado al unísono por la crítica especializada, reforzó en este disco su tendencia a asumir estilos basados en el jazz y el soul de los años sesenta con una simbiosis de R&B actualizado, y que trajo a la memoria los años dorados de la Motown. Mark Ronson fue el productor de esta pista quien se encargó de darle esa textura retro. Amy persiste con su lírica atrevida y vivencial, marcadas por su es experiencias adictivas, parece que hiciera su propia declaración de vida, no a la rehabilitación, invoca a Ray Charles quien también estuvo en la maraña de la adicción y a Donny Hathaway el músico que falleció por suicidio, una canción que la echaría a la fama mundial. que luego de una década conmueve profundamente, con voz desafiante nos decía que no tenía tiempo para rehabilitaciones, y no lo iba atener, porque su vida iba a ser muy corta Lanzado en sencillo, esta canción le significó a Any ganar tres grammys en 2007. Por su parte el álbum ganó otros dos más.
6. You know I'm no good (2006).
¿Qué motivaba a Amy a escribir este tipo de canciones? ¿Qué tipo de "honestidad brutal"?, para dar detalles tan reveladores de una relación, sus momentos íntimos, sus engaños mutuos, ¿Quién fue el primero en clavar el cuchillo", mientras discurren los recovecos de la historia, la música te va atrapando.
7. Tears dry on their own (2006).
"Pronto seré la mujer del siguiente hombre", "El se lleva el día , pero soy adulta", "En esta sombra azul, mis lágrimas se secan solas". parece que las versos fueran chispazos reflexivos y cercanos a la superación y no a la autodestrucción. Musicalmente se coloca entre las más estupendas piezas del álbum.
8. Valerie (2007).
Esta contenido en una edición especial de Back to Black, lanzada en 2007, como primera pista de un Bonus CD. Se trata de una versión de un sencillo que popularizó la banda The Zutons, Mark Ronson le puso los arreglos, pero la extraordinaria calidad de Amy, le da un vuelco soul a la canción. Estupendo, no podía faltar en esta selección.
9. Love is a losing game (2006).
Dos canciones excepcionales para cerrar esta lista. una de ellas es Love is a losing game, que no tuvo el éxito comercial como la otra, Back to black, pero sin duda es la más estupenda y hermosa interpretación de Amy Winehouse, evidenciando una clara influencia del soul clásico, parece ser un antiguo estándar, en el que son importantes los arreglos de Mark Ronson y Gabriel Roth
10. Back to black (2006).
Una de las primeras canciones que hiciera con el productor Mark Ronson y que refleja en si lírica, las relaciones azarosas y tóxicas con su pareja Blake Fielder-Civil. Empieza con el inconfundible riff de
piano al que se le suma una percusión es la parte de excelencia que le puso Ronson, nos trae una vuelta a las girls groups de los tempranos años de los sesenta, quizá puedas recordar a The Supremes, pero suena como una original obra maestra pop de los tiempos modernos. Gracias a joyas musicales, Amy Winehouse, no no hace volver a la oscuridad ni a quedarnos en luto, porque tiene vida eterna.
Bonus Track
1. Body & Soul (2011).
Esta sería la última grabación que realizó Amy Winehouse, en marzo de 2011, donde compartió el estudio con Tony Bennett, para el álbum Tony Bennett Duets II (RPM Records/ Columbia, setiembre 2011). La canción es un antiguo estándar de soul, versionada numerosas veces por diversos artistas. El disco fue lanzado póstumamente así como un video filmado en el estudio de grabación. La canción recibió un premio Grammy en 2012.
Sun, sun, sunBurn, burn, burnSoon, soon, soonMoon, moon, moon,I will get youSoon! Soon! Soon!I'm the Lizard KingI can do anything.
Dedicarle tiempo a este blog, me resulta muy difícil, de ahí que hace varias semanas, no puedo postear ninguna entrada, pero no podía pasar por alto, una fecha muy especial. como la del pasado 3 de julio, día en que se conmemoraron, 50 años de la partida hacia el eterno recuerdo, de Jim Morrison el mítico frontman de la banda también mítica The Doors. Un día como aquel, en 1971, fue encontrado su cuerpo sin vida, en la bañera del departamento que ocupaba en un barrio de París, ciudad en la que se había instalado hacía 4 meses, luego de terminar la grabación de L.A. Woman (Elektra, abril 1971), Morrison les anunció a los demás miembros de la banda que se marcharía a París a tomarse un receso todos estuvieron de acuerdo, Morrison, se encontraba subido de peso y con la barba crecida, lucía siempre desgreñado, y había tenido crisis nerviosas en los escenarios, su dependencia hacia el alcohol, lo tenía mal avenido, sus compañeros pensaron que un descanso le vendría bien.
Para Morrison París, era la ciudad indicada para dedicarse a su otra pasión, la poesía, desde sus tiempos de universitario se dedicó a escribir poesía, su manera de escribir estuvo nutrida por la voluminosa lectura de poetas y filósofos sobre todo franceses. era un seguidor de los "poetas malditos" y del simbolismo y vanguardismo francés.
Tal vez entusiasmado con el llamado "Teatro de la crueldad" e incluso por ser seguidor de la carrera de Elvis Presley, más el consumo de LSD, en escena sus presentaciones siempre estuvieron cargadas de emotivismo y dramatismo, vestido con su distintivos pantalones de cuero, se desplazaba por el escenario en movimientos histriónicos, desafiantes y provocativos. sellando un estilo personalísimo. Morrison falleció a los 27 años. forma parte de ese grupo de jóvenes que se fueron muy temprano, superestrellas, como Janis Joplin, Jimi Hendrix y Brian Jones, parte de una generación de artistas que revolucionaron la música rock en los últimos años de la década de los 60, como expresión de la contracultura de la época y evidencia real de una profunda brecha generacional.
Son 50 años sin "El Rey Lagarto", pero su legado su influencia estuvieron presente todo el tiempo, y nos quedan sus poemas, su voz y las canciones de la banda para siempre, aquí les dejo la oportunidad de recordar a Jim y a The Doors con estas 10 excepcionales canciones.
1. Moonlight Drive. (1966).
Cuenta su biografía que Jim Morrison se encontraba apaciblemente escribiendo poemas en una playa de Los Ángeles, cierto día se encontró en la misma playa con Ray Manzarek, a quien había conocido en la UCLA, y le mostró sus poemas, Ray quedará especialmente entusiasmado por los versos de Moonlight Drive, y le pidió a Jim que lo cantase, al escuchar, el entusiasmo de Ray creció, la oportunidad de fundar una banda se hacía posible. En poco tiempo la banda sería una realidad y empezaría a formarse el mito con Ray Manzarek en los teclados, Robby Krieger en la guitarra y John Densmore en la batería, todos ellos eran extraordinarios músicos.
La primera vez que grabaron el tema fue en 1966, para un Demo. Al año siguiente lo grabaron para su álbum homónimo, pero la canción no fue incluída. Esta versión aparecería en la edición especial por el 40 aniversario del álbum. Fue liberada por primera vez en el segundo álbum de estudio, Strange Days (Elektra, 1967), con una duración de 3 minutos
Vamos a nadar hasta la lunaSubamos a través de la mareaPenetremos la noche que laCiudad dormida escondeVamos a nadar esta noche, amorEs nuestro momento de probarEstacionarse junto al océanoEn nuestro paseo a la luz de la luna...
2. Break on through (To the other side). (1967)
Se incluyó como primera pista del primer álbum de estudio de la banda. The Doors (Elektra, enero 1967), y se lanzó como lado A del primer sencillo que entregó el grupo. Aunque los créditos de la canción son atribuídos a todo el grupo, la letra tiene la inspiración psicodélica de Morrison, y es una verdadera carta de presentación del grupo, Ray Manzarek dejaba sentado su estilo tan particular para hacer sonar su teclado, la guitarra de Krieger sonando como algunos héroes del Blues, la peculiar batería de Densmore, sonando en una épica intro de Bossa Nova, estilo que comenzaba a sonar fuerte en la época. El tema no tuvo mucha aceptación en el momento, la verdad que otros super éxitos del álbum lo opacaron, sin embargo es uno de los grandes referentes del "acid rock", y está entre los más valorados del mítico grupo. Anecdóticamente la canción fue censurada por la disquera, por hacer referencias muy explícitas al consumo de drogas, En la parte en que Morrison cantaba "She gets high" ( ella se pone ..), simplemente le pusieron una especie de susurro sobre la palabra "high".
3. The End (1967).
Esta canción el la última pista del álbum debut de la banda, y tiene la extensa duración de 11:35 minutos, un tema cargadamente lisérgico, estuvo siempre presente en las primeras aventuras del grupo en pubs y clubs nocturnos. lugares en que siempre Morrison improvisaba la parte declarativa o el final de la canción, dependiendo de cuan acelerado se encontraba por lo consumido. En alguna oportunidad, lanzó en el clímax edípico de la canción; "Father?/ Yes son/ I want to kill you/ Mother, I want to...Fu***", por lo cual los echaron del famoso club "Whisky a go go", pero para la suerte de ellos en esos momentos, la tragedia griega tuvo un final feliz, pues se encontraba asistiendo a esa presentación, el propietario del sello Elektra que inmediatamente les ofreció un contrato..
The End es una canción de despedida, se entiende así en los primeros versos, pero se va convirtiendo en una suerte de viaje onírico por diferentes escenarios y con muchas referencias, varias parecen sacadas de las múltiples lecturas que Morrison había efectuado, de las obras de connotados filósofos. En el final. está la muerte desencadenando la tragedia, el apocalipsis como despedida final. Tan impactante canción sirvió para que Francis Ford Coppola la utilizara como fondo musical en la intro de su película Apocalypse Now. Cuentan que la grabación se hizo en vivo, sin grabar los instrumentos por separado, pero prácticamente, sin iluminación, eso lo exigía Morrison pues no se podía concentrar, y así lo cantaba en sus conciertos, con muy poca iluminación.
4. Light my fire (1967).
Sin lugar a dudas esta es la canción que catapultó a The Doors a la fama, contenido como la última pista del lado A, del su álbum debut homónimo, tiene una duración de 6:50 minutos. Ante el éxito que estaba consiguiendo el tema, se lanzó un sencillo hacia abril de 1967, con un versión un poco más corta, el que se constituyó el sencillo con más ventas de la banda. Se colocó por tres semanas como número 1 en la lista Billboard, superando With little help from my friends de The Beatles, siendo destronado por All you need is love de la misma banda Musicalmente esos tiempos fueron espectaculares, la explosión del Flower Power, el rock en su etapa superior con los nuevos experimentos musicales de The Beatles. la psicodelia, el rock sinfónico y progresivo. además de las primeras manifestaciones del hard rock hasta el frenesí del festival de Monterrey, The Doors estaba en el preludio de esos momentos mágicos.
Como en todas las canciones de su primer álbum los créditos son para todo el grupo, pero la creación de este tema se debe a Robbie Krieger. Gracias a su formación en música clásica Ray Manzarek le podría es histórica introducción en el teclado y ese puente extendido toda un derroche de talento de Krieger y Manzarek, como diciéndonos que no eran una banda de rock cualquiera, y que eran músicos de calidad.
5. Strange days (1967).
Es la primera pista del álbum que lleva el mismo nombre que esta canción, este disco fue la segunda grabada en estudio y lanzada por Elektra el 25 de setiembre de 1967. Las grabaciones las habían empezado apenas el mes anterior, en muy poco tiempo tuvieron todas las piezas grabada, el éxito del disco debut, les había procurado continuos conciertos, así que la presión era grande, situación en que Morrison y la banda, con una clara visión de negocios, crearon "Doors Music", para conseguir ventajas en derechos y condiciones. El productor de la banda Paul Rothchild y el ingeniero Bruce Botnick, introdujeron para la grabación una moderna máquina de 8 pistas y además posibilitaron el uso de experimentos sonoros y uso de instrumentos poco usuales, técnicas que estaban empezando a imponer The Beatles en sus grabaciones. La canción sigue la tendencia psicodélica del primer disco, Morrison hizo una visita a la ciudad de Nueva York ue le sirvió para inspirarse en esta canción.
6. People are strange (1967).
Fue lanzado como un adelanto del segundo álbum, se convirtió en otro de los tops hits de la banda, ubicado como primera pista del lado B fue una inspiración de Jim Morrison conjuntamente con Robby Krieger aunque los créditos son atribuidos a toda la banda, nuevamente destaca la inventiva poética de Morrison, parecía cantarles al devenir nómade de los grupos hippies, extraños en todas partes.
La gente es extraña, cuando eres un extrañoLas caras se ven feas cuando estás soloLas mujeres parecen malvadas, cuando tú no eres deseadoLas calles son desiguales, cuando estás abajoCuando eres extrañoLas caras salen de la lluviaCuando eres extrañoNadie recuerda tu nombreCuando eres extraño...
7. When the music's over (1967).
Esta es la última pista del segundo álbum, un final épico al igual que su primer LP, sus 11 minutos de duración completaron de manera mágica y apenas en un año una colección de canciones que hemos escuchado repetidas veces por más de 50 años. Nuevamente Morrison y sus versos lisérgicos y oníricamente surrealistas, interpretados con esa expresividad fuerte y teatral como solo él lo podía hacer y toda la banda sonando genialmente.
...Porque la música es su amigo especialDanza sobre el fuego como te proponeLa música es tu único amigoHasta el finalHasta el final......¿Qué le han hecho a la tierra?¿Qué le han hecho a nuestra bella hermana?Saqueado, saqueado y desgarrado y mordidoLa clavó con cuchillos en el lado del amanecerY la ató con vallas y la arrastró hacia abajo...
8. Hello, I love you (1968).
Es la pista que abre el tercer álbum de estudio de The Doors, Waiting for the sun (Elektra, Julio 1968), la canción más pegajosa de la banda, lanzada en sencillo, se convertiría en el segundo con el que alcanzaron el número uno en las listas de popularidad de Estados Unidos. Un genial y breve destello pop, muchas veces versionada por otras bandas, pero cuidado, la canción All day and All of the night (1964), de la banda británica The Kinks, no es una versión, la melodía vocal utilizada en la canción por The Doors, coincide con la melodía de guitarra de la canción de los ingleses. Eso les valió un pleito judicial que perdió la banda liderada por Morrison.
9. Roadhouse Blues (1970).
The Doors, sonando diferente, una joya distinta, blues y boogie rock, primera pista del lado A al que llamaron Hard Rock Cafe, en su quinto ´álbum de estudio Morrison Hotel (Elektra, febrero 1970). Colaboró en la grabación, en la armónica (Blues harp) John Sebastian.
10. Riders on the storm (1971).
Fue incluído en el sexto y último álbum de estudio que la banda grabó con Jim Morrison, titulado L.A. Woman (Elektra, abril 1971), la ubicaron como última pista del lado B con una duración de 7:14 minutos y fue a la vez la última grabación que hizo Morrison con The Doors. Las relaciones entre el grupo eran tensas al momento de decidir trabajar en un nuevo disco, situación agravada por la marcada dependencia de Morrison hacia el alcohol, situación que llevó a alejarse a Paul Rothschild, quién había producido todos los anteriores álbumes de la banda, quien también argumentó que la banda estaba cambiando de estilo y no estaba de acuerdo. La producción fue asumida por todo el grupo con la cooperación del ingeniero de sonido Bruce Botnick quién ya había estado con ellos en todas los trabajos que habían efectuado. Morrison añadió como segunda voz, una nueva grabación susurrando las letras para crear un efecto de eco. Si bien es cierto, que la mayor parte del L.P. tiene una fuerte inclinación hacia los blues, esta canción también lo tiene, pero se acerca mucho a la esencia de las primeras grabaciones, fuertemente impregnada de psicodelia y al dramatismo de las disquisiciones filosóficas y surrealistas de los versos de Morrison. La banda lanzó un road song para el ultimo viaje del "Lizard King".
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Fecha Publicación: 2021-02-13T16:41:00.010-05:00
Fecha Publicación: 2021-02-13T16:41:00.010-05:00
El rock en el Perú: ¡Demuelan todo !
En diciembre último se estrenó en la plataforma Netflix, la miniserie documental Rompan todo: La
historia del rock en América Latina. dirigida por Picky Talarico, con el guión de Nicolás Entel y Nicolás Gueilburt y que has tenido como productores ejecutivos a Nicolás Entel, Ivan Entel, Picky Talarico y Gustavo Santaolalla. De Talarico podemos decir que ha dirigido varias decenas de videos de importantes bandas y solistas, como Cerati, Julio Iglesias, Juanes, Johansen, etc y entre los peruanos a Líbido y Gianmarco. Gustavo Santaolalla, es un conocido músico y compositor ganador de dos premios Oscar, es también productor musical de importantes bandas de la escena rock y pop en los años noventa..
A lo largo de seis episodios, el documental sigue la línea de tiempo por la cual transcurrió la historia del rock en Latinoamérica, remontándose a su etapa primigenia hacia finales de los años 50 del siglo pasado y recorriendo en su narrativa, el devenir político que vivieron nuestros países, marcado por dictaduras, represión, y persecución, de la que no se libró la música y otras expresiones culturales.
Tres años les tomó a la producción, completar la recopilación de material audiovisual e investigación periodística y conformar un gran equipo de abogados, para superar los asuntos de derechos de propiedad, que en algunos casos resultaron insalvables.
El documental no es narrada por una voz en off, sino que buscó a los mismos protagonistas de esta historia, son ellos, los que van contando entre anécdotas que incluyen frases de ego encendido sus peripecias musicales.
Luego de ver los seis episodios, lo primero que me sorprendió fue que no se le dedicó ni un minuto al rock de Brasil, país que también es latinoamérica, parece que la intención era abordar solamente el rock en español, aunque no estuvo expresamente indicado. Por otro lado toda historia, sobre todo cuando no es muy lejana, es narrada con dosis de subjetivismo, cada cual tiene su propia apreciación de lo que fue relevante o no, o en el caso de este documental, la participación de los productores , especialmente de Santaolalla que tuvo un rol importante en la historia del rock latino, ha sido innecesariamente expuesta, esto lo dicen en redes sociales numerosos críticos de los especializados y de los no tanto. Las críticas también se multiplican por el hecho que la historia se centra en su mayor parte en lo producido en México y Argentina. Se menciona un poco a Colombia y Chiles y algunos minutos a Perú al inicio de la historia. En todo latinoamérica se hizo rock pero no se menciona a otros países ni un solo minuto.
Aún con algunas omisiones Rompan Todo, recopila el ligado histórico del rock latinoamericano, para el recuerdo y conocimiento de las nuevas generaciones de que el rock fue serio, rebelde y perseguido. Fue la mejor válvula de escape y de diversión juvenil pero además tuvo que cumplir su rol social y contestatario en los años más aciagos de Latinoamérica.
Algo más, aparecen en l documental. René de Calle 13, Julieta Venegas y Mon Laferte, no tengo nada contra ellos, al contrario hacen un trabajo excelente, la rebeldía no es exclusivo del rock, pero ellos, no hacen rock, ¿cómo pueden ser la representación del rock actual?, ¿nos quieren decir que ya no existe rock? son interrogantes que se acumulan al finalizar de ver la serie.. Según la historia que conocemos, sobre todo en mi país, la industri muchas v4ces le dió la espalda al rock. Está escrito.
Yo por mi parte, en este post, me toca hacer referencia a lo que no pudo ser tocado en Rompan todo, es casi un deber hacerlo, aquí pues parte de la historia del rock peruano, una lista parcial de bandas y desde luego parcializada. Me tomo tiempo pero aquí vamos. ¡Demuelan todo!.
Rompan todo (2020), Trailer.
La Historia.
1. Saicos - Demolición (1965).
Influenciado por el garage-rock y el surf, 4 chicos, amigos de barrio del distrito limeño de Lince, formaron Los Saicos, ellos eran: Erwin "El Loco" Flores, voz y segunda guitarra; Rolando "El Chino" Carpio, primera guitarra y coros; César "Papi" Castrillón, voz y Francisco "Pancho" Guevara en la batería, pasando a formar parte de la talentosa primera escena del rock peruano en los años 60. Sería a comienzos del 65 que harían sus primeras actuaciones ante público, les bastó solo una presentación frente a una sorprendida audiencia por el estilo que mostraron para interpretar rock, que les sirvió para que la TV, los medios y una disquera les abrieran las puertas del éxito. Tuvieron una corta vida. pues se disolvieron al año siguiente. Acumularon en su discografía, solo 6 sencillos, todas creados por ellos y salvo el primer disco, todas cantadas en español. Mientras las bandas musicales y los solistas de moda hacían "Nueva ola", y los Beatles en el pico de la popularidad hacían canciones de amor, ellos optaron por el camino antisistema, con un espíritu y estilo irreverente, descuidado, desenfrenado, agresivo y burlón, expresados en las letras de sus composiciones con títulos chocantes como Cementerio, Demolición, Salvaje, El entierro de los gatos, etc., aunque ni lo sabían era una actitud "punk". Fueron un referente importante en los inicios de la movida subterránea hacia 1983, pero antes que termine el siglo pasado, en España, como quien encuentra un descubrimiento arqueológico con un hallazgo sensacional de una cultura no conocida, alguien llevó uno de sus discos a la radio y el interés por esta banda se multiplicó vertiginosamente. Sus discos han sido reeditados más de una vez, y no tardaron en en convertirse en banda de culto. La crítica especializada, los principales diarios y revistas del mundo les dedicaron sendos artículos, todos casi con la misma cabecera, "Esto es punk". El punk aparecería oficialmente 13 años después de la irrupción de Los Saicos. Alrededor del mundo, decenas de bandas hacen covers con canciones Saicos, y aún después de casi 60 años alborotan y agitan el auditorio y el pogueo llega inevitablemente.
2. Los Shain's - Los Shain's a go go (1965).
Los Shain's fue una banda de estilo garage y surf-rock fundada a mediados de 1964, por Enrique "Pico" Ego Aguirre y los hermanos Juan Luis y Raúl Pereira, después de algunos 45 grabados, los hermanos abandonan el grupo, ellos años más tarde fundaron El Polen, una banda emblemática del rock fusión. En ese tiempo se incorpora Gerardo Rojas Rodó, como vocalista de la banda, más tarde será conocido simplemente como Gerardo Manuel quien se convertiría en uno de los más importantes referentes del rock nacional, se mantuvo en activo hasta donde la enfermedad que padeció, lo permitió, conductor de programas de radio y Tv dio soporte constante a numerosas bandas que aparecieron a lo largo de los años. Gerardo Manuel falleció el año pasado. La banda publicó cuatro álbumes. Los Shain's a Go go pertenece al primero que tuvo el título de El Ritmo de Los Shain's (Odeón Perú, 1965). Para la grabación de este, la banda estuvo formada por: Gerardo Rojas Rodó como vocalista; Enrique "Pico" Ego Aguirre, director y primera guitarra; Hernán Chicano en la guitarra rítmica; Alexei Kostrisky Pereira en el bajo; Lynn Stricklin en los teclados; Pedro Pajuelo en la batería quien se marchó en medio de la grabación siendo reemplazado por Julio Chávez Cabello. En sus siguientes discos la banda opta por la sicodelia y el "Flower power" y también por la localista "enfermedad", un estilo frenético con que las bandas en la segunda mitad de los 60's trataron de diferenciarse de los "nuevaoleros". La banda se disolvió en 1968, pero años después harían reuniones memorables.
3. Los York's - Abrázame Baby - 1967
Los York's, fue una banda formada en el distrito del Rímac en 1966, por Walter Paz quien tocaba la guitarra principal; Román Palacios, la guitarra rítmica; Jesús Vilchez, bajo y Pacho Aguilar en la batería, posteriormente sumarían a Pablo Luna como vocalista. De inspiración garagera, sus canciones eran romanticonas, pero se convirtieron en la mejor expresión de la onda "enfermedad", gracias a su estilo agresivo y salvaje que les proporcionaba principalmente Pablo Luna, con sus actuaciones desenfrenadas en los escenarios,en los que rompía micros, tachos de luz, mientras se contorsionaba y se tiraba al piso de espaldas, gimiendo y profiriendo alaridos, llevaba a la audiencia al paroxismo de locura, la "enfermedad" a su más alta temperatura. Una canción aparentemente romántica y suave terminaba en una suerte de trance de electricidad y gritos era Abrázame Baby que fue incluido en su primer álbum Los York's 67 (Mag, 1967), un tema de Luna y Palacios. La banda publicaría un siguiente álbum Los York's 68 ya metidos en la psicodelia. Al decidir cambiar de disquera, Los York's se vieron envueltos en problemas legales con Mag, esta disquera utilizó pistas grabadas que la banda no pudo recuperar. Mag contrató al actor cómico Pablo Villanueva "Melcochita", para poner voz a las pistas, voz que resultó sobreactuada, publicando Los York's 69, un disco apócrifo. En 1969 publicaron su último LP y en 1971 se separaron y trataron de continuar en 1974, año en que se disolvieron definitivamente. La banda ha sido reeditada tanto localmente como en España en ese rescate de las bandas de la primera escena rockera nacional. que se ha producido en los últimos años.
4. Traffic Sound - Meshkalina (1969).
Los Traffic Sound, fue fundado en 1967, por Manuel Sanguinetti, vocalista del grupo, reuniendo a Freddy Rizo Patrón (Guitarra rítmica), Willy Barclay (guitarra principal), Jean Pierre Magnet (saxo), Luis Nevares (batería) y Willy Thorne (bajo) quien posteriormente sería reemplazado por Miguel Ángel Ruiz, conocido como Zulu. Después de algunos discos simples en 45 graban el LP Virgin (MAG, 1969 en el que incluyen, Meshkalina que se convertiría en uno de los iconos de la psicodelia y el rock nacional. La banda nacida en cuna sicodélica, se decantó por el rock progresivo y el latin rock fusionado con elementos folk. Gracias a ese estilo fueron elegidos para telonear en el fallido concierto de Santana en Lima en 1971. Como varias bandas que tuvieron su apogeo por aquellos años, han sido reeditados tanto localmente, como en otros países. Este tema formó parte de la banda sonora de la serie Narcos de Netflix. La banda realizó una gira por Argentina y Brasil, luego visitaron Chile. Se disolvieron en 1972, pero han repetido reuniones a lo largo del tiempo, la última el 2015.
5. Los Mad's - Fly away (1971).
Los Mad's fue una banda de rock psicodélico fundada en 1965, hacían covers, como la mayoría de las bandas, pero tenían algunas composiciones propias. Inicialmente se presentaban en televisión y en algunas matinales de los domingos, que era el circuito obligado de toda la movida rockera de aquellos tiempos, ellos optaron por presentarse, en locales, hoteles clubs y fiestas privadas de la élite social limeña donde tenían mucha aceptación y demanda, En una de esas exclusivas performances, tuvieron como espectadores a Mike Jagger y Cift Richards que se encontraban en Lima de vacaciones, los que tuvieron una buena impresión de la banda, al final de la presentación, conversaron e hicieron buenas migas, tan así que Jagger les propone que viajen a Inglaterra donde podrían grabar y presentarse juntos. La banda viajó a Londres, donde fueron recibidos con mucha cordialidad y atención, pudieron alternan con muchas estrellas, asistir a festivales y conciertos, ensayaron y grabaron algunos demos en los estudios de Rolling Stone y el Castillo de Jagger en Stargroves usando el famoso The Rolling Stone Mobile Studio. Después de un sinnúmero de disímiles anécdotas, y algunos infortunios y desencuentros la banda se disuelve en 1971 en la misma Inglaterra, sus integrantes que apenas tenían poco más de 20 años, no pudieron consolidar un futuro que parecía brillante. Gracias al sello Repsychled en 2013 lse lanzó un Lp con el nombre de The Mad's, reuniendo sus demos grabados en Inglaterra y también en Lima, posteriormente publicó en 2014 el álbum Molesto, reedición del anterior con nuevos demos y jammings. La alineación de la banda en estas grabaciones fue la siguiente: Manolo Ventura (guitarra líder), Billy Morgan (Bajo y vocalista principal), Manongo Mujica y Richard "Bimbo" Macedo (Batería) y Alex Ventura (guitarra rítmica). Fly Away está escrito por Morgan y Ventura y fue grabado en Inglaterra.
6. Pax - A storyless junkie (1972).
El exlíder de Los Shain´s, Enrique "Pico" Ego Aguirre había fundado la banda Los Nuevos Shain's, pero a fines de 1969, decidió disolverlo para apostar por un nuevo proyecto para hacer rock mucho más fuerte, así decide crear Pax, inspirado por la música que hacían por esos tiempos Jimi Hendrix Experience, Deep Purple y The Cream bandas de guitarristas virtuosos, decidió formar Pax, que tenga un "guitar hero" al frente, por su puesto ese era su lugar. Pax se convirtió en la banda precursora del Hard Rock en América Latina. En 1972 publicaron el álbum de largo título, May God and Your Will Land You and Your Soul Miles Away From Evil (Sono Radio) , álbum que es considerado una joya para el rock peruano y latinoamericano. La banda estaría en activo hasta 1975 en que publican algunos sencillos. La banda se reagrupa en 1983, incorporan canciones en español a su repertorio graban un 45 y nuevamente se separan en 1987. En el 2008 se reúnen nuevamente,siendo convocados para abrir el concierto de Deep Purple en Lima. Repetirían reuniones en 2013 y 2014. La canción A Storyless junkie es un composición de Ego Aguirre y Aguilar. La banda que alineó para el álbum, esta formada por Enrique "Pico" Ego Aguirre (Guitarra líder y rítmica, guitarra rítmica, órgano y coros); Mark Aguilar (Bajo y piano); Miguel Flores (Batería y percusión) y Jaime "Pacho" Oré (Vocalista).
7. We All Together - Hey Revolution (1972).
Carlos Guerrero, fundador de We All Together, hijo del dueño del sello discográfico MAG (Iniciales de Manuel A. Guerrero), acudía a los estudios de grabación de la disquera, en una de esas oportunidades, conoció a los miembros de Laghonia, a quienes ayudó en algunas mezclas y colaboró en los coros. Al disolverse esta banda, Carlos Guerrero se une con la mayoría de los integrantes de esta banda, Carlos Guerrero (voz), Saúl Cornejo (guitarra), Ernesto Samamé (bajo), Carlos Salón (órgano) y Manuel Cornejo (Batería), conformaron la primera alineación del grupo que estuvo influenciado por The Beatles y por la carrera solista de Paul McCartney. La mayor parte de sus composiciones y covers la hicieron en idioma inglés Su primer álbum,tuvo el título simple de We All Together (MAG, 1972). El disco contiene covers de los británicos Badfinger y de Paul y Linda McCartney además de composiciones propias. El álbum contiene Hey Revolution, que pesa a estar cantado en inglés fue premiado por el Instituto Nacional de Cultura., por esta canción como "Grupo del año" en pleno régimen militar de Velasco Alvarado. La banda entraría en receso en 1974, reagrupandose en 1989 para mantenerse en activo hasta el 2012.
8. El Polen - Concordancia (1973).
Los hermanos Juan Luis y Raúl Pereira que fundaron Los Shain´s junto a "Pico" Ego Aguirre, dejaron los Drag's otra banda en la que estuvieron por algún tiempo, corría el año de 1969 cuando comienzan a experimentar con sonidos influenciados por la psicodelia, el hipismo y el folk, que los llevaría posteriormente a formar El Polen, debutando oficialmente en 1071. En ese proceso se habían metido de lleno en el movimiento hippie local, conviviendo en diversas comunidades, que aparecieron en ciudades como Cusco, Lima y otros. En Cusco podían lograr tranquilidad y paz junto a los numerosos hippies extranjeros que llegaban a la ciudad, pero en Lima tuvieron a la policía acechandolos y como consecuencia les tocó pasar algunos días en prisión. La música de El Polen es una simbiosis de rock, psicodelia, rock progresivo y folk con mucha presencia de instrumentos andinos. Estuvieron invitados a telonear en el frustrado concierto de Santana en 1971, cuentan que en esa ocasión, Santana les regaló alguna guitarra. En 1971 son convocados para grabar la banda sonora de la película Cholo, un biopic del futbolista Hugo "Cholo" Sotil, convirtiéndose en su primer álbum. En 1972 graban el álbum Fuera de la Ciudad (Virrey), en el que Concordancia es la primera pista. Los hermanos eran excelentes multiinstrumentistas de manera que para este álbum y normalmente buscaban la colaboración de diversos músicos. En este álbum participaron Fernando Silva (Violín), Ernesto Pinto, Alex Abad y Julio Vásquez. Participaron en el histórico Festival de la Canción de Agua Dulce, que reunió a lo más representativo de la Nueva Canción Latinoamericana y la Nueva Trova cubana, evento auspiciado por el gobierno militar. Invitado por el grupo chileno Los Jaivas viajaron a Chile donde estuvieron algunos meses alternando con grupos del movimiento de la Nueva Canción Chilena y se presentaron en lugares emblemáticos, todavía se vivía la democracia en Chile. En 1973 Susana Baca los invita a que la acompañen al Festival de Berlín, lo que les sirvió para emprender una pequeña gira europea. Ciando regresan la situación política había cambiado. ja banda se disuelve pero se reagrupa en 1996. Al fallecimiento de Raúl Perera (2010), la banda se disuelve.
9. Frágil - Avenida Larco (1981).
Octavio "Tavo" Castillo y Luis Valderrama hicieron música a lo largo de la década de los setenta, estaban influenciados por el rock sinfónico progresivo y el hard rock, con el tiempo sumarán a Harry Anton en la batería y a Andrés Dulude como vocalista, formación con la cual fundan en 1976 a Frágil, nombre que es un homenaje al álbum homónimo de Yes, uno de sus principales referentes del grupo junto a otras bandas británicas, como Genesis, Emerson, Lake & Palmer, Jethro Tull, Black Sabbath y Rainbow. Por aquel tiempo el rock nacional vivía un periodo que se iba haciendo más oscuro, las radios y las disqueras no querían saber nada de bandas de rock locales y menos si cantaban en inglés, además era cada vez más difícil la importación. de instrumento musicales. Las banda que pudieron existir no dejaron prácticamente huella, sin embargo Frágil se mantuvo en escena, Arturo Creamer ingresa al grupo como baterista y en 1981, producen la primera explosión del rock nacional en la nueva década, Avenida Larco fué un éxito inmediato y masivo, fue acompañado por el primer videoclip realizado en Perú. La canción fue incluída en el primer álbum de la banda de nombre homónimo, que fue publicado por el sello Pantel. Vendrían problemas luego, justo para ir a una gira en Argentina, Dulude se aleja y en ese país incluyeron como vocalista a Piñin Folgado, con la que graban un 45. A la salida de esta cantante hubo un receso, y reapearecerán con la reincorporación de Delude en 1988, justo en una etapa crítica en la historia peruana, nuevamente Frágil superaría esa etapa, y con algunos recesos a lo largo del tiempo, la banda nunca anunció retiro o disolución. En 2016 telonearon a Rolling Stone en su concierto en Lima.
10. Miki González - Dímelo Dímelo (1985).
Miki González, compositor, músico y productor, nació en Madrid, vino a Perú cuando era niño, donde con el tiempo se convertiría en uno de los exponentes más importantes en fusionar el pop-rock, con la música afroperuana. Estudió ingeniería y luego arquitectura pero se dió cuenta que la música era lo suyo. Influenciado por el hippismo viaja al Cusco, donde conoce a la gente de El Polen y El Ayllu, grupos que hacían fusión andina, experiencia que reforzaría su interés por la música. Su formación musical la hace en el prestigios Berklee College de Boston, luego de sus estudios, sus primeros trabajos profesionales lo realiza con Félix Casaverde, excelente guitarrista de la música criolla y afroperuana, gracias a él llega a El Carmen, ciudad en la provincia de Chincha, que tiene una población mayoritariamente negra, donde empieza a explorar su música y bailes. ahí conocerá a la familia Ballumbrosio, que le servirá de fuente de conocimiento y le acompañarán en gran parte de su carrera. En un primer momento su estilo estará enmarcado en fusionar afroperuano con jazz y blues. Posteriormente se inclinaría por el rock. En 1985 registra su primer éxito, Dïmelo. Dimelo en CBS, acompañado del bajista Eduardo Freire y de Filomeno Ballumbrosio que hacía percusión en un cajón, no había ni batería ni teclados, pues Miki prefería la electrónica que empezaba a estar en boga. Se incluyó en su primer álbum Puedes ser tú, que se grabó tanto en Perú como Argentina. donde tuvo la colaboración de Charly García y los integrantes de Los Abuelos de la Nada, como Abuelo, Calamaro y Melingo. La temática de sus letra tenía fuerte influencia política, eran tiempos del conflicto armado interno iniciado por el grupo terrorista SL, por lo que tuvo problemas para grabar y difundir localmente. Su segundo disco giró decididamente por un estilo más pop-rock incorporó a músicos salidos de la escena subte, como "Pelo" Madueño y "Wicho" García. En la década de los noventa, tuvo una fuerte producción donde su obra cumbre sería Akundun. Luego en el presente siglo optaría por el chillout y es un DJ connotado.
11. Leusemia - Oirán tu voz, oirán nuestra voz (1985).
El retorno de la democracia en Perú, llegó justo con el inicio de la década de los ochenta, luego de doce años de dictadura, el optimismo por esta nueva etapa era generalizado especialmente en los jóvenes que participaban por primera vez en este proceso, optimismo que se fue desinflando poco a poco conforme avanzaba el gobierno del presidente Belaúnde. La recesión económica y el terrorismo asfixiaba la economía y por consiguiente a la industria discográfica, una frustrante situación, para la juventud que intentaba hacer rock. Influenciados por la corriente punk,se comenzó a generar un movimiento contracultural. desafiante, completamente amateur, ajena al circuito oficial de los medios y las discográficas. Conciertos en algunos locales claves, sirvieron para la explosión de la movida subterránea del rock. Una banda fundamental de ese movimiento fue Leusemia fundada a mediados de 1983, un grupo procedente de la Unidad Vecinal Nro. 3, liderada por Daniel F. (Daniel Valdivia Fernández), guitarra y voz, que con los años se convertirá en figura legendaria, lo acompañaban Leo Scoria (Leopoldo La Rosa) en el bajo y Kimba Vilis (Gustavo Valdivia, hermano de Daniel F) en la batería, un trío al que se incorporó Raúl Montaña (Raúl Montañez). El uso de seudónimos. es una alusión al hecho de que los militares destacados a las zonas en conflicto con el terrorismo, usaban siempre solo seudónimos, incluso públicamente cuando se comunicaban con la prensa. El movimiento subte se fortaleció durante los años 84 y 85, convocaba numeroso público y a un grupo de bandas cada vez más creciente y heterogéneo, no todo era punk, pero todos tenían un alto discurso rebelde y desafiante. La trascendencia de la movida y esta banda, es percibida por las disqueras, de manera que en 1985, el sello OHM, una subsidiaria de El Virrey, editó un álbum, que lo titulan con el nombre de la banda (En las etiquetas del disco, está impreso como Leuzemia), un disco que resultó un éxito. La movida subte, poco a poco fue perdiendo su carácter amplio y diversificado, formándose grupos con identidades particulares y exclusivas que mermaron la posibilidad de un movimiento más consolidado. Leusemia se separa y reaparecerá en 1993, en 1995, diez años después grabaron su segundo disco. La banda se mantuvo en actividad por varios años y DAniel F. convertido en leyenda continua en solitario.
12. Del Pueblo - Escalera al infierno (1986).
Con el riesgo de que deje de lado a alguna otra banda importante, creo que es necesario considerar en este listado de bandas históricas,. a El Pueblo, banda originada en la Unidad Vecinal Matute de La Victoria, y es que es el mejor ejemplo de la heterogeneidad que hubo en los primeros años de la escena subterránea que existió en Lima,en la década de los ochentas. Fundada en 1981 por Pero Bustos y Ricardo "Richard" Silva, encontraron luego en el circuito paralelo a lo convencional el lugar indicado para desarrollar una música que conjugaba la electricidad rockera con las armonías andinas que proporcionaban los vientos y percusión de los instrumentos típicos del ande, a las que sumaron una actitud anárquica punk con una lírica mordaz y desenfadada asumiendo la oposición dialéctica al consumismo conformista del circuito comercial. En aquellos primeros años de los ochenta marcado por un contexto social dramático de desazón y violencia, Bustos, Silva, David Ramírez y Enrique Raez, forjaron u romance del rock con los diversos matices de la música peruana la llamaron Música Barrio, lo que les lleva a crear en 1984, Posesiva de mi, la primera ópera rock criolla. Las desavenencias no faltaron y la band ase separa, Richard Silva sale del grupo y crea la banda Del Pueblo .. Del Barrio, logrará que el sello CBS les publique un álbum con el mismo nombre de la banda, que recogía las canciones que habían sido creadas y popularizadas por Del Pueblo, canciones como Gregorio, Escalera al infierno, Posesiva de mi, y otras como las dos últimas, escritas por Piero Bustos, lo que producirá un fuerte enfrentamiento que nunca llegó a los laberintos judiciales, porque claro, eran antisistema, por lo que recurrieona una guerrilla en base a volantes y publicaciones. Piero Bustos con José "El Negro" Prado y con Toño Lértora, consiguen publicar un 45 con Escalera al Infierno. y para Iempsa un EP con 4 canciones. Silva viaja a Europa con el grupo y Bustos empezó una activa vida en la bohemia radical y subterránea. Pasarán 10 años para que el grupo se volviera a juntar, reviviendo el mito ya gestado. La vuelta a los escenarios les permitió grabar tres álbumes: Manco Inca No manco (1996); Matute FM (2000) y Ni calco ni copia (2010). El grupo continuamente se ha reunido para muchas actividades y presentaciones, incluyendo giras a Europa. Han desplegado fuerte actividad cultural, y de difusión radial. Acosta estuvo al frente de El Averno apoyado por Bustos, una suerte da bastión de la cultura paralela, por último Bustos estuvo al frente de proyectos de difusión radial, Incluyo un clip que es un ejemplo para comprender el estilo musical que practicaban.
13. Danai y Pateando Latas - Maquillaje sensual (1987).
La participación femenina en la primigenia escena del rock nacional, en los años sesenta, podría resumirse en la trascendental tarea que realizó Rebeca "Becky" Llave, una jóven que a la edad de 21 años, que gracias a su labor de secretaria en una disquera local, que le permitió conocer todo el teje y maneje del negocio, llegó a fundar su propio sello: DisPeru, siendo su primera apuesta, ni más ni menos que, Los Saicos luego ficharía para el selloa a otras bandas y cantantes importantes de la época Sería en la década de los ochenta que la presencia de las mujeres comienza a tomar relevancia en nuestra escena rockera. La importante movida subterránea, la explosión contracultural iniciada hacia 1983, llegó a contar con alguna participación femenin. En la escena comercial, destacaría Danai Ramírez o Danai Höhne Stratigopoulou, sus apellidos de soltera, ella nació en Chile, y al instalarse la dictadura de Pinochet tuvo que partir al exilio muy jóven, al igual que Rodrigo Ramírez al que estaba vinculada sentimentalmente, de él no supo si estaba vivo o muerto, hasta que tuvo noticias que estaba refugiado en Perú, por lo que llegó a Lima para reunirse con él quedándose a vivir aquí y con quien tendría dos hijas. Denai se dedica a la docencia en un colegio de Lima y formaría parte del legendario grupo Tiempo Nuevo, uno de los pilares de la música testimonial con raíces folclóricas en el Perú. Hacia 1983 atraída por su otra gran pasión el rock, forma parte de la banda TV Color. que dejó un 45, que merece ser rescatado, pero la banda tuvo corta duración. Posteriormente se unió a Pateando Latas, convirtiéndose rápidamente en éxito de multitudes, gracias a su actitud, desafiante y carismática, superó las primeras reaccione negativas como Frontwoman de una banda rockera, hasta conseguir que se la considere como la "Dama del Rock Peruano". Un 45, un EP Maquillaje Sensual (EMI, 1987) y luego el álbum Ídolos (EMI, 1988) fue toda su discografía. Algunos de los temas fueron escritos por ella. La banda estuvo conformada por Eduardo Kakutani (Guitarra. Reemplazó a Ernesto Samamé); Eduardo Freire (Bajo. Músico de Miki González); Armando Pattroni (Batería, Después de Alex Sarrin) y Alberto Chong (Teclados). En la cresta de la popularidad y por motivos de salud bajó de los escenarios y se marchó con su hijas a Chile (Su pareja había fallecido). En 1992 se puedo conocer su temprana muerte. "No me cabe duda de que ella estaría como líder de un movimiento de mujeres en el Perú, com está Mon Laferte en Chile. Yo la vi y me recordó mucho a Danai. Desde su presencia física fuerte, contestataria, de romper moldes. Cuando la escuchaba hablar, podía estar escuchando también a Danai", comentó "Mocha" Graña (Ex Tiempo Nuevo, ex ministra de la Mujer), en reciente entrevista a El Comercio por motivo de haberse editado un CD recopilatorio Completo (CAL Comunicaciones, 2020).
14. Mar de Copas - Mujer noche (1993).
Hacia los primeros años de los noventa, paralelo a la escena oficial soportada por disqueras y las estaciones de radio, surgió un circuito alternativo conformado por bares y pubs, mayoritariamente localizados en el distrito de Barranco, donde confluyen un gran número de bandas, conformados por una nueva hornada de músicos y otros provenientes de la escena subterránea, son lugares muy concurridos y las bandas comienzan a ganar gran popularidad. Una de las bandas más emblemáticas de esta movida alternativa es Mar de Copas, una banda que consigue una identidad muy propia definiéndose como un una banda de estilo guitarrero y melódico, sus canciones están relacionadas con los trances del amor y el desamor. Manuel "Manolo# Barrios (guitarra voz y coros) y Eduardo"Toto" Leverone, deciden formar la banda, a la que posteriormente se suman Luis "Wicho" García (Vocalista, ex Narcosis, La Banda Azul)); Félix Torrealva (Bajo), después reemplazado por César Zamalloa; Phoebe Condos (Teclados) y Claudia Salem (Coros). En 1993 graban para el sello !Eureka! records - una subsidiaria de El Virrey, creada para captar a los grupos alternativos- un álbum homónimo. Con su propia propuesta sin intervención y presión de la industria, ganó una popularidad que fue creciendo a lo largo de los años convirtiéndose en una banda emblemática y representativamente generacional, prácticamente de culto que no puedo dejar de mencionar.
15- La Liga del Sueño - Mala sangre - (1994).
Jorge "Pelo" Madueño, había sido protagonista de la escena subterránea , con bandas como Narcosis, y posteriormente con Eructo Maldonado, y luego como músico de la banda de Miki González, participando en su primer y segundo álbum como baterista, hacia finales de 1991 se reúne con otros músicos para ensayar un nuevo proyecto musical. así nacerá en 1992, La Liga del Sueño, un trío conformado por "Pelo" haciendo. voz.quitarra, percusión y teclados; Mauricio "Chino" Chau, en la guitarra y coros y Arturo Ríos en la batería. Sobre esa base participaron diversos músicos a lo largo del tiempo. Se definieron como una banda de rock alternativo. En 1994 graban su primer álbum: Al derecho y al revés (OHM - El Virrey), donde destaca Mala sangre. En esos momentos integraron la banda, Gonzalo Torres en el bajo y Johanna San Miguel en los teclados y coros, ambos integrantes del grupo de teatro Pataclaun, al cual también pertenecía "Pelo" Madueño. En 1996 graban su segundo álbum: Por tierra (Discos Independientes y en 1998 para la transnacional Sony Musica publican, Mundo Cachina, con lo cual le abre muchas puertas, consiguen alta rotación en los medios incluyendo MTV y presentaciones fuera del Perú. El disco incluye una nueva versión de Mala sangre, que tuvo un video que acompaña esta nota. El grupo se desintegra en 2000. Presentándose, simplemente como Pelo Madueño, éste asumirá una reconocida carrera como solista.
16. Los Mojarras - Triciclo Perú (1994).
Por varias décadas la migración interna fue un flujo constante que desbordó a la capital, Lima , rodeándola por un gran cinturón de marginalidad, pobreza y caos, la ciudad no le ofrecía las posibilidades de trabajo formal de manera que con gran esperanza generaron su subsistencia basada en el comercio, especialmente el ambulatorio y otras actividades informales o precarias, a su vez generaron una identidad cultural propia. las costumbres que habían traído de sus pueblos, como las fiestas y la música se se condensaron en un singular mestizaje con la cultura citadina. Los hijos de los migrantes, los jóvenes de la década perdida, que crecieron entre lo urbano y la precariedad de los barrios periféricos reclamaron música y así desde los cerros del distrito de El Agustino, se comenzó a escuchar el sonido eléctrico del rock, como gritandole a la ciudad, "aquí hacemos rock nuestro rock", estos jóvenes crearon su propia escena con festivales, que fueron creciendo junto con las bandas hasta conseguir los legendarios "Agustirock", que remecieron todos los circuitos formales. Ahí se forjaron Los Mojarras, una banda destinada a romper muros y superar el racismo y el clasismo, tan arraigado en esos circuitos. No hay camino posible para el rock que no este en las senda de la fusión y así la banda fusiona rock con la música chicha y la andina, un sonido totalmente mestizo, compases de cumbia-chicha o melodía andina con la vertiginosidad de un riff de hard rock. Mojarras publica su primer álbum Sarita Colonia (EL Virrey, 1992) grabado en el estudio de Miki González y con la participación de él en un par de temas, como también de Wicho García en los teclados. La consagración definitiva les llega con su segundo disco, Ruidos en la ciudad ( Discos Hispanos, 1994) con su tema estandarte, Triciclo Perú. una reivindicación musical de la periferia urbana simbolizando su forma de ganarse la vida. El clip que acompaña esta nota es el video de fondo a la secuencia de créditos de la telenovela Los de arriba y los de abajo del cual esta canción, era el tema musical principal.
17. La Sarita - Más poder (1999).
La Sarita, una banda de rock fusión (rock, chicha y música andina),fue formada en el Agustino en 1997 por ex integrantes de Los Mojarras. El nombre de la banda es una alusión a la forma como se le llama popularmente a Sarita Colonia, una santa no oficial y venerada como patrona de los desposeídos. El guitarrista Martín Choy con Renato Briones en el bajo, Danny Taico en la batería, Kelvi Pachas en los teclados, Dante Olivares en percusión y Julio Pérez Luyo como vocalista conformaban la banda que llegó a publicar su álbum debut titulado Más Poder (IEMPSA, 1999), cuya primera pista es el tema del mismo nombre, el que se hizo muy popular. Corrían tiempos de concentración del poder y descrédito del gobierno de Alberto Fujimori. Se separaron el 2001, pero se reagrupan el 2003 sacando un segundo álbum Danza la raza (IEMPSA, 2003). De ese momento en adelante la banda evoluciona significativamente, incorporan nuevos elementos como el violín, soporte de un danzante de tijeras que pasa a formar parte del grupo, al mismo tiempo que Pérez Luyo reforzó la actitud histriónica que adoptó el grupo Su sorprendente estilo superó a lo considerado fusión, es muy bien recibido, convirtiéndose en una banda emblemática y representativa no solo en conciertos fuera del país, sino también en eventos culturales de trascendental importancia. Actualmente la Banda se refundó como Sarita Coloni a la salida de algunos miembros, como el vocalista Pérez Luyo.
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| Pablo Milanés (Imágen captu"ra) |
"Una misa para el futuro de la humanidad"
En el último día del 2020. el trovador Pablo Milanés, uno de los fundadores del histórico movimiento musical la Nueva Trova Cubana, ha publicado en su canal de Youtube Esperando el milagro, la canción es un reflejo de la preocupación que siente el compositor, por la terrible pandemia que azotó al mundo en el año que terminó y que ha causado tanto dolor en millones de hogares del mundo entero, y que nos cambió el modo como enfrentamos la vida diariamente.
La composición es una oración, una plegaria por el futuro de todos, es "Una misa en función del futuro de la humanidad" según sus propias palabras en la presentación del video de la canción,
Milanés ha dicho sobre esta publicación: "He hecho lo que sé, una canción, y he querido aproximarla a la religiosidad, pues todo el mundo, en el afán de salvarse , en el miedo que existe alrededor de todo lo que está pasando, de la tragedia que está viviendo el planeta...más bien reza que piensa" y luego el cantautor explica: "he querido hacer esta canción, como si fuera una oración al modo del Padre Nuestro católico, como si fuera una misa divulgada por un Papa, por un sacerdote, por un babalao, por cualquier guia de cualquier religión...Creo que el milagro se puede traducir de distintas formas y el milagro, en este caso, se traduce en la forma que pueden trabajar los pueblos, los países, los gobernantes para hacer que todo funcione mejor, que la sanidad funcione mejor, que la ciencia funcione mejor, todo eso puede resultar en un milagro para la humanidad".
Han participado en el video musical acompañando a Pablo Milanés los músicos también cubanos Miguel Núñez, pianista y director musical, desde hace varios años, de la banda que acompaña a Milanés y de la chelista Caridad Rosa Varona. Con este mismo equipo presentó hacia el mes de mayo del años pasado un trabajo que fue realizado en pleno confinamiento titulado Vestida de mar y que dedicó a la gente que tuvo que resistir y reorganizar su vida a causa de los efectos de la pandemia. Para el 2021 el cantautor está dispuesto y ya ha anunciado que va a iniciar una gira que la ha denominado Días de luz.
Es muy reconfortante que artistas veteranos, de tantos años de trayectoria artística, sigan en escena publicando sus trabajos y en plena actividad.
Como pájaros quietos en el airecomo peces ahogándose en el mar
como un salto al vacío del precipicio
así estamos al borde del final.bisYo no se si ha fallado el perdón de los pecadosde las deudas contraídas durante una eternidadsi falló el paraíso que prometieron los hombresde un planeta de iguales de riquezas de pazsolo se que lloramos con miedo sin futuroesperando el milagro que un día llegaráun milagro que viene saturado de dudaspensando que resulta salvar a la humanidadAleluya, AleluyaPor eso me preguntovolverán los pecadoslas deudas sanarántendremos un paraísode igualdad y de pazno tengo la respuestala tendrás tu jamásaleluya aleluya.
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| Armando Manzanero (Foto Instagram de A.M.) |
Parece que el 2020, está dispuesto a darnos malas noticias, hasta en sus últimos días. Este año cargado de dolor que está por terminar, se lleva también la vida de Armando Manzanero víctima de la espantosa epidemia que tanto daño ha causado por todo lugar. Es una noticia triste y lamentable.
Armando Manzanero nos deja un legado musical elaborado en más de 60 años de continua actividad artística, tiempo en el que escribió más de un millar de canciones, según la Fonoteca Nacional de México, se asegura que serían alrededor de 600 piezas musicales que pertenecen a este gran maestro. “Yo desde que nací, nací para ser músico, y soy músico las 24 horas del día, hasta cuando duermo soy músico”, aseguró el malogrado artista.
Armando Manzanero es considerado uno de los máximos exponentes de la música latina y el bolero moderno, con sus composiciones generó un nuevo concepto para el bolero contemporáneo. Con la producción del álbum Romances para Luis Miguel, nuevamente le dió nuevos brillos al bolero en la década de los 90, con el recurso de la balada y sin perder la esencia romántica del género, lo acercó a los segmentos juveniles de la época, que aceptaron con beneplácito esta música. "El mejor idioma para el amor son las canciones", aseguró el maestro en una entrevista para un documental.
Manzanero, fue el primer mexicano en recibir el Lifetime Achievement Award Grammy en el 2014 por The Recording Academy de los Estados Unidos.
Manzanero estuvo muy identificado con el Perú, son innumerables las veces que visitó mi país, en sus años de apogeo en los 60 y 70s, sus estancias eran prolongadas, que incluían mucha actividad artística, pero también con trascendidos de aventuras románticas, que desencadenaría en una oportunidad a tener descendencia peruana. Públicamente ha declarado su predilección por la comida peruana y tuvo mucha influencia de los compositores de valses criollos peruanos, como Chabuca Granda o Polo Campos, su célebre canción Adoro lo compuso inicialmente siguiendo los acordes del vals criollo, incluso llegó a grabar canciones de música criolla peruana. También mantuvo una fuerte amistad con la cantante peruana Tania Libertad, que radica en México hace ya varios años, y con quien realizó varias producciones musicales.
En este post intento destacar sus canciones más representativas a mi modesto entender, algo muy difícil de indicar cuales serían estas, pues Manzanero tiene más de 150 canciones que han sido éxitos internacionales. Me llama la atención que internet tenga muy poca referencia biográfica y reseñas discográficas, quizá busqué mal, seguiré intentando y editare este post si es necesario, si encuentro información relevante.
Para finalizar, me quedo con lo que dijo Tania Libertad: "Manzanero va a seguir existiendo mientras exista el amor, punto".
SUS CANCIONES
1. Parece que fue ayer.
Esta canción la compuso, sin saberlo y a solicitud de un colega de Manzanero, para el aniversario de bodas número 25 del del expresidente de México, Gustavo Díaz Ordaz, según reveló el escritor mexicano Pável Granados quien está a cargo de la Fonoteca Nacional de México, estas declaraciones las hizo en una entrevista que concediera a la cadena CNN en español. La canción fue publicado en el álbum Manzanero "El Grande" Vol II (RCA Victor, 1967).
2. Adoro.
En el episodio dedicado a la canción Adoro, de la serie documental La música popular mexicana a través de sus creadores (2014), documental patrocinado por la Universidad Autónoma Metropolitana Xochimilco, se comenta que Armando Manzanero luego de retornar a México de una estancia en Perú en 1965, compuso su célebre composición Adoro, pero lo creó "siguiendo la sonoridad del vals criollo", según se menciona textualmente, Manzanero estuvo inspirado en el vals peruano e influenciado por Chabuca Granda, Abanto Morales, Augusto Polo Campos entre otros. Pero cuando el maestro decide grabarla, la convierte en balada empezando así el camino al reconocimiento internacional del tema. El baladista mexicano Carlos Lico, sería el primero en grabarlo e iniciar su popularidad en diversos países. Armando Manzanero lo publica en su álbum A mi amor ... con mi amor (RCA Victor 1967), un disco con muchas composiciones memorables.
3. Mia.
Esta es otra estupenda canción del álbum A mi amor ... con mi amor, álbum que también es conocida como Armando Manzanero y sus canciones, tal como figura impreso en la funda y en las etiquetas del mismo disco. Manzanero la grabó más de una vez, alguna con esclusivamente arreglo de guitarras, con notas más altas, con esta canción demuestra que también cantaba excelentemente, aunque para un documental declaró: "Me considero un cantante inmensamente frustrado". pero en realidad cantaba muy bien los boleros y baladas. Me permito incluir como video de la canción, una presentación cantando en dueto con José José, indiscutiblemente uno de los más grandes baladistas sino el mejor, ambos son tremendos exponentes de la música romántica mexicana.
4. Voy a apagar la luz.
Esta canción también fue publicada en el álbum mencionada en la canción anterior, para este álbum los arreglos estuvieron efectuados por Eduardo Magallanes para la orquesta que dirigía. En otras grabaciones e interpretaciones que efectuó, los arreglos suenan un tanto diferentes para la mayoría de las canciones de este disco. Para esta memorable canción recomienda la versión de Simone, es una interpretación estupenda. Esta fue el primer éxito con trascendencia internacional de Manzanero. La compuso en 1959, es su canción más antigua y es la primera pista de su primer álbum Mi primera grabación. Lo grabó por primera vez Lucho Gatica.
5. Esta tarde vi llover.
También se encuentra en el álbum A mi amor ... con mi amor. Según la revista Billboard, esta canción lideró el ranking de las mejores canciones latinas, considerando un periodo comprendido entre 1925 y 2015.
6. Contigo aprendí.
Armando Manzanero aseguró que esta canción era su favorita, junto a Por debajo de la mesa.
7. Cuando estoy contigo.
Una de las confluencias sublimes en el escenario, es la que se muestra en le video de esta canción, Armando Manzanero compartió una presentación con Celia Cruz, otra artista inolvidable que ahora comparte la eternidad con el maestro. La interpretación de este bolero por Celia es magistral, manzanero acompaña en el piano, ese instrumento que dominaba tan espléndidamente. La canción pertenece también, al último álbum que he mencionado. Con esta composición ganó el primer lugar del Festival de la Canción de Miami en 1965. (favor subir volumen).
8. Perdóname.
Otra pista del mismo disco es Perdóname. En el video siguiente, Armando Manzanero comparte presentación con Luis Miguel en el show que tenía Verónica Castro en TV. esta aparición serviría como punto de partida, para que Luis Miguel encontrase temática para sus siguientes trabajos. Manzanaro produjo para Luis Miguel el álbum Romance (WEA Latina, 1991), con los arreglos de Bebu Silvetti, el primero de una serie de los tres discos más memorables de Luis Miguel y de monumentales dividendos. El bolero renació en tiempos de balada y soft rock, consiguió que la juventud de esos años haga suya esas canciones de antaño, a la vez que Luis Miguel ampliaba su audiencia aceptado por las personas de mayor edad. Dos canciones de Manzanero aparecieron en ese primer disco, No sé tú y Te extraño.
9. No.
Esta es la última pista del álbum A mi amor ..con mi amor, que como pueden comprobar, reúne varios temas imperecederos del gran maestro Manzanero, recomendable escuchar todas sus pistas, sobre todo a los que gustan de las canciones románticas en general. Fue un tema popularizado internacionalmente por Carlos Lico.
10. Somos Novios.
Es la primera pista del álbum Somos novios ...siempre novios (RCA Victor, 1968). Una de las canciones más emblemáticas del maestro Manzanero, escucharla en cualquiera de las numerosas versiones, nos lleva a recordar inevitablemente a la versión de Armando Manzanero, con ese agradable arreglo de cuerdas. La canción fue reescrita en inglés por Sid Wayne, más adelante lo cantaría el mismísimo Elvis Presley.
11. Esperaré.
Publicado en álbum Somos Novios ... siempre novios.
12. Por debajo de la mesa.
13. Nada personal.
Con Tania Libertad hicieron varias producciones musicales juntos, entre los que destacan los álbumes, La libertad de Manzanero (Columbia, 1995) y Armando la libertad (1985), genial dueto que podemos apreciar en el siguiente clip.
14. No se tú.
Canción publicada en el álbum Cariñosamente Manzanero (CBS Columbia, México, 1987). Una de las piezas que se incluyó en el álbum Romance de Luis Miguel.
15 Te extraño.
Bonus track
Documental
Adoro en tiempo de vals por las Hermanas Nuñez
Fuentes:
www.wikipedia.org
www.discogs.com
Historia Viva Serie documental de Claro TV México.
Un álbum hecho en "rockdown".
Hace 50 años, en abril de 1970, Paul McCartney publicó su primer álbum solista, McCartney (Apple Records), eran días en que las relaciones entre los fabulosos cuatro de Liverpool, eran tensas y el final de The Beatles se acercaba rápidamente. Paul estaba tenso y deprimido y había regresado a Londres, animado y ayudado por su esposa Linda, sacó adelante este disco, donde Paul era todo, el compositor, el letrista, el que tocaba todos los instrumentos y también el productor , era un disco que sonaba totalmente diferente a los superlativos trabajos que había publicado en los años anteriores con los Fab Four.
Diez años después, entregaría su segundo álbum personal que lo tituló McCartney II (Parlophone, 1980) , había terminado una década fabulosa con los Wings en la que Linda McCartney fue partícipe, y este proyecto se desgastó y nuevamente las tensiones agobiaban, nuevamente el álbum llegó como fuerza liberadora. Y en 2020, cinco décadas después de la primera y cuatro de la segunda entrega. Paul nos sorprende con su McCartney III (Capitol Records), a sus 78 años de edad, mantiene la mecha creativa radiante e inacabable, Como algo inexorable el mantra se repite, como en sus dos trabajos anteriores, que fueron la catarsis liberadora de los últimos días de tan célebres bandas, en esta oportunidad, la creación de este álbum fue la fuerza motivacional para superar el confinamiento obligado por la epidemia, por eso que Paul en un juego de palabras afirma que este álbum fue trabajado en "Rockdown". La encerrada lo cumplió en la granja de su hija Mary en Sussex al sur de Inglaterra. Como los dos discos predecesores es un trabajo tan personal e íntimo, como sencillo y familiar, donde nuevamente Paul es todo, escribe, ejecuta y produce. No es un disco para las tribunas, para ellos tiene un repertorio fabuloso, para que deliren incansablemente, este es un disco para sus más conspicuos seguidores, para los que lo entienden, aquí no hasy sofsticaciones, hay experimento y pasión por los sonidos y acordes, incluso suena a indie, como a rock o pop según la pista, no hay máscaras ni retoques, que seguro un productor comedido hubiese exigido, es un disco que a fuerza de escucharlo varias veces, se termina queriéndolo con efusión.
"El mundo entero se preguntó hace medio siglo cómo demonios el mismo artífice de la cara B de Abbey Road, tal vez la suite más portentosa en la historia del pop, había sido capaz de grabar apenas medio año más tarde un disco desaliñado, fragmentario, ínfimo. Tardamos en comprender que McCartney preconizaba con modos casi visionarios el intimismo y el lo-fi. Tampoco parecían inteligibles los devaneos con las cajas de ritmos y los teclados de baratillo allá por 1980, justo tras casi una década de melodías prístinas al frente de los Wings, pero los clubes más distinguidos y noctámbulos acabaron enloqueciendo al ritmo de Temporary Secretary. La tentación transgresora no es tan radical ni acentuada en el caso de McCartney III, pero parece evidente que ningún LP de vocación mayoritaria se abriría jamás con Long Tailed Winter Bird, un (casi) instrumental de cinco minutos cimentado en torno a un obstinato de Mi agudo repetido hasta la extenuación. Nada pesadillesco, descuiden: acabarán tarareándola todo el fin de semana.". (Publicado en El País, por Fernando Neira)
"Tuve mucha suerte de poder venir a mi estudio y hacer algo de música, lo que alivió todo el asunto de la cuarentena. Escribía una canción, luego entraba y la grababa, o decía, 'Espera un minuto, ¿qué hay de esa canción que comencé el año pasado pero nunca llegué a terminar?' Así que no había ninguna preocupación ", dice. "Si estás haciendo un álbum, lo que podrías llamar un álbum adecuado, te estás concentrando en asegurarte de que sea correcto. Y en este proyecto, no me estaba concentrando. Solo estaba [diciendo], '¿Sonaba bien? a lo siguiente. Tiene una sensación muy suelta ". (Extraído de NPR.org)
"Cada década debería comenzar con un álbum de Paul McCartney, el hombre orquesta, y este lo que se necesita más que la mayoría. McCartney III continúa con su tradición de discos solistas, caseros, en el modo de su debut acústico de 1970 y su rareza del synth-pop de 1980 McCartney II . Como sus dos predecesores, es Macca en su forma más divertida. No está sudando por ser una leyenda, un genio o un Beatle, solo un hombre de familia que se relaja en cuarentena, escribiendo algunas canciones para mantener su fluidez. Como el resto de nosotros, ha estado encerrado, pasando el rato en la granja de su hija, con sus nietos sobre sus rodillas, tocando su guitarra acústica bajo el sol de verano inglés. Es el más cálido y amigable de los álbumes en cuarentena: . es básicamente, Ram y folclore". (De RollingStone.com Review de Rob Sheffield)-
McCartney III - Trailer oficial
McCartney III - Trailer oficial #2.
Find my way
Fernando Neyra, en El País: "Find My Way podría descodificarse como indie acelerado, contemporáneo y adictivo, más aún en sus pasajes en falsete"
Kitty Empire en The Guardian: "A estas alturas sabemos que el autor de Hey Jude y Let It Be sigue siendo un tipo realmente decente a quien acudir en una crisis. Find My Way, la canción de III que revela con mayor claridad sus orígenes en 2020, ofrece un hombro en el que apoyarse. "Ahora estás abrumado por tus ansiedades", canta McCartney, "déjame ayudarte, déjame ser tu guía". Aún mejores son los diversos instrumentos de suave arpegio de la canción, que complementan las palabras con persuasiva belleza.".
Women and wives (video con letra oficial).
La canción preferida por Paul en este álbum.
"Sé que tu objetivo al hacer música es hacer algo que te agrade. ¿Qué es lo que más te agrada del nuevo álbum? "
"Estoy muy feliz con "Mujeres y esposas". He estado leyendo un libro sobre Lead Belly!.12
(12
Huddie Ledbetter, un músico clásico de blues y folk de la primera mitad del siglo XX. McCartney me mencionó que también estaba leyendo “Last Train to Memphis”, el primer volumen de las biografías de Peter Guralnick sobre Elvis Presley). (Nota de la publicación original.)
"Investigaba sobre su vida y pensando en la escena del blues de ese entonces. Me encanta ese tono de voz, la energía y el estilo. Así que estaba sentado en mi piano, y estaba pensando en Huddie Ledbetter, y comencé a juguetear en la clave de Re menor, y esto se me ocurrió. “Escúchenme mujeres y esposas”, en un tono de voz como el que imagino que haría un cantante de blues. Estaba influenciado de Lead Belly, del universo, del blues. Y la razón por la que estoy satisfecho es porque en la letra hay buenos consejos".
When winter comes.
"El álbum cierra el círculo cuando termina con el riff de la pista de apertura, Long Tailed Winter Bird, y pasa a When Winter Comes, que grabaste hace años con George Martin, ¿verdad? "."Si. No hay nada en esa pista, solo soy yo, pero hice una pista llamada Calico Skies hace un tiempo [para el álbum de 1997 Flaming Pie], que produjo George. Y al mismo tiempo, como estaba en el estudio y tenía un minuto extra más o menos, tenía esta otra canción, así que dije, 'déjame acabar con esta'. Eso fue When Winter Comes, y menciono a George porque estaba en una sesión producida por George Martin, pero soy solo yo en la guitarra. Casi iba a ser un extra extra que iba a estar en una reedición de Flaming Pie, pero acababa de leer ese gran libro sobre Elvis, Last Train to Memphis, y mencionaba una canción y decía que probablemente nunca lo escuchaste porque estaba enterrado como un bonus en la cara B de un álbum. Así que pensé, no, preferiría tenerla esta como una pista más adecuada. Y terminamos el álbum con eso porque fue la razón para hacer todo, porque mi compañero Geoff Dunbar y yo, él es director de animación, estábamos hablando de hacer una película animada con esa canción. Así que de ahí vienen las pistas de apertura y cierre, que fueron las que me llevaron al estudio".
Paul McCartney - de una entrevista con Stuart Stubbs, de la revista Loud And Quiet , octubre de 2020.
Citado en https://www.the-paulmccartney-project.com/song/when-winter-comes/.
Lavatory Lil.
Una pista destacable, además jocosamente agradable.
Links de descarga
Fuentes consultadas:
www.Wikipedia.org
www.discogs.com
www.
www.the-paulmccartney-project.com
Etiquetas: [John Lennon]
Fecha Publicación: 2020-12-08T20:50:00.020-05:00
Fecha Publicación: 2020-12-08T20:50:00.020-05:00
"Lo que quieren es héroes muertos, como Sid Vicious y James Dean. Pero yo no tengo ningún interés en ser un jodido héroe muerto, así que a olvidarlos, olvidarlos".
Han transcurrido 40 años desde aquella aciaga noche del 8 de diciembre de 1980, en que un aparentemente desequilibrado mental de apellido Chapman, asesinó cobardemente a John Lennon, frente al edificio Dakota en New York, donde residía con Yoko Ono y su hijo.
Lennon, en aquel año de su muerte, había puesto fin a un receso artístico que se prolongó por cinco años, tiempo en que su vida lo dedicó enteramente a su familia y al cuidado de su hijo Sean. Lennon pasaba el mejor momento de su vida, esta experiencia familiar, que no había podido vivirla cuando fue niño, ni con Julian, su primer hijo, lo llenó de vigor en diferentes aspectos, entre ellos, el artístico, los años vividos con excesos habían quedado en el recuerdo.
Apenas habían pasado tres semanas desde que publicó junto con Yoko Ono, el álbum Double Fantasy, y en las sesiones de grabaciones para este álbum, había creado tanto material suficiente como para publicar otro nuevo álbum, tan fue así, que en 1984 se lanzó un disco póstumo titulado Milk and Honey.
Los grandes creadores sobreviven, no se los puede matar, nunca mueren, siguen vivos, sobreviven con su arte, con su mensaje, a lo largo de estos cuarenta años. John, nunca se fue, no hemos dejado de escucharlo y las nuevas generaciones, también han hecho suyas las canciones de Lennon, com la misma devoción que la hicieron las anteriores. Nos quedan sus canciones al amor, a la paz, a la equidad y a la esperanza, porque cuarenta años después, aún es lo que la humanidad sigue necesitando.
Aquí repaso algunas canciones con las cuales se vinculó al activismo político y social, con el cual fundamentalmente bregó por la paz, algo que en estos 40 años han sido tan frágil de mantener, causando muerte y desolación, situación dolorosa que contribuye a la vigencia de John lennon.
1, Revolution.
Es una canción de Lennon escrita en su etapa con The Beatles, en el turbulento año de 1968. Existen dos versiones del tema, ambos grabados el mismo año. La primera versión está en blues y se grabó en las sesiones del álbum The Beatles, o más conocido como White Album, por ser muy lenta no se consideró como apta para ser lanzada como un sencillo, por lo que en junio, se grabó una nueva versión mucho más fuerte y eléctrica, con mucha distorsión, al estilo de un tema hard rock, lanzada como sencillo y lado B de Hey Jude en agosto de 1968. La primera versión se incluiría en el Älbun Blanco con el nombre de Revolution 1.
Es la primera incursión en asuntos políticos de todos los de la banda, particularmente de John. En 1968 el contexto socio-político era agitado, los movimientos pacifistas y antirracistas se propagaban en las calles y exigían participación, la banda era presionada a manifestar su apoyo moral e incluso económico. Muchos artistas estaban formando parte de esa ola, incluso Mick Jagger había participado en un evento. Con esta canción empieza a manifestarse la exigencia pacifista de John, si bien es cierto el título puede confundir, pero la letra clama por la no violencia. Hacia los años 70, John evolucionaría a posturas más activistas.
"Pero cuando hablas de destrucción¿No sabes que no puedes contarme?...Me pides un aporteBueno, ya sabesTodos estamos haciendo lo que podemosPero si quieres dinero para personas con mentes que odianTodo lo que puedo decirte es hermano, tienes que esperarNo sabes que va a ser"
2. Give peace a chance.
Después del matrimonio de John con Yoko Ono en marzo de 1969, la pareja viajó en "luna de miel" a Ámsterdam, donde decidieron aprovechar esos momentos en que los medios de comunicación, le tenían puesta la mira, para lo cual idearon el famoso y publicitado, "bed-in for peace". Lennon estaba totalmente imbuido en la campaña pacifista en contra de la guerra en Vietnam, por lo que decide permitir que la prensa acceda a su habitación del hotel, el cual lucía lleno de carteles con lemas exigiendo paz. John le dijo a uno de los periodistas que eso lo estaba haciendo para "darle una oportunidad a la paz", frase que le pareció interesante como para volcarla en las letras de una canción. .
La pareja repitió esta actividad en Montreal, en el "Queen Elizabeth Hotel", donde grabaron, el 1ro. de junio de 1969, con una cámara de 8mm, casi improvisadamente, la interpretación conjunta de Give peace a chance, frente a numerosa prensa y acompañado de otros artistas que en esos momentos lo visitaban. La canción fue publicado como un sencillo en julio de 1969 por Apple Records figurando Plastic Ono Band como intérpretes y en el álbum Live Peace in Toronto 1969, donde se atribuye autoría de Lennon/ McCartney, pero en el compilatorio The John Lennon Collection (Geffen, 1982), se indica a Lennon como único autor.
En el Festival de Toronto de 1969 y por consiguiente en el LP, Plastic Ono Band, estuvo conformada por Eric Clapton, Klaus Voorman, un viejo conocido, diseñador y músico y el baterista Alan White, quien posteriormente se uniría a la banda Yes, además de John y Yoko.
La canción como símbolo de protesta ha sido versionada en numerosas películas y coreada en actividades y manifestaciones.
3. Working xclass hero.
Esta canción forma parte del álbum John Lennon/ Plastic Ono Band (Apple Records, 1970), el primer álbum en solitario de Lennon,y en este pista del disco le canta a los jóvenes, sugiriéndoles que no pueden seguir siendo manipulados, "héroe de la clase trabajadora (obrera) tienes que ser", y concluye "si quieres ser un héroes solo sígueme".
Sobre esta canción Lennon declaró a la revista Rolling Stone publicado en enero de 1971, en una entrevista efectuada precisamente en un día como hoy 8 de diciembre pero de 1970, lo siguiente: "Es realmente revolucionario. Creo que su concepto es revolucionario y espero que sea para trabajadores y no para tartas y maricones. Espero que de eso se trate de lo que “Give Peace A Chance” era, pero no lo sé. Por otro lado, podría simplemente ignorarse.
Creo que es para las personas como yo que son de la clase trabajadora, lo que sea, alta o baja, que se supone que deben ser procesadas en las clases medias, a través de la maquinaria, eso es todo. Es mi experiencia y espero que sea solo una advertencia para la gente. Digo que es una canción revolucionaria; no la canción en sí, sino que es una canción para la revolución".
John canta como un trovador acompañado solamente de una guitarra acústica, pareciera atrapado por el estilo Dylan, en la misma entrevista aseveró lo siguiente: "Cualquiera que cante con una guitarra y cante sobre algo pesado tenderá a sonar así. Estoy obligado a estar influenciado por ellos, porque ese es el único tipo de música folk real que realmente escucho. Nunca me gustó la afrutada Judy Collins y Báez y todas esas cosas. Así que la única música folclórica que conozco es sobre mineros en Newcastle o Dylan. De esa forma me influiría, pero no me suena a Dylan. ¿Te suena a Dylan?, esa es la única forma de tocar".
4. Power to the people.
Es el cuarto sencillo lanzado como solista por John Lennon, en marzo de 1971 por Apple Records, acreditado como John Lennon/ Plastic Ono Band producido por Phil Spector con la participación de John y Yoko. Se llevó al disco durante las sesiones de grabación del álbum Imagine, en Inglaterra. Esta canción aparece por primera vez en un álbum en 1975 en la compilación Shaved Fish. El tema ha sido utilizada en las últimas campañas del demócrata Bernie Sanders.
Los Beatles y en especial John Lennon, no fueron indiferentes al fuerte movimiento pacifista y antirracista de los últimos años de la década del 60. En 1969 Lennon devolvió su nombramiento como Caballero, a la Reina con el siguiente mensaje : "Su Majestad estoy devolviendo mi MBE como protesta por la injerencia británica en el conflicto Nigeria/ Biafra, en contra de nuestro apoyo a Estados Unidos en Vietnam, y en contra de la caída de Cold Turkey en las listas. Con amor, John Lennon de Bag".
En 1971 desfiló en Londres con un cartel "Red Mole, por el IRA, contra el Imperialismo Británico" y repitiendo el estribillo "Power to the people". Esta canción fue inspirada tras la famosa y extensa entrevista concedida al periódico trotskista "Red Mole", donde Lennon dió a conocer su sustentada tendencia radical expresada en algunas actitudes y composiciones musicales.
Esta canción la compuso en un solo día. y no solo les cantó a los trabajadores y el pueblo, también escribió esto en la canción:
"Debo preguntarles camaradas y hermanos¿Cómo tratas a tu propia mujer en casa?Ella tiene que ser ella mismaPara que ella pueda liberarse"
Lennon en sus escritos publicados póstumamente reveló no mucha satisfacción por la canción:
"Me sentí inspirado por lo que dijeron, aunque en gran parte son tonterías. Así que escribí Power to the People de la misma manera que escribí Give Peace a Chance , como algo para que la gente cante . Hago sencillos como periódicos . Fue otro rapidito, hecho en (el estudio de) Ascot ". - (https://es.qaz.wiki/wiki/Power_to_the_People_(song))
5. Give me some truth.
Esta canción también conocida como Gimme some truth (así es cantado), fue publicada como pista 1 del lado B del álbum Imagine (Apple Records, 1971), que fue producido por Phil Spector conjuntamente con John y Yoko. Es acompañado en la guitarra principal por George Harrison, su ex compañero en The Beatles, además, en el bajo por Klaus Voorman, Alan white en la batería y Nicky Hopkins en el piano.
Es una canción, que a diferencia de Imagine, que es el mundo soñado que deberíamos imaginar y conseguir, más bien describe al mundo real y a los llamados líderes políticos y sociales, evidencia el sentimiento generalizado en esos tiempos en que gran parte de la población, se mantenía movilizada y en protesta contra el gobierno y la guerra.
"Estoy harto y cansado de escuchar cosasDe hipócritas tensos, miopes y de mente estrecha"""He tenido suficiente de leer cosasPor políticos neuróticos, psicóticos y testarudosTodo lo que quiero es la verdadSolo dame algo de verdad"
Imagine fluye como un remanso apacible, mientras que esta canción, sacude hasta en la distorsión de la guitarra. Los versos de su canción resuenan con vigencia tozuda aun casi 50 años después, en estos tiempos de la manipulación mediática, la post verdad y los "fake news".
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6. I don't want to be a soldier.
Esta es la canción que cierra el lado A del LP Imagine, en el que también participa George Harrison, tocando un slide guitar, y donde también se incluyen maracas y saxofón, es una canción que dura poco más de 6 minutos y marcadamente política, se distingue por estar en contra de la obligatoriedad del alistamiento militar. John expresa en su canción, que
no quiere ser alguien que no quiere ser: “no quiero ser soldado, mamá”, no quiere ser ni rico ni pobre, ni abogado,
o marinero, tampoco sacerdote, no quiere volar, no quiere llorar,
y “no quiero morir”.
7. Imagine.
Pertenece al segundo álbum de estudio de John Lennon como solista y de título homónimo (Apple Records, Oct 1971), se considera como la más exitosa composición de Lennon. La revista Rolling Stone, la ubica tercera entre las 500 canciones mejores de todos los tiempos. La canción interpretada al piano por John Lennon es considerada com un "soft rock". Klaus Voormann, tocó el bajo y en la batería estuvo Alan White.
Este tema ha sido considerado como un himno de paz, canta a un mundo soñado, sin guerras, donde todos viven en igualdad. Un mundo utópico, sin países, sin religión, sin codicias, sin propiedades, sin nadie a quien matar o morir por algo, todos viviendo en paz. Más de uno, quizá muchos, han querido siempre generar controversia, por semejantes propuestas, pero es una canción, una canción que sueña por algo tan anhelado como es, a paz, la paz en la imaginación, en el verso y en una canción.
8. Angela.
El álbum Some time in New York City (Apple Records, Sep. 1972), más conocido como el álbum a dúo entre Lennon y Ono, es considerado el más político de los discos publicados por Lennon. El disco es presentado como interpretado por John & Yoko/ Plastic Ono Band con Elephant's Memory y Invisible Strings. La pareja se había mudado a Nueva York, en un año convulso cargado de acontecimientos políticos, El FBI les tenía puesta la mira y eran vigilados escrupulosamente, en estas circunstancias reunieron a destacados músicos formando una banda, a la que bautizaron como Elephant's Memory, en el grupo estaban Eric Clapton, George Harrison, Billy Preston, Alan White, Klaus Voormann y otros conocidos músicos, en los créditos del disco, aparecieron con seudónimos como una actitud simbólica por el momento de seguimiento policial.
Angela es una canción dedicada a la activista afroestadounidense Angela Davis, filósofa, activista, antirracista, feminista y militante del Partido Comunista, fue implicada en el sonado caso que estuvieron envueltos activistas conocidos como los Soledad Brothers, miembros de los Black Panthers que estaban detenidos en la prisión de Soledad . Davis es acusada de haber introducida un arma que encontraron a uno de los presos que fue muerto por la policía del penal, posteriormente Davis sería detenida, pero puesta en libertad por un jurado compuesto todos por blancos. Es en el trance de estar prisionera, que Lennon y Ono le componen esta canción. El movimiento por su libertad tuvo repercusiones internacionales. Davis tuvo una serie de persecuciones y hostigamientos una vez libre y fue inspiradora de varias canciones dedicadas a ella.
9. Bring on the Lucie (Freda People).
MInd Games (Apple Records, 1973), es el tercer álbum en solitario de Lennon, grabado por el mes de agosto de dicho año. En esos momentos Lennon vivía asediado por el sofocante seguimiento que le hacía el FBI, con el teléfono intervenido y con una amenaza latente de deportación, (así es como se asedia al disidente), que lo llevaron a vivir en una tensión emocional constante, además agravado por haberse ganado muchos enemigos, y en el lado artístico, por los resultados económicos del último álbum con Yoko, Some Time in New York CIty, que habían sido poco alentadores. Lennon también soportaba una fuerte crítica de sus seguidores, y los comentarios subían en tono, sobre lo negativo que Yoko resultaba para John. Ese cúmulo de hechos tensaron la vida en pareja de John y Yoko, por lo que ambos optan por una separación temporal, para darse un respiro,. Eran momentos en que también se iniciaba el periodo en la vida de John que se conoció como el "lost weekend", luego vendrían semanas de descontrol total.
John necesita redimirse y producir algo con mayor aceptación, reunió un grupo de músicos de sesión, distintos de los que había trabajado en sus anteriores grabaciones y asumió personalmente la producción del disco, había aprendido mucho de Phil Spector y era el momento de prescindir de él. Los temas del nuevo álbum reflejan mayormente mensajes personales e introspectivos, así como la melancolía por su separación de Yoko. Bring on the Lucie, es el último manifiesto político de John en su carrera musical, es la quinta canción del disco, deslizada muy sutilmente, hasta en el nombre, parece tratar de distraer de su contenido, un "Free the People", mimetizado, en un juego de palabras, de tal como suena. La canción tiene un sonido refrescante, con aires country, proporcionada por una guitarra de acero de pedal, con pocos acordes y repetitivos, pero con un coro pegajoso repitiendo "Free the people, now!, para terminar con "!para la matanza ya!". John, llegó a un punto de inflexión en su carrera musical, pero pronto la guerra terminaría, entonces el trabajo estaba cumplido, aunque otras guerras empezarían en el transcurrir de los calendarios.
10. Happy Xmas (War is over).
He dejado esta canción, para el final de esta lista de 10 canciones. Happy Xmas (War is over), es una canción lanzada como sencillo en diciembre de 1971, por John/ Yoko y The Plastic Ono Band, y que contó con la participación del coro de niños de la Comunidad de Harlem. Aunque algunos aseguran que la canción fue escrita por John, el tema está acreditado a la pareja. Se le considera como una canción protesta que dio fin a la campaña en contra de la guerra de Vietnam, que se había iniciado en los famosos "bed-in" de la luna de miel de John y Yoko. En el auge del movimiento contracultural surgido alrededor de las protestas contra la participación de Estados Unidos en dicha guerra, la pareja había iniciado una campaña publicitaria que incluía el alquiler de vallas publicitarias en 12 ciudades importantes del mundo, para colocar carteles en blanco y negro con el mensaje: "WAR IS OVER! If you want it", (¡La guerra ha terminado!, Si tu lo quieres). La canción con el tiempo, se ha convertido en un tema tradicional en las fiestas de fin de año, y es considerado prácticamente como un villancico, y ha sido versionada por numerosos intérpretes desde entonces y hasta estos tiempos.
Sirva la canción y el momento, para desearles a los lectores que han tenido la posibilidad de llegar hasta estas líneas, que estas fiestas navideñas y de fin de año, sean lo más reconfortantes para todos, ha sido un año aciago, muy duro, les deseo toda la fortaleza suficiente para afrontar un nuevo año, sobre todo para aquellos que el dolor tocó a sus puertas en estos meses terribles de pandemia, tenemos que seguir adelante. Un sincero deseo que el 2021 les llene de satisfacciones, amigos, tiene que ser un buen año., claro que sí, "If you want it".
"Una muy feliz NavidadY un feliz año NuevoEsperemos que sea buenoSin miedosY esto es NavidadPara débiles y fuertesLos ricos y los pobresLa guerra es tan largaY tan feliz navidadPara blancos y negrosPara los amarillos y rojosDetengamos todas las peleasUna muy feliz NavidadY un feliz año Nuevo"
Fuentes consultadas:
www.wikipedia.org
www.rollingstone.com
www.discogs.com
Etiquetas: [Andrés Calamaro] [Julio Iglesias] [Lanzamientos]
Fecha Publicación: 2020-12-06T01:12:00.001-05:00
Fecha Publicación: 2020-12-06T01:12:00.001-05:00
El 2013, Andrés Calamaro publicó el álbum Bohemio, un trabajo, que aunque continuaba su experimentación de sonidos, nos permitió recordar al Calamaro de sus mejores tiempos, aquellos de los años prolíficos de Alta Suciedad, Honestidad Brutal y El Salmón, o a su etapa más rockera con Los Rodríguez, dicho álbum fue recibido con satisfacción por sus seguidores. La canción estelar de ese álbum, que tiene el mismo título ha sido versionada recientemente por Calamaro y nada menos que a dueto con Julio Iglesias, uno de los intérpretes más legendarias de España. La entrega está disponible en todas las plataformas digitales y cuenta con un video de animaciones dirigido por Diego Salpurido y la producción estuvo en manos de Carlos Narea. A diferencia de la versión original, la canción se arregló para que corra apropiadamente al talento vocal de Julio Iglesias, y para un trío de piano, contrabajo y percusión, que consiguió un sonido con tonalidades de bolero y jazz. En el 2017 Julio Iglesias invitó a participar en su álbum de colaboraciones México & amigos, cantando a dueto la ranchera Juan Charrasqueado.
"Nadie tiene una vida ni una carrera artística como la de Julio Iglesias, Es una leyenda de verdad, como artista y como hombre. Julio Iglesias le puso vida al canto y es el cantante vivo más importante del mundo, los hombres soñamos ser Julio Iglesias por quince minutos. Cantando es un maestro y lo mostró sobradamente en esta grabación que lo ha bendecido con su arte", confesó Andrés Calamaro en una entrevista concedida a la revista Efe Eme.com, en la que también aseveró : "Lo de Julio en Bohemio es una clase magistral, ¡ Que arte y que oficio para cantar canciones! Elegancia sugestiva al mas alto nivel, es un dios entre los cantantes, lo mio es cante bohemio, lo de Julio es canela en rama. Que torero caro" No escatimó más elogios en dicha dicha entrevista: "Todos somos historia, pero Julio es una leyenda, cantante de cantantes. Le estoy muy agradecido, no hay dinero que pueda pagar semejante obra compartida. Este es el mejor amor posible, el de los amigos y compañeros de oficio".
Bohemio de Andrés Calamaro, del álbum del mismo nombre (Grabaciones Encontradas/ Warner Music Spain, 2017).
Juan Charrasqueado. Julio Iglesias con Andrés Calamaro del álbum México & amigos (Sony Music Latin, 2017)
Etiquetas: [Andrés Calamaro] [Charly García] [Las Pastillas del Abuelo] [Los Ratones Paranoicos] [Manu Chao] [Rodrigo]
Fecha Publicación: 2020-12-01T20:42:00.005-05:00
Fecha Publicación: 2020-12-01T20:42:00.005-05:00
Recordando a Maradona con canciones.
"Maradona no es una persona cualquiera, es un hombre pegado a una pelota de cuero", se escucha en la canción que le dedica Andrés Calamaro a Diego Maradona, que es, sin dudar, el futbolista más importante de todos los tiempos. Esos versos quizá resuman de la major manera, el recuerdo que tendremos de Maradona, el recuerdo del Maradona de los campos de fútbol, y no el recuerdo del Maradona que llevaría su vida a transitar, casi siempre por el extremo más peligros de la vereda. Fue con la pelota que permitió que los milagros ocurran, fue con la pelota, que lo místico se tornó terrenal, fue la "Mano de Dios", que forjó el mito, con picardía y con falta grave, el inicio de la revancha, pero también un molde que fijaría su vida. Fue el gol más extraordinario de la historia, en que el "Barrilete Cósmico" se elevó a un extraño Olimpo, para ser considerado como "el más humano de los dioses", como leí recientemente en el sitio de un medio informativo. A el 2-0 a Inglaterra en la Copa del Mundo 1986, Maradona, siempre le dió una "Declaración de Principios", y casi un Manifiesto político, un "pibe", nacido en la periferia de la gran ciudad, fue el guerrero que redimió una nación, que reivindicó a los fallecidos en una guerra injusta. Eso le suscribió un derecho innegable de tener un discurso político a su estilo, siempre recordando a los desposeídos, como fue él en su niñez.
Maradona entró a la memoria no solo de los argentinos, sino de millones en el mundo, con su juego alegre y vistoso, pero lo hizo por el lado del corazón, por eso es que será difícil que sea borrada la imagen de héroe popular a pesar de las debilidades nefastas de "El Pelusa" . Que persona puede ser tan profeta, de aseverar casi niño, que no solo jugaría un mundial, sino que sería campeón, y cumplirlo, ¿quién puede hacer eso?. ¿Qué profética fue esa "Mano de Dios"? normalmente una falta castigable, que le fijarían una vida llena de faltas y excesos.
Lo recordaremos siempre pero "pegado a la pelota de cuero", como si fuese la absolución permanente a ese vida que muchas veces no quisimos enterarnos y también lo recordaremos con agrado y nostalgia cuando escuchemos las canciones que le dedicaron tantos compositores y cantantes, de los modestos y de los famosos, de esos que fueron amigos de "El Diego" y que admiramos con fervor, porque tuvo amigos, y muchos, en todas las ramas de las artes, de la ciencia y de la política y de los etc. y de estos, los del lado oscuro, muchos, muchos. pero ni de fútbol ni de su vida nos toca hablar aquí, nos toca recordar esas canciones que le dedicaron con pasión, porque la música, como el fútbol, es pasión.
1. Rodrigo - La mano de Dios.
La canción más conocida y emblemática de las dedicadas a Diego Armando Maradona, se convirtió en un himno para sus fanáticos, imposible no seguir el estribillo "Maradó, Maradó... ". La canción es interpretada por Rodrigo Bueno, conocido simplemente como Rodrigo, y también como "El Potro", una canción escrita en clave del género musical conocido como Cuarteta, un ritmo muy festivo y alegre originado en la provincia argentina de Córdoba, donde nació este cantante que lamentablemente falleció a temprana edad, en un accidente automovilístico. La composición le pertenece a Alejandro Romero, la letra en alguna oportunidad fue adaptada, para que sea cantada en primera persona, por "El 10". La canción fue publicada póstumamente en el álbum, Rodrigo - Su historia (Vol. 1) - En vivo en el Luna Park (BMG Argentina/ Magenta, 2001). La letra de la canción desde la primera estrofa hace alusión al origen humilde y batallador de "El Pelusa": "En una villa nació, fue deseo de Dios/ Crecer y sobrevivir a la humilde expresión/ Enfrentar la adversidad/ con afán de ganarse a cada paso la vida/ En un potrero forjó una zurda inmortal/ con experiencia sedienta, ambición de llegar/ De cebollita soñaba jugar un Mundial/ y consagrarse en primera/ Tal vez jugando pudiera/ a su familia ayudar..."
2. Las Pastillas del Abuelo - ¿Qué es Dios?.
Las Pastillas del Abuelo, es una banda de rock creada en 2002 en Buenos Aires, Argentina. La canción fue publicada en el álbum Crisis (Discos Crack, Argentina, 2008). Con una letra cargada de misticismos y referencias divinas, está contextualizada en el encuentro de la Selección Argentina con su similar inglesa en la Copa del Mundo 1986 y en aquel entonces reciente conflicto de Las Malvinas. La letra pertenece a Alberto Sueiro, un conductor de taxi aficionado a escribir poemas, a quien el líder de la banda conoció casualmente al solicitarle un servicio, en el trayecto al surgir una conversación relacionada con el rock, el conductor le comenzó a recitar versos de este tema, que posteriormente lo incluirían en el repertorio de la banda. El compositor-taxista proporcionó también otras letras, que el grupo las llegaría a interpretar y grabar.
"Premio nobel de la paz
Desde México a Fiorito/
De Malvinas a Inglaterra/
Este loco diez bajito llenó de risas la tierra/
Llantos y risas de madres/
Viendo en el diez al compadre/
Genera risa latente, su risa en todas las fotos/
De los hijos combatientes".
3. Andrés Calamaro - Maradona
Esta canción es la nro 10. (no podría ser de otra manera), del álbum Honestidad Brutal (Warner Music Argentina/ GASA, 1999), un disco doble de 37 temas. que también era la edad que tenía Calamaro ese año. Haciendo honor al nombre del disco, los temas se seleccionaron de 100 que ya tenía compuestas, una honestidad verdaderamente brutal, en esos tiempos, todo lo que sentía o se le aglomeraba en la mente, Calamaro lo llevaba inmediatamente a una canción, recordemos que al año siguiente, publicaría El Salmón (Warner Music Argentina/ GASA, 2000) un box con 5 CD's, y en al año anterior le había añadido dos discos a su último trabajo publicado, Alta Suciedad, que lo presentó en una caja de edición limitada. Parecía que para Calamaro no solo se terminaba el siglo sino la vida misma, atravesaba un periodo existencial y sentimentalmente difícil en su vida, que fue el detonante de un alud creativo, pero genuinamente honesto, algunas de ellas son las más emblemáticas de su carrera y también del rock en español.
En cuánto a la letra de la canción, podemos decir que incluso Calamaro, no evita atribuir origen divino a las cualidades fuera de serie de Diego : "Tiene el don celestial de tratar muy bien al balón".
4. Los Ratones Paranoicos - Para siempre Diego.
Esta es otra de las populares canciones dedicadas a "El Pelusa", interpretada por la banda de rock de Argentina, Los Ratones Paranoicos, una banda con mucho recorrido, en el ambiente rockero de dicho país. La canción es publicado en el álbum Vivo paranoico (Tocka Discos, Argentina, 2000), un álbum grabado en directo, pero al que añaden una versión inédita de esta canción, con el título de Para siempre, a dúo con Andrés Calamaro, que después publicarían como sencillo en un EP titulado Para siempre Diego (Tocka Discos, 2001), que contienen la versión extraída del álbum, una nueva versión de la banda, pero con el título de Para siempre Diego, además de una versión instrumental
5. Claudio Gabis con Charly García - Maradona Blues.
Charly García se encontraba con Claudio Gabis -un músico guitarrista y compositor, personaje fundacional del rock y el blues en Argentina- para grabar una colaboración con este músico, que estaba grabando un álbum con diversos vocalistas invitados, justo en el día en que Maradona fue separado de la Selección Argentina en el Mundial de 1994, ese mismo día cuenta Gabis, compusieron espontáneamente el tema, "llenos de desilusión y tristeza". La canción fue grabada inmediatamente después del tema que estaba acordado como la colaboración de Charly, y sería incluída posteriormente en el álbum Claudio Gabis y la Selección . Convocatoria 2 (WEA/ Warner Music Argentina, 1997). Gabis es autor de la música y toca la guitarra, mientras que Charly García, compuso la letra y ejecuta el piano, Es una de las primeras composiciones dedicadas a Maradona.
6. Manu Chao - La vida tómbola (Si yo fuera Maradona).
El cantante franco-español, Manu Chao ex-líder de la banda Mano Negra, cierra esta selección de canciones dedicadas a Diego Maradona, creo que es el mejor exponente musical, para hacerlo, él es un compositor que canta los sentimientos de la calle, siempre contestatario y activista preocupado por las causas sociales. Manu Chao, tuvo presente a Maradona en una de sus composiciones, la tituló La vida tómbola que lo incluyó en su tercer álbum como solista La Radiolina (Because Music, Francia, 2007), un disco con muchas referencias políticas. Si la vida la vemos como un Diagrama de Venn, Chao con Maradona, podrían encontrarse en más de una intersección, sobre todo cuando se trata de tomar posición frente a poderes cuestionables e injusticias aborrecibles. y Manu Chao no tiene problemas en decir "Su yo fuera Maradona, viviría como él", y agrega con convicción: "Si yo fuera Maradona, frente a cualquier porquería, nunca me equivocaría". Después de todo, dentro y sobre todo fuera del campo, la vida es una tómbola.
Manu Chao aparece interpretando la canción junto a Maradona en el documental Maradona by Kusturica (2008) del polémico y premiado cineasta serbio Emir Kusturica. El documental narra los humildes orígenes de Maradona y sus momentos brillantes en el fútbol así como sus posteriores problemas existenciales y recorre junto al astro muchas de sus actividades vividas entre los años 2005 y 2007. (Pueden buscarlo en YouTube, no lo puedo pegar aquí por temas de copyright).
Bonus Track
1. Joaquín Sabina
2. André Calamaro y Fito Páez con Diego Maradona.
Andrés Calamaro y Fito Paez visitaron la concentración de la selección argentina en la previa del mundial de 1994
3. Sabina y Charly García con Maradona.
Etiquetas: [Eddie Van Halen] [Obituarios] [Van Halen]
Fecha Publicación: 2020-11-28T01:04:00.001-05:00
Fecha Publicación: 2020-11-28T01:04:00.001-05:00
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| Eddie Van Halen ( Foto:Carl Lender) |
"Es difícil imaginar cómo sonaría el rock & roll sin Eddie Van Halen. Al igual que Jimi Hendrix, Jimmy Page y Eric Clapton antes que él, él solo (o tal vez, en su caso, con las dos manos) cambió el vocabulario de la guitarra durante una generación. Sus finger-tappings pirotécnicos, elásticos dive-bombs (Bombazos de armónicos) y ráfagas de melodías redefinieron el solo de guitarra e inspiraron a legiones de imitadores. Pero no importa lo que estaba tocando, lo hacía con corazón" (Revista Rolling Stone),
Edward Lodewijk Van Halen, más conocido simplemente como Eddie Van Halen, falleció el último 6 de octubre, él es una de las más grandes guitarristas en la historia del rock, no podía omitir hacerle un homenaje en este blog, la verdad, se me quedó en el tintero, no lo pude completar, ya que mis actividades laborales, empezaron a normalizarse, conforme la pandemia cedía en mi ciudad, pero siempre es buen tiempo para recordar a tan importante artista y guitarrista.
Eddie, había nacido en Amsterdam un 26 de enero de 1955, fue guitarrista, pianista, compositor y productor. Fundó junto a su hermano Alex la banda de hard rock Van Halen, y es considerado por la revista Rolling Stone como el octavo mejor guitarrista de la historia. Su fama y calidad creció enormemente gracias a que utilizaba con mucha destreza la técnica llamada tapping (tocar las cuerdas de la guitarra con las dos manos en el mástil).
Forma parte de ese puñado de guitarristas superlativos, héroes del rock como Jimi Hendrix, Eric Clapton o Jimmy Page. La guitarra de Van Halen, en sus manos, emitía sonidos atronadores y vertiginosos, tenía un estilo y calidad brillante. A ese espectacular instrumento, lo bautizó como "Frankenstrat", pues lo había construido él mismo, era un híbrido de las guitarras más preciadas de la época dorada del Rock and Roll. la Gibson y la Stratocaster, a una guitarra de esta última marca, la modificó añadiendo un pastilla Gibson para obtener un sonido que se ajustara a su personalidad musical. irreverente e innovadora, con el cual definió un estilo nuevo para tocar la guitarra en las que destacaban sus endiablados golpes al mástil, el uso de la palanca de vibrato y el inverosímil dominio de la técnica del "tapping".
La banda Van Halen, a la que se habían unido, el bajista Michael Anthony y el cantante David Lee Roth, consiguieron alcanzar la fama en 1978, tras publicar su primer álbum, al que titulan con el nombre de la banda, un disco innovador tanto en la producción como en los arreglos, pero especialmente en la ejecución, consiguiendo desplazar de las listas de popularidad a la música disco, tan popular a finales de lo 70's. Luego llegaría 1984, un álbum lleno de éxitos como Jump, Panama y Hot for teacher, discos que terminaron por definir y revalorizar al Hard Rock
Hacia 1985 se produce la salida de David Lee Roth, que sería reemplazado por Sammy Hagar, en los años posteriores la banda no alcanzaría éxitos comerciales importantes. Hacia 1996, Gary Cherones se incorpora como vocalista de la banda. Ya en este siglo, el 2007, Van Halen se reunió nuevamente con Lee Roth e incorporó a su hijo Wolfgang y emprendieron gira, sería la última, pero en años posteriores publicaría nuevos trabajos.
Eddie, tuvo períodos oscuros en su vida debido a su adicción al alcohol y las drogas, en el 2007 tuvo que pasar por rehabilitación. Libró una dura batalla contra el cáncer, la que lamentablemente terminó perdiéndola.
1. Eruption.
Publicado en el álbum Van Halen (Warner Bros. Records, 1978). el primer disco de estudio de la banda, la pista de solo 1 minuto y 42 segundos, es considerado el solo de guitarra más influyente en la historia del rock y es considerado el segundo mejor de la historia según las revistas Rolling Stone y Guitar World. Destaca el uso de la técnica del "tapping" a dos manos, novedosa en el rock en esos tiempos, al que se añaden rapidísimos "flutter picking" y efectos sofisticados.
“Me gusta cómo suena Eruption. Nunca antes había escuchado un sonido de guitarra así, como un instrumento clásico. La historia detrás de Eruption es extraña. Ni siquiera se suponía que debía estar en Van Halen.
Mientras estábamos grabando el álbum, me presenté en el estudio un día temprano y comencé a calentarme porque tenía un concierto el fin de semana y quería practicar mi lugar de guitarra solista. Nuestro productor, Ted Templeman, pasó caminando y me preguntó: "¿Qué es eso? ¡Grabemos eso!"".
“Eruption, como la mayoría de las otras canciones del primer álbum, se interpretó prácticamente en vivo." (Declaraciones de Eddie Van Halen a la revista Guitar World - 1996).
2. Unchained.
Es la primera pista del lado B del disco Fair Warning (Warner Bros Records, 1981), su cuarto álbum de estudio, estaban produciendo a un inusitado ritmo de un disco por año y se lanzó como primer sencillo. El álbum era más oscuro que sus predecesores, si bien no fue un gran éxito comercial, fue aceptablemente recibido por la crítica. Eddie Van Halen declaró sobre este trabajo a la revista Guitar World, lo siguiente: "Me encanta esa canción. Es raro que pueda escuchar mi propia interpretación y se me ponga la piel de gallina, pero esa es una de ellas".
"¡Vamos Dave, dame un descanso!", se escucha al productor de la banda Ted Templeman, le parecía que el vocalista se estaba propasando y se ponía desagradable, a lo que Dave lo tomó divertidamente, algo que caracterizó a la banda, tomar todo a la diversión y terminó incorporando una respuesta en la letra de la canción y al final todos estuvieron de acuerdo que así quedaría la versión final.
La revista Guitar World reseñó sobre esta canción: "Unchained no es solo un himno de bienvenida de clave principal en medio de la temperamental Fair Warning, es la canción de Van Han Halen que hizo vender un millón de pedales MXR M-117, al configurar cuidadosamente la velocidad del flanger para barrer en tono una mitad del riff principal y bajar la siguiente, Eddie creó una montaña rusa que subía y bajaba que le daba la oportunidad a los fanáticos de lanzar las manos al aire y seguir adelante en un paseo salvaje. Un solo corto y sorprendemente moderado inicio, con algo de destello, pero rápidamente cambia directamente a otro territorio, llevando la pausa a un crescendo nítido, la canción es el escaparate perfecto para la arrogancia de Roth, las armonías de Michael Anthony, el trueno percusivo de Alex y según la elección de Eddie en este álbum, muchas sobregrabaciones de guitarra. Y escuchar a Eddie tocar varias partes de guitarra a la vez es algo más que algo bueno".
3. Panama.
Panama, el tercer single del álbum 1984, de Van Halen, estaba inspirada en una noche de lujuria en un backstage en Centroamérica. Pero de hecho trata sobre un auto; no "California Girl", el Mercury de 1951 altamente tuneado de David Lee Roth, y que aparece en el graciosamente desarticulado video de "Panama", sino "Panama Express", un auto de carreras que alguna vez llamó la atención del cantante en una competencia en Las Vegas. El solo de Eddie Van Halen es apropiadamente acelerado, con double stops estilo Chuck Berry que se aceleran para llegar a una serie de arreglos de tapping vertiginosos. Y el guitarrista no se detuvo ahí: preocupado de que los rugidos de un motor simulado (apoyados en su trabajo con la barra de trémolo) no puntuaran de manera adecuada el quiebre de la canción, Van Halen llevó al estudio su Lamborghini de 1972 (en Autoweek una vez lo describió como un "karting con un motor de 12 cilindros"), y grabó el sonido del motor con el pedal a fondo.
4. Jump.
Es el sencillo más exitoso de la banda y el único que llegó al número uno de la lista Billboard Hot 100, es la segunda pista del álbum 1984 (Warner Bros., 1984), álbum que en la funda se imprimió, MCMLXXXIV, como título. Eddie introdujo la novedad en el grupo de usar teclados, utilizando un sintetizador analógico, el Oberheim modelo OB-Xa, que se pusieron muy de moda en los años 80. Los solos de teclado y de guitarra fueron escritos e interpretados por Eddie. Había mucha oposición en el grupo para que Eddie tocara el teclado, quizá solo querían que fuese exclusivamente un héroes de la guitarra, pero cuando tuvo montado su estudio, el que lo nombró como 5150, se tomó tiempo con los ingenieros para grabarlo, ciando los demás miembros de la banda lo escucharon, lo aceptaron rápidamente y David inmediatamente empezó a escribir la letra. El video de la canción, un concierto simulado, es uno de los videos más populares e icónicos de la primera mitad de la década ochentera y donde por supuesto David, no podía omitir un acrobático salto.
5. Why can´t this be love?.
Lanzado como segunda pista del séptimo álbum de estudio, titulado 5150 (Warner Bros. Records, 1986), fue el tercer sencillo del álbum, y el de más ventas, que logró el #3 en las lista, sin embargo el LP alcanzó el puesto #1 en USA. Es el primer disco que la bande hace con Sammy Hagar como cantante, fue grabado en el estudio que había montado Eddie, y que le había puesto 5150, de allí el nombre del disco. Este número realmente era un código de la policía californiana, para referirse a eventos relacionadas con personas afectados por problemas mentales. En este álbum Eddie hace un uso más intenso de sintetizadores a la que se suman las letras más reposadas escritas por Hagar en rango de baladas. le quitaron el sonido más duro de los discos precedentes.
Eddie Van Halen declaró para la revista Guitar World, sobre esta canción: "5150 fue un disco muy inspirador. Las melodías son realmente frescas. Hay mucho soul ahí. Why Can't This Be Love suena tan elaborado debido a la instrumentación. Usé el arpegiador en el [Oberheim] OB-8, así que todos tenían que tocarlo. Por eso tiene un efecto uniforme. La canción es más popular en el pop, pero no veo qué tiene de malo. Me encantaría haber escrito un villancico".
Bonus track.
1. Beat It.
Quincy Jones, era productor de Michael Jackson, ambos se encontraban, en el verano de 1982, trabajando en la producción de uno de los álbumes más importantes de todos los tiempos, el famoso Thriller, Jones tenía muy en claro, que ese álbum debería ser histórico, y para tratar de atraer a públicos distantes del pop, quería que en una de las pistas tenga algo de sonido roquero, ambos convinieron en llamar a Eddie Van Halen. Varias veces tuvo que insistir Jones, pues cada vez que se identificaba en el fono, Eddie le colgaba pues creía que se trataba de un bromista. Hasta que finalmente se produjo la conversación, previas disculpas, Eddie le comentó a Jones que la banda tenía un acuerdo de no tener proyectos individuales paralelos, pero ante la insistencia de Jones que le aseguraba que ese álbum salvaría a la industria discográfica, aceptó participar en la grabación, pero con tres condiciones: no aparecería en los créditos, no cobraría ni un dólar y Michael debería enseñarle algunos de sus pasos de baile. Dicho y hecho Eddie se presentó en el estudio, justo en esos momentos, Jackson se encontraba en otro estudio, lo único que pidió Eddie fue mucha cerveza para inspirarse, luego no le gustó como estaba armada la base musical, así que terminó moviendo las parte de arriba a abajo, algo que a Jackson después de escucharlo, le encantó y pereció muy bien. Eddie no tardó ni treinta minutos para obtener unos de los riffs mas potentes y famosos que existen. Cuentan las historias que Eddie tenía el volumen tan alto que los técnicos del estudio vecino tocaban insistentemente la pared o la puerta, y esos toques quedaron capturados en la grabación aunque hay otras que afirman que era Michael jugando en la batería y también se cuenta que ante tanto estruendo uno de los monitores de la consola se incendió, en fin al final dos superestrellas de la música en un solo tema que quedaron para el recuerdo eterno.
Beat It Michael Jackson y Eddie Van Halen Live Victory Tour
Fuentes consultadas:
www.guitarworld.com
www.rollonstone.com
www.whnd.com (Van Halen New Desk)
www.doscogs.com
www.wikipedia.org
Las canciones del recopilatorio Gimme some truth.
8. Watching the wheels.
John Lennon, estaría cumpliendo 80 años, de no haberse cruzado en su destino, Mark David Chapman su vil asesino, que terminó con su vida frente al edificio Dakota en la ciudad de Nueva York, donde residía. Lennon es uno de los más icónicos músicos del mundo de mitad del siglo pasado. De estar vivo, probablemente se hubiera sentido presionado de la urgencia de componer más canciones, por que el camino a su imaginado y ansiado mundo cantado en Imagine, sigue plagado de enormes obstáculos.
Sus composiciones, como las de The Beatles, siguen sonando a pesar de los años, una y otra vez, alrededor del mundo, casi todo el tiempo, sus letras siguen siendo vigentes, porque, como siempre, hay quienes deciden que no podemos vivir en paz y porque la equidad siempre es difícil conseguir.
Esta vez los homenajes no tendrán la apoteosis que deberían tener, pero la virtualidad estarán presente. Este año 20, tan fatal para la humanidad, nos hace recordar que, hace cuatro décadas, John Lennon fue fatalmente asesinado, que hace 60 años se fundó en Liverpool los Beatles para disfrute del mundo entero, pero también los 50 años que los Fab Four decidieron separarse definitivamente, entonces no faltan razones para celebrar que un 9 de octubre de 1940 naciera en Liverpool John Winston Lennon y que en la misma fecha pero del año 1975, nacía Sean, su hijo y de Yoko Ono
Como parte de las celebraciones por los 80 años de John, se ha lanzado en esta fecha, un nuevo recopilatorio con las canciones más emblemáticas de John en su etapa como solista, que va bajo el título de Gimme some truth, The Ultimate mixes. La producción fue realizada por Yoko Ono y Sean Ono Lennon y consta de 36 entrañables canciones, remezcladas desde cero, y presentadas como "Ultimate Listening" nunca antes escuchado y que ya están disponibles en las plataformas digitales. El lanzamiento también consta de un box para colección, compuesto por 2 CD, un Blue Ray de alta definición, dos LP, un libro y otros ítems dignos de una colección de lujo. Revisamos aquí algunas de estas queridas canciones. Feliz cumpleaños 80 John, cada vez cantas mejor, benditas mezclas y remezclas.
1. Give me some truth.
"Estoy harto y cansado de escuchar cosas de hipócritas tensos, miopes y de mente estrechaTodo lo que quiero es la verdad, solo dame algo de verdadHe tenido suficiente de leer cosas por políticos neuróticos, psicóticos, testarudosTodo lo que quiero es la verdad, solo dame algo de verdadJohn Lennon, "Dame algo de verdad"
"Se trata de políticos, periodistas y todos los hipócritas del mundo. Y los chovinistas masculinos, también se trata de ellos. Creo que la música refleja el estado en el que se encuentra la sociedad."
"Mi función en la sociedad es ser artista. La función del artista es ser tan fiel a sí mismo (y por lo tanto a las personas con las que se comunica a través de su arte) como pueda, y sobrevivir. El arte es una parte funcional de la sociedad." (Notas de JL).
Esta canción también conocida como Gimme some truth (así es cantado), fue publicada como pista 1 del lado B del álbum Imagine (Apple Records, 1971), en el que es acompañado por George Harrison, su antiguo compañero en The Beatles. Es una canción, que a diferencia de Imagine, el mundo soñado que deberíamos imaginar y conseguir, describe al mundo real y a los llamados líderes cargados de hipocresía, Imagine fluye como un remanso apacible, mientras que esta canción, sacude hasta en la distorsión de la guitarra. Este álbum fue producido por John y Ono junto con Phil Spector La canción es un crítica a los políticos y periodistas hipócritas, que envuelven la verdad con una mentirosa ficción. Los versos de su canción resuenan con vigencia tozuda en tiempos de la post verdad y los "fake news".
2. Give peace a chance.
Después de su matrimonio con Yoko Ono en marzo de 1969, la pareja viajó en "luna de miel" a Amsterdam, decidieron aprovechar esos momentos en que los medios de comunicación, le tenían puesta la mira, idearon el famoso y publicitado, "bed-in for peace". Lennon estaba totalmente imbuido en la campaña pacifista en contra la guerra en Vietnam, por lo que decide permitir que la prensa acceda a su habitación del hotel que lucía lleno de carteles con lemas exigiendo paz La pareja repitió esta actividad en Montreal, en el "Queen Elizabeth Hotel", donde grabaron, el 1ro. de junio de 1969, con una cámara de 8mm, casi improvisadamente Give peace a chance, frente a numerosa prensa y con otros artistas que en esos momentos lo visitaban. La canción fue publicado como un sencillo en julio de 1969 por Apple Records figurando Plastic Ono Band como interpretes y en el álbum Live Peace in Toronto 1969, donde se atribuye autoría de Lennon/ McCartney, pero en el compilatorio The John Lennon Colection (Geffen, 1982), se indica a Lennon como único autor.
3. Instant karma! (We all shine on).
Es el tercer sencillo de Lennon, grabado para el sello Apple Records en los estudios Abbey Road en enero de 1970 y con The Plastic Ono Band, producido por Phil Spector quien reaparece como productor. John en esos momentos no estaba separado oficialmente de los Beatles. Participan en la Banda Billy Preston en el piano, George Harrison en la guitarra, Yoko Ono en los coros entre otros. Tiene una letra desafiante para el oyente, "que te crees", "más vale que te recompongas", "El karma te atrapará", "únete a la raza humana" pero un estribillo apaciguante "brillemos todos, como la luna, las estrellas y el sol".
4. Working xclass hero.
Esta canción forma parte del álbum John Lennon/ Plastic Ono Band (Apple Records, 1970), es el primer álbum en solitario de Lennon. Lennon canta a los jóvenes diciéndoles que no pueden seguir siendo manipulados, "un héroe de la clase trabajadora (obrera) tienes que ser", y concluye "si quieres ser un héroes solo sígueme", lo hace cantando como un trovador con la guitarra en la mano, pareciera atrapado por Dylan, personaje tan trascendental de la canción protesta por esos tiempos. Una canción cuyo contenido sigue tan vigente a pesar de que fue grabado hace 50 años.
5. Imagine.
Pertenece al segundo álbum de estudio de John Lennon como solista y de título homónimo (Apple Records, Oct 1971), con la producción de se considera como la más exitosa composición de Lennon. La revista" Rolling Stone" la ubica tercera entre las 500 canciones mejores de todos los tiempos. La canción "soft rock", es interpretada con Lennon en el piano, Klaus Voormann, un viejo conocido, diseñador y músico, quien tocó el bajo y en la batería estuvo Alan White. quien posteriormente se uniría a la banda Yes, conformaban el Plastic Ono Band. Este tema ha sido considerado como un himno de paz, canta a un mundo soñado, sin guerras, dónde todos viven en igualdad. John y Yoko ejecutan Imagine en el Madison Square Garden con los Elephant's Memory en concierto benéfico. Sería una de las últimas veces que Lennon se presentaría en público
6. #9 Dream.
Es un tema incluido en el álbum Wall and Bridges,(Apple Records/ E.M.I., 1974), grabado entre junio y julio de 1974. los arreglos y la producción pertenecen a John sin Yoko, pues ambos se encontraban separados. El álbum original muestra dibujos de Lennon cuando niño y en la letra describe una experiencia onírica. La canción fue liberada como segundo sencillo del álbum, en enero de 1975. El número 9, es número cabalístico para John, nació un día 9, (su hijo Sean nacería en 1975 en un día similar)), y estaba presente en muchos momentos de su vida, ya había compuesto anteriormente Revolution 9 para The Beatles. El álbum Wall and Bridges se publica cuando John vivía por un período. que el mismo denominó "Lost Weekend", periodo que duró alrededor de 18 meses, alejándose de Yoko, se marchó a Los Ángeles, con su asistenta May Pang, con la cual se vincula sentimentalmente. En este periodo, luego de semanas de confusión, alcohol y drogas al que se suman trabajos frustrados, vendrían producciones y colaboraciones con otros artistas y luego su álbum. John no oculta su nostalgia por la lejanía de Yoko en varios temas del disco.
7. Whatever Gets You Thru The Night.
Es un tema compuesta por Lennon para el álbum Walls and bridges y publicado como sencillo en 1974. La grabación incluyó a Elton John apoyando en los coros y el piano, Klaus Voormann en el bajo. Fue el único número uno que alcanzó Lennon en vida, (Just like) Starting Over, alcanzó el primer lugar en forma póstuma. Producido por John Lennon para Apple Records. Lennon aparecería por última vez en el concierto de Elton John ofrecido en el Madison Square Garden el 28 de noviembre de 1974 interpretando esta canción con Elton al piano.
Pertenece al álbum Double Fantasy (Geffen Records, Noviembre 1980), producido por John Lennon, Yoko Ono y Jack Douglas, es un disco que incluye canciones de Yoko Ono. Un sencillo del tema fue publicado de manera póstuma. Con este álbum se se terminó un largo receso que John, luego se estar separados, se reconcilia con Yoko Ono y se retira de toda actividad artística, dedicándose por completo a su hijo Sean que había nacido en 1975, una suerte de reivindicación, pues no vió crecer a su hijo mayor, Julian. Hacia 1980 Lennon pasaba en su vida una excelente etapa, estaba felizmente casado y ávido de dar cara al mundo y este álbum así lo reflejaba. El mundo perdió a John en su mejor momento. Watching the wheels es una de esas canciones que se debe escuchar con atención, en ella Lennon describe cuales eran sus sentimientos y su necesidad de vida y la extrañeza que causaba en otros su estilo de vivir, solo está mirando las ruedas girar, pues ya se había bajado del tío vivo, "solo lo tuve que dejarlo ir". Un ejemplar de este álbum fue autografiado por John a Mark Chapman pocas horas antes de cometer su demencial crimen.
9. Woman.
Incluído en el álbum Double Fantasy, es una canción de amor y agradecimiento que dedica John, a su esposa Yoko Ono. En la introducción susurra "For the other half of the sky". Lennon es totalmente honesto en este álbum, como decíamos, refleja los momentos felices que vivía en su vida familiar. En dicho álbum hay un tema dedicado a su hijo Sean, Beautiful boy, un tema sincero y sin cursilería. Woman se publicó como el segundo sencillo extraído del álbum y el primero en forma póstuma. Publicado el 16 de enero de 1981.
10. (Just like) Starting Over.
Pertenece al álbum Double Fantasy y fue publicado como sencillo en octubre de 1980, coincidiendo con el cumpleaños 40 de Lennon, quien reaparecía con nuevo material, luego de una ausencia que empezó en 1975, en que se declaró en receso para dedicarse al cuidado de su hijo Sean. La canción fue grabada en el Power Station de Nueva York. Esta canción como otras del álbum fue terminada de componer durante unas vacaciones en las Islas Bermudas. Al inicio de la canción suenan suavemente unas campanas, como anunciando el retorno de John, que canta el empezar nuevamente una vida satisfactoria y feliz junto a su esposa e hijo, en 1980, también estaba de regreso para todos, había empezado nuevamente a componer y cantar esas canciones que será imposible dejar de escuchar aunque pasen los años.
Fuentes consultadas:
www.wikipedia.org
www.discogs.com
www.johnlennon.com
Etiquetas: [Alicia Maguiña] [Carlos Hayre] [Obituarios] [Oscar Avilés]
Fecha Publicación: 2020-10-06T17:21:00.005-05:00
Fecha Publicación: 2020-10-06T17:21:00.005-05:00
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| La Marinera (1972). Foto: Tazet-Menchelli en "Mi vida entre cantos" |
In Memoriam, 12 canciones eternas de Alicia Maguiña
El pasado 14 de septiembre, falleció en Lima, Alicia Maguiña, cantante, compositora, investigadora y recopiladora del acervo cultural y musical de la costa y sierra peruana. Fue defensora tenaz de la identidad cultural de los peruanos, aquella que se manifiesta en cantos, música, danzas y costumbres, las que investigó por costa y sierra con prolija dedicación difundiendo con sus composiciones, su hermosa voz y con la prestancia de sus danzas luciendo vestimentas autóctonas y originales de rincones olvidados del Perú.
No recuerdo exactamente en que años sucedió, debe ser a finales de los setenta y empezando los ochenta, que Alicia Maguiña ofrecía conciertos con cierta regularidad en el teatro que el antiguo Ministerio de Educación tenía en su frente posterior. El edificio del ministerio quedaba en el Parque Universitario del centro de Lima, un teatro modesto, pero cómodo. Me parece que lo hizo a lo largo de dos o tres años a los que yo asistía sin fallar, Los iniciaba con su repertorio clásico de valses, tonderos y marineras, luego empezaba con la selección de danzas y canciones que había podido escuchar y aprender con sus letras y armonía y melodías originales en sus numerosos recorridos a lo largo del Valle del Mantaro. En el escenario ataviada con indumentaria típica apropiada para cada danza y en una disertación didáctica,explicaba, de dónde era originaria, en que fechas se cantaba y bailaba, quienes eran sus autores y otros detalles.
Realmente ahora me emociono, darme cuenta, que por poco dinero, pude presenciar, muy de cerca, espectáculos inolvidables que además de bellos estaban cargados de lecciones de cultura y peruanidad, Pensar que ahora cualquier artista de medio pelo que llega a nuestra ciudad, -bueno llegaban antes de la pandemia-, había que pagar 100 dolares para verlo desde una platea.
Alicia, nació en Lima un 22 de noviembre de 1938, recién nacida, la familia se traslada a Ica, una ciudad al sur de Lima, ubicada en un valle rodeado de desiertos, con dunas y oasis. Desde muy niña, pudo observar a los migrantes provenientes de los pueblos de la cordillera que llegaban para emplearse en su casa y en las casas y haciendas de los terratenientes que su familia solía frecuentar, personas con vestimenta y lenguaje que no podía comprender y que los veía padecer con sus problemas para comunicarse con sus patrones.
Alicia solía contar que recordaba a Feliciana, una joven nacida en Andes, empleada como doméstica en su casa, que cantaba en quechua. con una entonación cargada de sentimiento, canciones que no podía entender pero en las que percibía profunda nostalgia, la conmovía tanto que tenía que pedir a su madre, que le pida que no siga cantando.
El recuerdo permanente de esas canciones en el despertar de su adolescencia y el escuchar en la radio, el vals Todos vuelven de César Miró, en la voz diáfana de Jesús Vásquez, la reina y señora de la sanción criolla, que la dejó fascinada, por sus versos y música interpretada por tan incomparable voz, son dos sucesos que fijaron para siempre el derrotero artístico de Alicia Maguiña.
Revisamos y recordemos algunos de sus composiciones e interpretaciones, que han quedado como legado histórico de defensa de la herencia musical peruana. "Yo siempre aposté por lo peruano, que fue mi más grande sueño", escribió Alicia en su libro Mi vida entre cantos (UPSM, Lima, 2019), un libro agotado, esperemos que se reedite pronto.
1, Inocente amor.
Alicia a los 12 años a punto de iniciar la secundaria, llega a vivir a Lima, está convencida que lo suyo es la música, y pronto convence a sus padres a que le permitan tomar clases de guitarra, pero específicamente deseaba que su profesor, debería ser don Óscar Avilés, conocido como la "Primera Guitarra del Perú", de quien absorbería su talento y su gran conocimiento de armonías, melodías y canciones del cancionero criollo. Avilés además le dio consejos para atildar la voz. Muy temprano, a los 16 años compuso su primer vals, que en su letra refleja el candor del primer amor. El talento de Alicia, brilla por siempre desde su primigenia obra.
"Un dulce despertarun nuevo amanecerya tengo a quien amarya tengo a quien querer.Cada vez que mi ojos, síse encuentran con los tuyos, yoyo siento que me sonrojo,sísiento intenso frío.Mis mejillas al colorearcon ese carmín de ruborte podrán demostrarese inocente amor. "
2. Viva el Perú y sereno.
A los 19 años publica su primer disco La dueña del santo (Sono Radio, 1957), (en buen criollo, la dueña del cumpleaños, la dueña de la jarana). A esa edad, Alicia ya tenía un puñado de canciones compuestas por ella, en este disco, la mayoría son de su creación, incluye la anterior, Inocente amor con la orquesta de Manolo Avalos. Para entonces no solo había compuesto, valses, también diversos géneros originarios de costa y sierra, como polkas, festejos, marineras y tonderos, que están incluidos en ese temprano disco, incluir música de la población negra y serrana era para esos tiempos una actitud aguerrida. Desde los inicios se trazó ese camino de difundir la música de todos los peruanos. Este primer disco, fue un éxito superlativo, su ingreso al ambiente artístico fue por la puerta grande. Uno de los temas que trascendieron los años y que me llenan de nostalgia, pues recuerdo haberlo escuchado desde niño, invariablemente en las fiestas patrias y que se convirtió por mucho tiempo en un segundo himno, es esta canción. En el video con el maestro 'Oscar Avilés. En la versión del primer disco, estuvo acompañada de los excelentes guitarristas: Paco Maceda (Los Kipus) y Modesto Pastor (Los Morunos).
3. Paraíso de amor.
Alicia, sigue componiendo continuamente, muy pronto al año siguiente ya tenía material para otro álbum, el LP Estampa Limeña (Sono Radio, 1958), el cual incluye el clásico vals homónimo, dedicado al Señor de los Milagros, imágen máxima de la catolicidad limeña, no encuentro la versión original. De esta producción, la mayoría composiciones de la propia Alicia, comparto aquí este vals acompañado de ese piano entonado al estilo de la guardia vieja de Filomeno Ormeño. Dedicada a la otrora idílica Quinta Heeren.
4. La apañadora.
Alicia canta a Alicia Maguiña (Sono Radio, 1963), es su primer disco cantando exclusivamente sus propios temas, donde nuevamente reúne expresiones de la diversidad folclórica peruana, siempre apostando por la integración para ese crisol cultural que es el mestizaje en el Perú. Algunas de las canciones ya las había publicado en sus anteriores discos, esta vez las versiona con guitarristas de talla, como Rafael Amaranto, Carlos Hayre y Álvaro Pérez. Alicia en poco tiempo ha llegado a ser famosa y reconocida, tanto es así que en la funda del disco, es reseñado por Nicomedes Santa Cruz reconocido poeta, y folclorista, difusor de la cultura afroperuana. Alicia guardaba en sus recuerdos sus vivencias en Ica, recordaba a los peones de los extensas haciendas de algodón, que iban a recoger las bellotas, una actividad conocida como pañar, a las personas que hacían ese trabajo les decían los apañadores. Su segunda composición fue este vals dedicado a una apañadora. Es un tondero, género originario del norte, lugar de valles algodoneros.
5. Indio.
Cuando Alicia llega a Lima, como a los 12 años, debía iniciar la secundaria, sus padres, premunidos de una buena recomendación eclesiástica, intentan matricularla en el colegio Sophianum, pero las monjas españolas, no la admiten, con el pretexto de que "las niñas de provincias traen malas costumbres", sin embargo es admitida en el colegio Santa Úrsula, regentado por monjas alemanas. Otro problema le tocaría atravesar, las niñas de ese colegio, aprendían alemán desde la inicial, y por lo tanto hasta los rezos eran en ese idioma. A esa edad entendió el drama de ser migrante y recordó a los quechuahablantes que llegaban a la costa de Ica, a los niños con las que compartió aulas en su escuela de primaria, y de sus diarios padecimientos para comprender y dejarse entender Entendiendo la tragedia de la población indígena, despojado de todo, en tantos siglos de opresión, compuso un canto de fe reivindicativo y solidario con el poblador de los andes peruanos. "En Ica lo social se me había revelado crudamente, y en Indio protesté sir amas ni estridencias, auguré justicia para los sin voz. En Ica conocí el Perú", escribió Alicia.
6. Negra quiero ser .
Según palabras de Nicomedes Santa Cruz, conocedor de la música costeña, este tema, era una de las pocas marineras limeñas que se habían compuesto, para ese tiempo, en los últimos treinta años, y por supuesto respetando prolijamente su estructura. La marinera limeña, con su música jaranera y baile garboso, sobrevivía en los barrios populares, practicada especialmente por personas afrodescendientes, y Alicia fue al encuentro de todos esos protagonistas que tenazmente mantenía viva a la marinera. José Durand, historiador e investigador musical a quien Alicia frecuentaba constantemente, le indicó que si quería conocer de marinera limeña, debería de buscar a Manuel Quintana conocido como el "Canario Negro", así lo hizo, él se convertiría en su maestro, transmitiéndole toda la magia de la marinera en su prístina originalidad. También iría hasta el "Callejón de La Cruz", en el populoso barrio de Malambo a buscar nada menos que a Bartola Sancho Dávila, "La reina de la marinera", como se le conocía y que deslumbraba con su baile hasta en los más pretenciosos salones limeños. Conocería a Valentina Barrionuevo, la "Reina de la Jarana", la que encontró en el "Callejón del Buque", estupenda bailarina de Marinera, en su casa se reunía lo más selecto del criollismo de la "Guardia Vieja". De ellas, con singular modestia aprendió todos los pasos y estilos de los bailes de jarana. En homenaje al "Canario Negro" (1959), compuso esta marinera limeña de término, de doble término , resbalosa y fuga . "Su canto y encanto me subyugaron de tal modo, que quise volverme negra para cantar así", escribió Alicia.
7. Dale, toma
Alicia Maguiña y Chabuca Granda, en una oportunidad coincidieron en una cena a beneficio, ambas había concurrido a colaborar con el evento. Cantó Chabuca, luego lo hizo Alicia, que cantó sus composiciones entre las cuales estrenó Negra quiero ser, que gustó mucho pues los asistentes pidieron que lo cante varias veces. Regresando del escenario tuvo que pasar, por un pasadizo entre las mesas, por donde se encontraba sentada de espaldas Chabuca Granda, quien al verla pasar, giró y la retuvo del brazo y le espetó "es gritan, no gritam y el anticucho no perfuma" (en alusión al vals de Alicia, Estampa limeña) sorprendida Alicia le dió las gracias, pero nuevamente la retuvo y le dijo en voz alta"Te falta aprender hacer y cantar marineras limeñas". Chabuca se equivocó de plano, Alicia ya cantaba marineras ya se reunía con la flor y nata de los más representativos de ese género, así que su maestro Quintana indignado, le sugirió: "Contéstale con una marinera de desafío, a ver si aprende". Así Chabuca compuso Dele, toma (1961), su tercera marinera limeña. una marinera de tde doble término con resbalosa y fuga. Lo publicó en el LP. Alicia Canta a Alicia Maguiña (Sono Radio, 1962), acompañada de las guitarras de Rafael Amaranto y Álvaro Pérez.
8. Recordando a mi padre.
El disco, La voz de la tierra (Odeón del Perú, 1974), es uno de mis preferidos de Alicia Maguiña. "Empecé a crear canciones hondas que tuvieran una intención y un mensaje que trascienda la música y las palabras, en las que se sienta totalmente lo peruano, aquello que está germinado entre generaciones y distancias entre razas, entre cerros, entre selvas, entre desiertos", escribió en las notas de ese LP., en el cual, incluyó wuaynos, mulizas, waylarsh, festejos, cumananas, tristes, tonderos y marineras, música de diversas regiones. En este álbum con el acompañamiento de Carlos Hayre, interpreta una canción que compuso a su padre. El régimen militar en 1969, destituyó a los miembros de la Corte Suprema, se proponían iniciar la "reforma de la justicia", su padre era miembro de esa Corte, pero la destitución fue anunciada para "moralizar el país". Alicia consideró siempre a su padre como un guía honesto e intachable, lo consideró injusto y le dedico este vals.
9. Soledad Sola.
En 1971, produjo y publicó el álbum Alicia Maguiña (Odeón del Perú), con arreglos de Carlos Hayre, donde incluye, como primera pista este memorable vals, que lo compuso en 1969, A finales de la década de los 90, Alicia Maguiña y Óscar Avilés vuelven a reunirse publicando varios recopilatorios, en Siempre juntos, incluyeron este vals. El álbum se reedito en 2014 en CD pot MGP.
10. Todo me habla de ti.
Esta canción fue creada y grabada en 1959, para un sencillo del sello Sono Radio, con el acompañamiento de la guitarra de Óscar Avilés se la dedicó a Eduardo Bryce Echenique (hermano del escritor), quien se convertiría en su esposo (1960), con quien tuvo dos hijos. Alicia siempre aseguró que fue un matrimonio feliz y que no tuvo obstáculos para desarrollarse artísticamente, pero a los pacos años llegaría el divorcio. En 1968 se casó con Carlos Hayre,músico afrodescendiente, con quien ya venía trabajando, y asumiendo que en Lima sería un escándalo, se casaron en Guayaquil. Desde luego que en Lima conservadora de esos años, fue una noticia de impacto. Por muchos años fue su acompañante en presentaciones y discos. Tras 25 años de matrimonio, la relación terminó.
11. La llave de mi corazón.
Alicia compuso huaynos (o waynos), desde sus primeros años de compositora, el primero lo hizo en 1957, gracias a sus innumerables viajes al valle del Mantaro, encontró celebraciones y fiestas que la deslumbraban cada vez más, una diversidad de cantos, danzas y grupos musicales que la cautivaron. En las presentaciones que pude ver a Alicia, la acompañaba, la orquesta típica del centro Semblanza Huanca de Ramón Morales, que la acompaña en esta grabación , una tunantada compuesta en 1997 para el CD Tradición (Telefónica, 2000), luego incluido en en el compacto recopilatorio La Santa Tierra (IEMPSA, 2007), un homenaje a las orquestas típicas del centro.
12. Wiñaytam Kausanki José María (Eternamente vivirás José María).
Este hermoso vals lo compuso Alicia Maguiña y fue publicado en el disco LP La voz de la tierra (Odeón, 1974), En las notas que escribió para el disco, dice lo siguiente: "Canción inspirada en la vida y en la obra de Arguedas, a quien consideró el escritor más profundo, más humano y auténticamente peruano". Rafo León escribe en el prólogo de Mi vida entre cantos: "Es sin embargo José María Arguedas quien parece sellar en Alicia una manera de ver, pensar y sentir al Perú, desde el dolor y la alegría de la música, el canto y la composición, Se conocen en Puno, durante las celebraciones de la Candelaria, sin embargo un vínculo anterior, imperceptible unían a ambos artista sin que lo supieran: la sensibilidad hacia la gente de la sierra marginada y excluida".
Bonus Track
1. Falsía.
Alicia Maguiña en sus múltiples recorridos por la sierra central y la costa peruana, recopiló una serie de cantos, bailes. En su disco homónimo (IEMPSA, 1976), deja de lado sus composiciones, para poner en valor, la verdadera letra, música y contenido de legendarios temas de la costa y de la sierra. En la carátula del LP, aparece Alicia con un atuendo típico de la mujer Jaujina, bellísima foto por cierto, pero fuertemente criticada por los costeños de la época, era la primera vez que una artista cantante de música criolla se vestía de serrana. para muchos limeños, lo serrano era la servidumbre. Alicia escribe: "Me había atrevido a cantar "el canto de la servidumbre"". Aquí incluye esta muliza con fuga de wayno, con letra de Emilio Alanya en la música de una antigua muliza de autoría de Pablo Pastor Díaz. Le acompañan las guitarras de Daniel Kirwayo y Carlos Hayre.
La escuché cantar Falsía , con la Orquesta Típica del Centro Semblanza Huanca", hasta hoy recuerdo y puedo sentir la convicción y la fuerza de su canto y evoco sus suaves zapateo en la "fuga", recogiendo delicadamente sus hermosas polleras.
La vida es una falsíael mundo es ancho y ajenojusticia, justicia no hay en la tierrajusticia solo en el cielodonde no hay ricos ni pobres...
2. Casarme quiero.
Alicia fue al desaparecido coliseo del Puente del Ejército, al pie de río Rimac, lugar donde se reunían los migrantes de la sierra para ver y escuchar las música de sus pueblos, vio bailar huaylas (apropiadamente es waylarsh). le pareció demasiado grotesco, ella estaba convencida de que el arte natural de nuestros pueblos, tenía que ser algo hermoso, y fue en su búsqueda, hizo innumerables viajes a Huancayo y a lo largo del Valle del Mantaro, descubriendo la belleza de innumerables danzas y cantos. Después de varios intentos ubicaría a Zenobio Dagha Zapaico, gran músico autor de muchas de las composiciones del acervo musical huancaíno, con él conoció sus canciones la letra y las melodías originales, también descubrió la hermosura original del waylarsh. Casarme quiero un waylarsh de carnaval creado por este músico, lo llevaría al disco y a cualquier lugar donde se presentaba, con baile y todo. Fue un gran suceso.
En el disco Alicia y Carlos (Odeón-IEMPSA, 1970) incluye una versión acompañada de la guitarra de Carlos Hayre y la mandolina de Olga Zevallos. La vuelve a grabar en el LP Te adoro tierra mía (Odeón-IEMPSA, 1978), acompañada por la Orquesta Típica del Centro "Juventud Huancaína" que dirigía Zenobio Dagha, sintió que este tipo de orquesta era el verdadero soporte de su canto.
3. Palabras de César Miró sobre Alicia Maguiña.
Segmento extraído del programa Cántame tu vida, que dirigía Cecilia Barraza.
En memoria de
Carlos Hayre, öscar Avilés, Zenobio Dagha, Manuel Quintana, Augusto Ascuez, Elías Ascuez. Bartola Sancho Dávila, Luciano Huambachano, José Durand Flórez, Vicente Vasquez, Reynaldo Barrenechea, Abelardo Peña, Porfirio Vásquez, Rosa Alarco, Manuel Covarrubias, Valentina Barrionuevo, Julio Peña, Nicomedes Santa Cruz y tantos otros geniales figuras de la música peruana y en especial a José María Arguedas en el recuerdo eterno.
Fuentes consultadas
Mi vida entre cantos, (Universidad de San Martín de Porres - Fondo Editorial, Lima,2018)
Programa Cántame tu vida, Tv Perú, 2011. https://www.youtube.com/watch?v=n8sjKEsNCXk&t=6s
Programa Retratos, TV Perú 2002. https://www.youtube.com/watch?v=QH7pT77fn6A
www.discogs.com
https://www.radionacional.com.pe/audios/la-hora-de-alicia-maguina/la-irrepetible-alicia-maguina-nos-muestra-el-alma-del-peru
10 canciones inolvidables de Chabuca Granda
"Seguiremos recordando durante mucho tiempo todos nosotros tu sonrisa, tu elementalidad, tu naturalidad, tu discreción, tu elegancia, y seguiremos oyendo las músicas de tus canciones que seguirán por años y por siglos, ojalá y cuando pensemos en Chabuca, estaremos viendo el viejo puente, el río y la alameda".
(Joaquín Soler, presentador Radiotelevisión Española, 1976)
Chabuca Granda nació un 3 de setiembre de 1920, en el asiento minero Cotabambas Auraria, enclavado a 4,800 metros de altura en los Andes peruanos, ubicado en el distrito de Progreso, provincia de Grau, región Apurímac. Su padre era un ingeniero de minas, por lo que la familia tuvo que instalarse en el campamento de ese asiento. A los pocos años de vida, su familia se traslada a vivir al balneario de Barranco, a una casa precisamente en un barranco que da acceso a las playas de la localidad, barranco que era cruzado por un antiguo puentecito de madera. Luego en su adolescencia se fueron a vivir a Lima, justamente en lo que ahora sería la zona tradicional de la capital peruana,
Chabuca se casó y tuvo tres hijos, pero su matrimonio terminó en divorcio, un escándalo para la Lima pacata y conservadora de esos tiempos, evento que Chabuca supo enfrentar por su espíritu contestatario, es a raíz de este suceso en su vida, que Chabuca tiene la posibilidad de empezar a desarrollar sus inclinaciones artísticas y a componer sus maravillosas e inmortales canciones. "Yo solo soy letrista", solía repetir, pero la verdad es que sus composiciones lucen repletas de metáforas delicadamente poéticas, haciendo siempre un uso vistoso y amplio de nuestro idioma.
La flor de la canela, le abriría las puertas a la fama internacional, y pasaría a convertirse en un hito importante en la historia de la música latinoamericana. Su carácter inquieto e innovador, la llevó a explorar y desarrollar nuevas armonías para la canción criolla peruana, se rodeó de excelentes músicos, pero también de poetas, y escritores, le dio nuevos derroteros a la música de la costa cuando se impregnó de la cultura afroperuana. Quizá en un momento no fue bien comprendida por tradicionalistas, ya que la mayo parte de su discografía fu publicada en el extranjero, pero con el tiempo la admiración por Chabuca, dentro y fuera de Perú, se ha acrecentado. En el 2019 recibió la máxima condecoración que entrega el gobierno peruano, la Orden del Sol de Perú y además en 2017 fue declarada Patrimonio Cultural de la Nación.
En el presente post, trato de hacer un recorrido por sus más importantes canciones en las diferentes etapas, por las cuales discurrió su extraordinario legado. Selecciono 10, quedan otras igual de importantes.
1. Lima de veras.
La infancia y la adolescencia de Chabuca, quedaron impregnados en su memoria. Barranco, la "Bajada a los Baños" (a la playa), las casitas y el puentecito escondido, donde solía juguetear y la Lima de su adolescencia con sus faroles y calle empedradas, donde predominaba la arquitectura colonial y francesa, con sus balaustres y balcones y sus casas de amplios patios. Todo esto se configuró como fuente de su inspiración. Ya de adulta Chabuca observó que esa prestancia de las calles limeñas, se iba perdiendo, y quiso dejar como un documento eterno, sus canciones que describen a esa Lima que se iba perdiendo inexorablemente. La canción Lima de veras, fue enviada en secreto por unos amigos, a un concurso radial, donde resultó ganador, sin que se entere Chabuca.
Esta canción, compuesta en 1948, fue entregada, tiempo después. al grupo Los Cinco (Jorge Hawie, Jorge Sabogal, Maribel Freundt, Patricio Sabogal, Raúl Chueca) y aparece en el álbum Lo mejor de Chabuca Granda (Sono Radio, 1961), en el que Chabuca colabora con su producción. Contiene sus composiciones más populares hasta esos momentos, y donde reúne a además de los Cinco, a Jesús Vásquez, El Trío Los Chamas y Los Troveros Criollo, con el piano de Lorenzo Humberto Sotomayor y la guitarra de Rafael Amaranto, figuras descollantes del criollismo de la costa peruana.
"La primera fue Lima de Veras, la segunda fue Callecita encendida, la tercera fue Zaguán, la cuarta fue Tun Tun abre la puerta..." y (Luego La Flor de la Canela)
2. La flor de la canela.
"Esa trilogía, ... que yo escuché en una charla espléndida de nuestro historiador Raúl Porras Barrenechea, ...que pedía piedad para 'el puente, el río y la alameda' ... eso se juntó con algo tan hermoso y carisimo para mi, como fue la visita de la Sra. doña Victoria Angulo, señora muy limeña de raza negra, vive aun... al despedirse de mi, me dijo me voy a pie, claro yo sabía que vivía detrás del puente, 'bajo el puente' como se llama el barrio del Rímac, y recordé aquello de piedad para 'el puente, el río y la alameda'... , la prestancia la solera, de esta señora negra, elegantísima, que quien sabe Lima tendría que alfombrase para que ella la paseara de nuevo y esa noche hice La Flor de la canela".
Chabuca Granda era una cronista, una cronista urbana diríamos hoy, cantaba a esa Lima añorada, pero también describe a personajes que solían recorrer garbosamente sus calles,en esos tiempos tan apacibles y generalmente empedradas.
Esta canción la termina de componer en 1950, pero la primera versión lo hacen Los Morochucos, en 1953. posteriormente, en 1954 lo grabó el Trío Los Chamas, cuando Humberto Pejovés era su primera voz y con esta grabación es que el tema gana gran popularidad. Esta versión aparece en el álbum Lo mejor de Chabuca Granda.
El video que va a continuación, es de un program que tuvo Chabuca en TV, debe ser de 1980 o después, por que veo que la transmisión ya es a color. Pertenece a la época en que se vincula estrechamente con los ritmos afroperuanos, se presenta con Alvaro Lagos, precoz y talentoso guitarrista, que no pudo continuar desarrollando su carrera y falleció hace algunos años. También están el recordado Caitro Soto y Eusebio Sirio, el "Pititi", percusionista y zapateador.
3. Fina Estampa
Chabuca Granda también compuso canciones inspiradas por su ambiente familiar y amical, por ejemplo Fina Estampa, la dedica a su padre, a su madre le dedicó Gracia, al amigo de la familia José Antonio de Lavalle, un criador de caballos de paso, le dedicó, el muy conocido vals José Antonio, Señora y ama la escribió a su amiga "Mocha" Graña, Coplas a Pancho Graña a otro amigo, a Manuel Solari Swayne, periodista defensor de Lima, le compuso Zeñó Manué. El dueño ausente, fue una composición para la cocinera de la familia. La mayoría de estas canciones las canta Chabuca en su primer disco Voz y vena de Chabuca Granda (Sono Radio, 1963). Aquí cuenta con al colaboración de las guitarras de Rafael Amaranto y Vicente Vásquez y el bajo de Carlos Hayre, extraordinarias figuras de la música peruana. Atentos que en este disco están las versiones originales de varias temas, que posteriormente Chabuca entregaría con nuevas armonías.
4. El puente de los suspiros
5. Bello durmiente
«Fue escrita para mi país generoso. La hice hace muchos años, pero muchos años, cuando salió elegido un presidente que no me gustaba. Me enfurecí, me fui a Europa y allí compuse la canción. Un amigo mío vio en el periódico que yo había compuesto ‘Bello Durmiente’, y dijo: ¿A quién habrá visto dormido esta Chabuca?»
Chabuca se refiere al gobierno de Manuel Prado Ugarteche (1956 - 1962).
En 1967 publica Dialogando (Odeón/ Iempsa) con la guitarra de Oscar Avilés. "La primera guitarra del Perú" y con la participación de la cantante Fetiche. Aquí publica Bello durmiente, que la había compuesto en 1956. También están publicadas nuevas versiones de La flor de la canela y El puente de los suspiros
En México se publica el álbum Grande de América (RCA, 1973), con la participación del Mariachi Vargas de Tecalitlán y la guitarra de Oscar Avilés, sería la última colaboración de Avilés con Chabuca, había tocado con ella por un periodo de 15 años.
6. Cardo o ceniza.
Entre los años de 1960 y 1970 Chabuca empieza a cambiar la temática de sus canciones en un tiempo en que comienza a conocer muchos poetas y escritores, pero hay dos hechos trascendentales que marcan el ánimo de Chabuca. En 1963 fallece el poeta Javier Heraud, que se marchó a la selva con la idea de unirse a las guerrillas que intentaban iniciar acciones por esos lugares, en esa travesía el poeta es ubicado, perseguido y ultimado, a pesar que intentó rendirse. Chabuca conocía a la familia del poeta. Este hecho le afectó y provocó un silencio prolongado en su actividad creativa. Hacia 1967 se quita la vida Violeta Parra, por la desilusión grave que le causó enterarse, de que la persona que amaba, un músico suizo, se había casado en Bolivia. A ellos Chabuca les dedica varias composiciones, sus canciones en este periodo reflejarán la interrelación de las personas con la sociedad, con su entorno problemático y hasta violento, pero siempre desde la perspectiva románticamente hermosa y poética de sus versos Algunos hechos del acontecer político quedarán testimoniados en sus canciones de esta época.
Cardo o ceniza se la dedica a Violeta Parra, el músico de quien se había enamorado, era varios años menor que ella, por eso quizá, aquello de, un "amor avergonzado".
Chabuca se consideraba conservadora. Solía decir que esta canción solo la podía cantar una señora, y no permitía que las cantantes jóvenes, la interpreten.
“Violeta era una señora seis años mayor que yo y se enamoró de un joven suizo, quenista, de la edad de mi segundo hijo. Descubre entonces ante el mundo las más hermosas canciones de amor. Luego el mundo le descubre sus otros amores: sus mineros, sus obreros, sus hortelanos, sus ferrocarrileros..."
Hacia finales de los años 60, Chabuca, conoce a Luis González un guitarrista con formación en música brasileña y jazz, pero con influencia criolla, era hijo de Javier González un ex-integrante del conjunto Los Trovadores del Perú. González se convertiría en su guitarrista exclusivo, con él Chabuca daría inicio a una renovación en la música criolla. Nuevos armonías y acordes aparecerán en sus siguientes composiciones.
Chabuca Granda... y Luis Gonzáles - Paso de vencedores (Sono Radio, 1974), es un disco en que se incluyen varias de las canciones que Chabuca compuso durante el ciclo de creaciones dedicadas a Javier Heraud y VIoleta Parra. Este es un disco muy singular, pues hay una experimentación con sonidos no acostumbrados en la música criolla, como el pequeño instrumento, llamado Jew's Harp. Incluso se escucha el sonido de un vibráfono, peroque no aparece en los créditos del disco, pero se sabe que fue tocado por el músico Jaime Delgado Aparicio.
7. Las flores buenas de Javier
“Esta canción, con la que cambió radicalmente mi forma y pensamiento, me tomó hacerla desde enero de 1965 hasta el 4 de enero de 1969. No hice absolutamente nada mientras tanto... Ciertamente la inmolada paloma solitaria de nuestros días. Joven ausente, firmemente creo que te matamos todos. ¿Con qué más, puede un poeta hacer la guerra y ganarla, que con sus misteriosas palabras hilvanadas...?El día de tu muerte era domingo; el pueblo estaba borracho; la Guardia Civil cumplía una irreparable orden; quedó un guerrillero muerto y su remero; fue una cacería desalmada...”
8. El Surco
“Por segunda vez fui invitada a la Casa de Gobierno por el presidente Juan Velasco Alvarado a cantar 'Paso de Vencedores'. Era un miércoles; la invitación fue hecha un viernes anterior. Contra mi costumbre hice una canción en cinco días, ésta. Es mi verdadero pensamiento; creo que así fue y no me gusta el secreto ni ocultar lo que creo. El Presidente y el COAP (Comité de Oficiales Asesores de la Presidencia) no sólo no se enojaron, sino que se emocionaron; trataron los generales de ponerle el título. Lo puso César Calvo.”
Paso de vencedores, la escribió encandilada por la Reforma Agraria y otras Reformas que estaba emprendiendo el régimen militar de Velasco Alvarado, con el tiempo se desencantaría y escribiría como respuesta El Surco donde refleja su desengaño y la necesidad de la la libertad,
El álbum La Tarimba Negra, (Movieplay, 1978), grabada y editada en España, es la obra cumbre del período en que está empeñada en valorizar a la música afroperuana, y darle su lugar en la evolución del género criollo de la costa. Con Félix Casaverde en la guitarra y "Caitro" Soto de La Colina en la percusión y con los arreglos del músico español Ricardo Millares, Chabuca canta esa bellísima composición, una de las joyas de este periodo, como es Landó. Generosamente, Chabuca da cabida a la composición de "Caitro", el festejo Curruñao, que el mismo interpreta. además de una recopilación de ritmos negros de la costa en El arrullo. Así mismo decidió incluir una pieza compuesta por Félix Casaverde, de la cual quedó prendada, Cuatro tiempos negros jóvenes, una composición instrumental, que fusiona música criolla tradicional, con las armonías afro costeñas, el jazz y la bossa nova, es un documento de pedagogía musical y marca un derrotero e inspiración de las generaciones de músicos de tiempos posteriores. Una verdadera actitud vanguardista de Chabuca, era algo que no se había visto para en un disco de música criolla (Obra en cuatro tiempos: zapateo, marinera, landó y festejo).
9. Landó
“Esta canción tiene algunas fallas porque la hice muy rápido. El tiempo me ganaba. Por ejemplo reitero la palabra refugio dos veces. Yo cuido mucho mis canciones, me demoro mucho para hacerlas y sacarlas al público. Cada composición duerme por lo menos seis meses, luego la saco y vuelvo a corregirla. Por eso mi producción es poca.” “La música negra es muy difícil de hacer. Obedece a la creación instantánea de los elementos musicales, de los instrumentos de percusión. Nada de esto se ensaya, ni se puede ensayar. El tiempo hace la canción.” Este tema representó al Perú en 1977 en el Festival de la Organización de Televisión Iberoamericana OTI de la Canción, Madrid, España.
10. Me he de guardar
"Moriré/ Moriré en mí/ larga rosa... sola/ la que sembré/ en mi tierra y/ (en?) su color de rosa y perfume.../ Compañera espinosa/ amiga rosa/ solitaria en/ el vaso de mis viejos esfuerzos y/
letargos.../ en mi vaso de/ Patria siempre en/ mi cáliz... sola/ querida rosa muerta.../ entre mis manos muerta /con la infinita/ tristeza rosa.../ rosa de los colores / idos y perfumes...rosas/ que he perdido".
Fragmento del que sería conocido como el último poema de Chabuca Granda, escrito en 1983, como si presintiera su final. (Poema publicado por Alfonsina Barrionuevo en artículo de la revista Gente del 24 de marzo de 1983. Citado en Memovalse Blog).
En esta canción parece existir un símil al premonitorio último poema.
Bonus Track
María Landó
El poeta peruano César Calvo, compuso el poema María Landó, y se lo entregó a Chabuca Granda para que la musicalizara, según el poeta se inspiró en las mujeres que salían muy de madrugada para ir a trabajar. Chabuca nunca interpretó esta canción, ya después de fallecida, en 1984, Susana Baca la interpreta por primera vez, ella consideraba a la gran compositora como su segunda madre y mentora. Tiempo después sería la canción que le abriría las puertas del mundo a Susana.
El video es parte del documental del premiado cineasta Javier Corcuera titulado Sigo siendo.
En este aniversario es justo recordar también a tan brillantes músicos, que junto con Chabuca Granda, hicieron tanto por enriquecer y hacer más hermosa la música criolla de la costa peruana y que hoy comparten la eternidad y permanecen y permanecerán en nuestras memorias por siempre:
Oscar Avilés
Félix Casaverde
Caitro Soto
Alvaro Lagos
Carlos Hayre.
Fuentes consultadas:
www.wikipedia.org
www.discogs.com
Frases de Chabuca:
1. Extraídas de la entrevista concedida al programa Entrevista a Fondo, en la TV española (RTVE), conducido por Joaquín Soler, emitido el 2 de enero de 1977.
https://youtu.be/pbmLAwn3q44
2. Citadas en Booklet del CD Cada canción con su razón, editado por el Centro de Músicas y Danzas del Perú de la Pontificia Universidad Católica del Perú. Varios Artistas. Abril 2004.
El último Poema. Citado en Memovalse Blog: https://nemovalse.wordpress.com/2018/03/08/ultimo-poema-de-caracter-premonitorio-creado-por-dona-chabuca-granda/
Etiquetas: [Susana Baca]
Fecha Publicación: 2020-09-01T18:21:00.000-05:00
Fecha Publicación: 2020-09-01T18:21:00.000-05:00
Concierto está disponible en las plataformas.
Todavía seguía embelesado escuchando repetidamente, el rotundo éxito de Susana Baca que había publicado en plena cuarentena, que tituló A capella y ya en el pasado 28 de julio, día de la Fiesta Patria peruana, la Dama Descalza de la Canción Peruana, hizo un grato anuncio, su concierto Memorias del Corazón, que ofreció el año pasado en el Gran Teatro Nacional, con motivo de celebrar sus 50 años en la escena artística. había sido subido a las plataformas digitales.
"Hace casi un año concebí este concierto y lo guardo de una manera especial en mi corazón fue un encuentro de goce conmigo misma con la artista que soy y la mujer que se realiza, el aplauso que recibí, era un aplauso del vivir, era un aplauso del arte, a la entrega, lo llamamos Memorias del corazón y hoy, casi un año después, se los ofrezco con ese mismo corazón".
Con estas palabras, Susana presenta esta producción audiovisual que se ha concretado gracias al esfuerzo de Pregón Producciones, su propia productora y Play Music Perú. La artista que es dos veces ganadora del Grammy Latino y Premio Nacional de Cultura 2017, hace en este concierto, un recorrido a emblemáticas interpretaciones que llevó al disco, a lo largo de su trayectoria artística.
Alguna vez, el diario La Nación de Argentina, tituló: "Susana Baca es una cantante que tiene una voz sin edad", y pasado el tiempo y tras escuchar "A capella" y este memorable concierto, es una aseveración vigente y oportuna, aun con los 76 años cumplidos, la voz de Susana suena tan fresca y arropadora, como aquellos tiempos en que la escuché por primera vez, en mis agitados años universitarios de los setenta, en algunos de esas actividades musicales estudiantiles que ya buscaban las raíces de la cultura musical y popular. Es por eso satisfactorio poder escuchar dos temas del "Kiri" Escobar, protagonista en esa movida cultural en aquellos tiempos.
Este recorrido de diversas canciones y armonías que tienen por denominador común sus raíces afro, están marcadas de simbolismo, pues representan momentos importantes en la trayectoria artística. de la Diva descalza. Antes de convertirse en estrella del "World Music" y su encuentro con David Byrne y su fichaje en Luaka Bop y empezar a recorrer el mundo y cautivar público de todos los idioma, Susan cantaba poemas, -desde las épocas del cassette- poemas vanguardista. Poesía y canto negros, fue su primer álbum oficial en 1987. De manera que empezó su concierto cantando poemas, y lo hizo con un homenaje a Gonzalo Rose, el poeta y a Víctor Merino, músico inolvidable que musicalizó tantos poemas y con los cuales mantuvo una estrecha amistad. Luego siguió con el poema de Romualdo que dedicara al pintor Alfredo Ruiz Rosas.
No podía faltar el homenaje a su mentora y segunda madre, como considera a Chabuca Granda, cantando Cardo y Ceniza.
Recordó las canciones de Afrodiaspora (Luaka Bop, 2011), disco donde repasó las raíces afro en la música latinoamericana. de Brasil, con Coco y Forro además de Baho Kende y Palo Mayimbe, un homenaje a Celia Cruz, cantos de lo más profundo de la tradición afro-cubana.
El concierto transcurre en el recorrido a las raíces afro de la música peruana y latinoamericana para cerrar apoteósicamente con Afro Blue de Mongo Santamaría, el estándar de jazz que Susana lo convirtió en afroperuano.
Termina su concierto agitando su vestido, bailando breves coreografías y zapateando con sus pies descalzos, ojalá que podamos disfrutar de su dulce voz, esa voz que encandiló al mundo, por mucho tiempo.
1:00 Tu ventana dormida - Juan Gonzalo Rose/ Música: Víctor Merino
5:14 Color de rosa - Alejandro Romualdo/ Susana Baca.
9:58 Cardo o ceniza - Chabuca Granda.
14:42 Milonga de mis amores - Miguel Contursi/ Pedro Laurenz
18:50 Coco y Forro - Zelma de Coco/ Zezinho
24:09 Baho Kende + Palo Mayimbe - Alberto Zayas/ Javier Vásquez
29:33 Cariño - Manuel Acosta Ojeda (Con Antonio Quispe)
34:12 Canción de fe - Manuel Acosta Ojeda (Con Antonio Quispe).
38:31 Horas de amor - Felipe Pinglo
42:30 Caracunde - Tradicional
46:43 Fuego y agua - Francisco Basili/ Susana Baca
53:12 Tus manos son de viento - Daniel "Kiri" Escobar
58:52 Sincera confesión - Erasmo Díaz
1:03:03 Azúcar de caña - Daniel "Kiri" Escobar.
1:09:38 Valentín - José Vásquez
1:14:58 Sorongo - Tite Cure Alonso/ Nicomedes Santa Cruz.
1:20:08 Bartola - Alicia Maguiña.
1:25:14 Afro Blues - Mongo Santamaría/ Susana Baca
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| Foto: Captura |
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Tanto amorHay en sus ojosQue brotan lagrimasAgua benditaTanto amor... En su esperanzaSu voz es grito...de libertadBaila hechiceraCon pies descalzos morenaDanza en el aireCon esa magia que tienesCanta SusanaY cuando canta sonríePorque la negraTiene en sus manos la luna
Canto a Susana - Víctor Merino
Concierto en vivo Gran Teatro Nacional 2019
Susana Baca
Lima, 27/07/2020 Play Music Perú/ Editora Pregón.
CD
Créditos:
Oscar Huaranga: Contrabajo, voz y dirección musical
Hugo Bravo: Percusión y voz
Samuel Vicente: Piano y voz.
Fernando Urquiaga: Cajón y voz
Jonathan Mendoza: Guitarra y voz
Invitados:
Ricardo Rodríguez: Saxofón
Antonio Quispe: Cantante.
Paul de la Cruz: Coro
José María de la Cruz: Coro
Jorge Almendariz: Coro
María Salas: Coro
Max Alfaro: Coro
Fernando Hoyle: Sonido
Alfredo Cueva: Luces
José Luis Cárdenas: Producción Ejecutiva
Ricardo Pereira: Director General.
Etiquetas: [Alan Parker] [Madonna] [Pink Floyd] [The Bee Gees Irene Cara] [The Commitments]
Fecha Publicación: 2020-08-18T20:36:00.000-05:00
Fecha Publicación: 2020-08-18T20:36:00.000-05:00
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| Alan Parker (Wikipedia by Lisa Moran Parker) |
El pasado 31 de julio falleció en Londres el reconocido director de cine británico, Alan Parker, tenía 76 años y el deceso culmina una enfermedad que padeció por largo tiempo. Parker nos dejó títulos inolvidables, clásicos de los setentas y ochentas, como Expreso de Medianoche, Mississippi en llamas, Fama, Pink Floyd: The Wall, Bugsy Malone, Corazón Satánico, Evita, The Commitments, entre otros, una virtuosa carrera que le valieron dos nominaciones al Oscar, pero que sus películas recibieron un total de 10 premios Oscar, 10 Globos de Oro, 19 premios Bafta y un Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes de 1984 por la película Birdy. No voy a sucumbir al deseo de escribir acerca de sus películas, no es el lugar apropiado, y menos la persona indicada, pero si, por lo menos, comentar que la filmografía que nos deja, estuvieron generalmente cargadas de un fuerte impacto narrativo, que conmovía a las plateas. En gran parte de su obra mostró su reiterada pasión de comunicar a través del lenguaje universal de la música, nos deja como legado varias inolvidables obras musicales. Aquí repasaré con nostalgia, esas películas que estuvieron presente en diferentes etapas de mi vida, como un homenaje a Sir Alan Parker.
Melody (1971).
Esta película no fue dirigida por Parker, lo hizo el indobritánico Waris Hussein, su participación en este trabajo, fue de ser el guionista y también de hacer de segundo director, pero sería una de sus primeras incursiones cinematográficas, estuvo encargado de las tomas de los niños en algunas escenas de exteriores. Parker trabajó inicialmente en TV y publicidad. La película trata sobre un romance de adolescentes y es protagonizado por Mark Lester, que ya era conocido por el musical Oliver y Tracy Hyde una modelo infantil. La película se desarrolla desde el punto de vista de los niños, donde los mayores son solo personajes desdibujados. En realidad la película no es un musical, pero en la banda sonora se escuchan varias canciones de los británicos The Bee Gees, la mayoría de las canciones, como Melody Fair, pertenecen al álbum Odessa (Polydor, 1969), también se escucha una canción de Crosby, Still and Nash en ese entonces con la participación de Neil Young. La banda sonora la publicó Polydor en el mismo año, habiéndose reeditado en CD en diferentes países.
Bugsy Malone, nieto de Al Capone (1976).
Se trata de un pastiche musical, con la que Alan Parker, hace su primera incursión como director cinematográfico, un homenaje en clave de comedia irónica, a las películas de gangsters de Hollywood de los años 30, con la peculiaridad de que todo el elenco estaba compuesta por niños, entre la que destaca Jodie Foster, como novia del gángster protagonista, Bugsy Malone. El guión fue escrito por el propio Parker. Las canciones fueron compuestas por Paul Williams, un compositor, arreglista y cantante. Por la música original y adaptada recibió una nominación al premio Oscar. También recibió tres nominaciones al Globo de oro y 8 nominaciones al BAFTA de los que ganó 5. Un hecho singular se produjo en la premiación BAFTA de ese año, ya que Jodie Foster estuvo doblemente nominada, como actriz secundaria y actriz promesa, por este film y por Taxi Driver, ganando los dos premio. Fue una año muy especial para Jodie, pues también estuvo nominada para el Oscar por Taxi Driver, aun adolescente iniciaba sorprendentemente su carrera. También fue un año especial para Paul William, quien recibió doble nominación en estos premios y ganó el Oscar a la mejor canción por el tema de amor de la película. Nace una estrella, compuesta junto a Barbara Streisand. Parker recibió un BAFTA por el guión. La banda sonora la publicó el sello Polydor.
Fama (1980).
Pink Floyd -The Wall (1982).
Pink Floyd la banda de rock progresivo más importante e influyente de la historia, entregó The Wall (CBS Columbia, 1979), un álbum doble, sumamente conceptual, narrativo, potente y con un desempeño fabulosos de la banda a la que se agregó una producción espectacular, se convertiría en un verdadero mito musical. Las puestas en escena de los conciertos del grupo, evidenciaban una personalidad teatral y cinematográfica del álbum. Rogers Waters por varios meses estuvo trabajando un guión basado en las canciones del álbum para adaptarlo al cine, para lo cual se juntó con su amigo el dibujante Gerald Scarfe quien empezó a elaborar animaciones y bocetos. Hay un primer contacto com Parker, para que produzca el film, pero con el transcurso del desarrollo del proyecto, cargado de problemas y contradicciones, terminaría con Parker a cargo de la dirección. La filmación fue agobiante para todos, se habían encontrado dos personas de carácter fuerte, autocráticos y explosivos: Parker y Waters. Parker cuenta que "la realización de la película fue un ejercicio demasiado miserable para mí". Waters tenía una idea muy fijada de la trama y Parker era el director. La película con Bob Geldof de protagonista, es una película poco convencional está llena de simbolismos y metáforas desde el principio hasta el fin, visiones alucinantes, de violencia, de surrealismo onírico matizado con animaciones agobiantes . Pocos diálogos pero si, mucha música, que va dando la pauta del guión. La película es tan épica, que siempre llama a interés volverla a ver aunque por ratos, solamente por escuchar la música, finalmente solo ganó un premio BAFTA, mejor banda sonora y el disco siguió acumulando la contabilidad de sus ventas interminablemente.
The Commitments (Camino a la fama) (1991).
Es una agradable comedia musical, que narra las peripecias de unos jóvenes de la periferia obrera en el lado norte de Dublín, para conformar una banda de música soul. El elenco fue conformado en su mayor parte por chicos reclutados en los numerosos pubs de Dublín, el único requisito para audicionar, era cantar o tocar algún instrumento musical. Parece que no fue difícil conseguir un gran contingente, en esos tiempos, los jóvenes músicos de esta ciudad, estaban muy motivados pues de Dublín habían emergido varias super estrellas de fama internacional. El famoso grupo The Corrs hacía en esos momentos sus pininos en los bares de Dublín, consiguiendo participar en la película en papeles secundarios. En una de las secuencias de la trama, los jóvenes están viendo cantar a James Brown, la canción Please, Please, Please, en una presentación super espectacular y dramática que hizo para un show televisado (ojo, está en YouTube, tienen que verlo) y el protagonista sustenta porque quiere que la banda interprete música soul y dice: "Los irlandeses son los negros de Europa, los dublineses son los negros de Irlanda, los de Dublín Norte son los negros de Dublín", "Soy negro, estoy orgulloso", que buen punto. A lo largo de la película se escuchan una serie de buenas y antiguas canciones de R&B, tantas que alcanzó para publicar dos discos para la banda sonora.
Evita (1996).
Andrew Lloyd Weber y Tim Rice, ese talentoso dúo, creador de ese genero de musicales, conocidos como operas-rock, en los años setenta del siglo pasado, habían llevado al teatro en 1978, la ópera Evita, basado en un disco que habían publicado tiempo atrás, hubo mucho interés de llevarlo al cine, pero pasó mucho tiempo para que Alan Parker abordara el proyecto, desechó el guión teatral, reescribiendo uno nuevo. Parker se reúne con el dúo compositor y deciden basarse únicamente en el disco original, algunos cambios en las partituras y una nueva canción quedó en los acuerdos de dicha reunión. Madonna, que hizo el papel de Eva Perón, se dedicó por largo a tiempo a seguir un entrenamiento para mejorar su rango vocal, que lo consiguió ampliamente, Madonna mostraría en el film que era mucho más de lo que ya se le conocía, . Otro papel protagónico lo cumplió Antonio Banderas en el papel de "El Che," un narrador mordaz. Una cosa es la obra Evita, confinada en la sala de un teatro y otra en una película, especialmente si se trata de un personaje controvertido, Parker encontraría detractores acérrimos, en general siempre tuvo detractores, el tema de un personaje icónico abordado por británicos en un país que hacía poco había vivido el asunto Malvinas, había que tener algo de coraje, para enfrentarlo. La canción You must love me, ganó el Oscar a la mejor canción original, Madonna presentó la canción en la gala de premiación. También recibió 6 nominaciones a los Globo de Oro, de las cuales ganó 3, Parker recibió la nominación como mejor director.
Fuentes consultadas.
www.wikipedia.org
www.alanparker.com (1)
www.discogs.com
www.filmaffinity.com
www.imdb.com
(1). Recomiendo el sitio de Parker, tiene ensayos muy interesantes.
El bolero mexicano con alma gitana
Somos novios
Soy lo prohibido
Cenizas
Si tu me dices ven
Perfidia
La media vuelta
Verdad amarga
Bésame mucho
..
Cigala canta a México - Sony Music Latin 2020.
Tracklist
1 Somos novios featuring [Con] – Mariachi Vargas de Tecalitlán
2 De qué manera te olvido
3 Soy lo prohibido
4 Cenizas
5 El gato
6 Si tú me dices ven
7 Se me olvida otra vez
8 Perfidia featuring [Con] – La Sonora Santanera*
9 Vámonos
10 Verdad amarga
11 La media vuelta featuring [Con] – Los Macorinos
12 Bésame mucho
https://sonymusicca.lnk.to/CigalaCantaAMexico
PlayList Youtube
Fuentes consultadas:
www.es.wikipedia,org
www.elcigala.com
www.discog.com
Editado el 10 de Agosto de 2020
Hace ya 20 años, que El Cigala, de la mano del talentoso guitarrista y productor musical Javier Limón, grabó su segundo álbum de estudio, que le permitió trascender, más allá de los círculos del ambiente flamenco de Madrid, su ciudad natal. Dado el éxito de este álbum, ambos inmediatamente empezaron a trabajar en un nuevo disco, estando en esos ajetreos, el oscarizado cineasta Fernando Trueba, quien ya había trabajado un video con un corte del álbum anterior, les permite ver, antes de su estreno oficial su documental Calle 54, un espléndido homenaje al Latin Jazz. Uno de los héroes del film es Bebo Valdés, quien había sido rescatado del exilio, pocos años antes por Paquito D'Rivera, quien le produce Bebo rides again (Messidor/ Termidor, 1995) devolviendolo a la escena internacional. Cigala que ya había escuchado desde su niñez , boleros en clave flamenca cantada por figuras legendarias del cante jondo, quedó prendado de lo que había visto, y es a instancias de Trueba, que lo reúne con Bebo y les desarrolla ese concepto musical que Cigala abordaría posteriormente con un carácter libertario, sin ataduras y deseo de experimentación.
El tercer álbum de Diego, Corren tiempos de alegría (BMG Ariola, 2001) ya contiene tres colaboraciones con Bebo, que incluye uno de los inmortales boleros de Consuelo Velázquez, y también una colaboración del trompetista Jerry González, uno de los pilares del Latin Jazz que prendado de los aires flamencos, se había quedado a radicar en Madrid, donde fallecería trágicamente hace algunos años. Los palos del flamenco y los boleros y el son montuno, habían comenzado a dialogar en sintonía perfecta otra historia para el Cigala empeza a tomar forma. Luego llegaría una de las obras mas bellas de la fusión flamenca y los sonidos latinos. Lágrimas Negras (Calle 54 Records, BMG, Ariola, 2003). y es que el desgarro del cante flamenco es algo tan intrínseco para el adolorido bolero, que se ha compuesto y cantado desde hace muchas décadas atrás.
Las aventuras musicales de Diego El CIgala, no terminarían ahí recién había empezado, los guiños a la música latina continuaría repetidamente, nuevamente el bolero, luego el tango y las raíces argentinas, la compenetración llegaría hasta la música salsa, una extraña combinación del flamenco con el alma latina que lo llevó hasta a aplicar por la nacionalidad dominicana, por lo que ahora reside plácidamente en Punta Cana, resumiendo una trayectoria coronada con premios como el Grammy latino y el cariño apabullante de una gran legión de seguidores que ha cosechado en este continente.
Sin abandonar sus aventuras latinas. Cigala , se ha dado tiempo para retornar al flamenco, pero esta vez en tiempos de pandemia y cuarentena, nos entregó, un nuevo álbum, producido por Jaime Calabuch "Jumitus", convertido también en su pianista leal. En este nuevo disco, la historia se repite, esta vez se engancha con la poderosas tradición musical latinoamericana, como es la música mexicana, una música que ha trascendido fronteras, continentes y generaciones. El Cigala ha escogido para su disco las canciones más emblemáticas del cancionero mexicano, que son el legado de figuras legendarias como José Alfredo Jiménez, Vicente Fernández, Armando Manzanero, y otros. Un disco que reúne boleros inmortales, rancheras, mariachis y otros sonidos aztecas, con fuerte sabor a tequila, pero donde se siente el alma flamenca con el cante jondo de Diego El Cigala. Acompáñenme a escuchar algunas de las pistas de este álbum y luego les dejo los links para escucharlo completo.
Somos novios
Hay boleros que con el tiempo los hemos colocado en un pedestal, no son digamos legendarios, esos son los boleros de lo 40s o antes,, Somos Novios es de tiempos modernos, aunque fue publicado en 1967, y tiene un pedestal propio, no solo por su letra, sino por la interpretación que le dio Armando Manzanero, hay talentosas interpretaciones, otros, la mayoría, no tanto, . de manera que escuchar nuevas versiones, siento que tengo algún prejuicio anticipado. El Cigala, presenta este bolero como la carta de presentación del disco, es el único corte en video. y lo hace acompañado de una institución emblemática para lo más intrínseco de la música mexicana, como es el Mariachi Vargas de Tecalitlán, la verdad es que no tengo recuerdo de este bolero con acompañamiento de mariachis, pero los resultados son muy buenos, tan igual como los apacibles arreglos orquestales que siempre hemos escuchado con este bolero, el grupo de violines del mariachi, le da relevancia a la interpretación de El Cigala, que es más bien estándar, pero como para escucharlo repetidamente.
Soy lo prohibido
Hay muy buenas versiones de este bolero de Roberto Cantoral y Dino Ramos, en la que destaca la de Olga Guillot. En este track, Cigala y con un inconfundible sonido de mariachi, muestra su talento para hacer sentir con delicadeza lo rasgado del cante flamenco.
Cenizas
Bolero de Manuel "Wello" Rivas, compositor yucateco, que se hizo famoso en la voz de la legendaria mexicana, Toña La Negra y que ha tenido muchas excelentes versiones, recuerdo una súper interpretación de Eugenia León que personifica precisamente a Toña La Negra en la película Arráncame la vida de 2008. El Cigala, pudo haber escogido cantarlo en el estilo de bolero ranchera como lo interpretó magistralmente Javier Solís, pero optó interpretarlo por la versión tradicional, pero con arreglos con desempeño fundamental del piano de Jumitus, una reminiscencia, al estilo que le dio tanto éxito, en ese álbum pivote que fue Lágrimas negras, junto al inolvidable Bebo Valdés. El Cigala nos ha entregado una excelente y personalizada versión de este bolero, el quebrado cante gitano que este melódico y doliente bolero lo requiere, pues se trata de un amor en ruinas, no faltaba más, "Solo cenizas hallarás de todo lo que fue mi amor".
Si tu me dices ven
Diego El Cigala, se mete al formato trío, imposible no hacerlo, pues el trío también es un ensamble intrínseco al bolero mexicano, sobre todo por el papel cumplido por Los Panchos y otros, una formación que incluía al requinto como nota distintiva. Precisamente la autoría de este bolero corresponde a Alfredo Gil, uno de los fundadores de tan famoso trío, que popularizó este bolero, . Para esta versión lo acompaña el Trío de Chucho Navarro Jr., Los Panchos de estos tiempos, que es hijo de otro de los fundadores del trío. Muy acertada la decisión de Cigala, incluir el formato, y mimetizarse, en realidad como cuarto elemento, excelente.
Perfidia
Y aquí está lo que mejor ha sazonado la producción de este álbum, una mixtura completa y perfecta, es una grata sorpresa, en la introducción escuchamos las cuerdas de una guitarra flamenca, que luego se va fundiendo con la voz quebrada y muy gitana del Cigala, un minuto sublime, hasta que sorpresivamente irrumpen los vientos de la Sonora Santanera, llevando gloriosamente al bolero en tiempo de chachachá, muy buena fórmula, ya Cigala se había entendido muy bien con esta sonora, en una colaboración en el bolero Dos Gardenias en el álbum La fiesta continúa (Sony Music, 2017). El tributo a la música música mexicana, no hubiese estado completa sin la participación de esta sonora que es de lo más representativo de la música tropical mexicana. Es impresionante la cantidad de versiones que tiene este bolero de Alberto Domínguez, natural de Chiapas, del cual se asegura que fue compuesto en 1939, los hay en todos los tiempos, diferentes idiomas, cantado o solo instrumental, Localmente en mi país, Perú, debe de haber más de dos decenas de versiones.
La media vuelta
Javier Solís convirtió en uno de los himnos del bolero-ranchera a esta composición de José Alfredo Jiménez, otro de los patrimonios mexicanos que Cigala no ha obviado en este álbum, está acompañado por Los Macorinos, un dúo de guitarristas que se hacen llamar así, pues fueron músicos de la célebre Chavela Vargas, y se han lucido acompañando a Natalia Lafourcade en sus últimos trabajos, ellos son: Miguel Peña, mexicano y Juan Carlos Allende , argentino. La primera vez que escuche esta versión de El Cigala, me trajo al recuerdo, el video que Luis Miguel hizo para esta canción en 1994, con una intro de guitarras, hasta que luego se lanza la versión grabada, con la trompeta al mejor estilo mariachi. Esta versión que hace El Cigala acompañado exclusivamente por las guitarras de Los Macorinos, es una experiencia única.
Verdad amarga
Siguen las sorpresas, cerca al final, encontramos el bolero, compuesto por la legendaria pianista y compositora Consuelo Velázquez, con arreglos estupendos como para salón de baile, precedida por el piano de Jumitus, con arreglos orquestales en tiempo de bolero tradicional, para terminar danzando en la pista de baile, en tiempo de salsa, un formato que algunas orquestas de salsa de las más tradicionales, nos regalaron en algunas oportunidades. De este bolero y por estilo usado recuerdo la sublima versión que realizó Eddie Palmieri en el piano con la voz de Ismael Quintana y con el trombón de Barry Rogers, esto con el conjunto La Perfecta, bolero y Latin Jazz en afinación perfecta.
Bésame mucho
La composición estrella de Consuelo Velásquez, uno de los estándares más importantes del género, en la que Cigala muestra mucho tumbao, tumbao jondo. Quizá muchos quieran ver repetidas, las sensacionales versiones que muchos interpretes han hecho de este bolero, que con nostalgia uno lo quiere escuchar lo más melódico posible. Cigala ha escogido para cerrar su álbum darle un guiño a los sonidos tropicales, con acordes de Latin Jazz y con un verdadero fin de fiesta final.
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Llegado al final creo, regresemos a la primera pista, que vale. ¿Que sorpresa nos traerá después El CIgala?. Por lo pronto la lista de boleros inmortales es extensa.
Cigala canta a México - Sony Music Latin 2020.
1 Somos novios featuring [Con] – Mariachi Vargas de Tecalitlán
2 De qué manera te olvido
3 Soy lo prohibido
4 Cenizas
5 El gato
6 Si tú me dices ven
7 Se me olvida otra vez
8 Perfidia featuring [Con] – La Sonora Santanera*
9 Vámonos
10 Verdad amarga
11 La media vuelta featuring [Con] – Los Macorinos
12 Bésame mucho
https://sonymusicca.lnk.to/CigalaCantaAMexico
PlayList Youtube
Fuentes consultadas:
www.es.wikipedia,org
www.elcigala.com
www.discog.com
El Documental
Editado el 10 de Agosto de 2020
Etiquetas: [Gerardo Manuel] [Gerardo Manuel y El Humo] [Los Shains] [Obituarios] [The St Thomas Pepper Smelter]
Fecha Publicación: 2020-07-18T20:20:00.003-05:00
Fecha Publicación: 2020-07-18T20:20:00.003-05:00
El pasado 4 de julio falleció en Lima, Gerardo Manuel Rojas Rodó, tras dar una larga batalla a la enfermedad que lo aquejaba. Será imposible olvidar a Gerardo Manuel, pues es un personaje icónico de mi generación. lo vi y escuché por primera vez en vivo y en directo cuando era vocalista de la banda Los Shain's, uno de los grupos pilares de la primera escena de la historia del rock peruano, a mediados de los años sesenta del siglo pasado, una escena que ha sido rescatada en el presente siglo por diversas disqueras en e mundo incluyéndolos como uno de los referentes del garage y la psicodelia en el mundo. Gerardo Manuel, Los Shain's y todos esos grupos que conformaron esa temprana generación de músicos rockeros y "nuevaoleros", tuvieron una activa presencia en aquellas nostálgicas matinales dominicales que les permitieron una cercanía inolvidable con la juventud de aquellos tiempos de la que fuí partícipe y testigo directo Es imposible olvidar su trayectoria musical ligada a la psicodelia, el rock fusión y la experimentación musical con bandas legendarias como, The (ST. Thomas) Pepper Smelter y Gerardo Manuel y El Humo. Gerardo Manuel estuvo muy ligado a la industria musical, fue ejecutivo en importantes disqueras locales y también productor musical, pero su labor más destacada y reconocida, fue la tarea de difusión del pop-rock como DJ en diversas emisoras, con programas tan recordados como "Hola patas" ("patas", sinónimo de amigo en Perú) y "La Hora Pirata". Fue trascendental con su casi eterno "Disco Club", que condujo en la TV estatal, que pudimos disfrutar por tantos años, y donde aprendimos a apreciar los primeros videoclips del rock, pop y toda esa variedad de ritmos y bandas que hicieron del video la mejor manera de mostrar sus atributos para deleite de sus seguidores. En todas estas oportunidades apoyó decididamente a los grupos nacionales, generación tras generación. Su programa de videos en TV empezó a emitirse en 1978, muchos años antes que empezara a emitirse la señal de la poderosa MTV Sirva este post para rendir un homenaje aunque pequeño, a la banda nacional fundacional y legendaria como es Los Shain's y a los otros grupos que lideró Gerardo Manuel, además rendir tributo a todos aquellos músicos, que participaron con él, en la antigua escena rockera y que partieron tempranamente como Juan Carlos Barreda, Rafael "Pocho" Purizaga, Richard "Bimbo" Macedo y otros valiosos y brillantes músicos.
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Rescato esta entrevista a Gerardo Manuel , en tres partes, que le hiciera Fátima Saldonid, que conducía ese excelente y añorado programa cultural que se llamó Metrópolis, transmitido en el canal del estado peruano.
Parte 2
Parte 3
Disco club
"El rock es cultura"
Rey de tablistas
Gerardo Manuel, vivió sus primeros años juveniles en Ica, donde además de tener un programa en una estación de radio local, fundó una banda a la que puso el nombre de los Dolton's, que era el nombre del sello de The Ventures, una grupo al que les tenía gran predilección. Posteriormente, ya radicado en Lima, fue él que sugirió ese mismo nombre para el grupo que estaban gestando los hermanos Bolarte y Tito Andía, banda que integró por muy poco tiempo, dejando la posta a César Ichikawa. Durante ese breve lapso, Gerardo Manuel escribió la letra de una adaptación en español de la canción The king of the surf , del grupo estadounidense The Trashmen. Esta canción fue llevada a un estudio de grabación, pero nunca llegó a ver la luz,, según lo relata en su blog el conocido DJ Javier Lishner.
"El 63, a los 17, formó, en Ica, el grupo Los Dolton's, cuyo nombre tomó del sello discográfico de The Ventures. La primera vez que ingresó a un estudio de grabación -de acuerdo a una conversación que tuvimos hace ya muchos años-, fue justamente con Los Dolton's en 1964.Paradójicamente, fue en los estudios de El Virrey, cuando aún quedaban en el recordado Cine Coloso de La Victoria. Grabó "Rey de los tablistas" con Raúl Del Mar (el mismo que por esos días bautizaba a Julio Edgardo Barrera con el sobrenombre de Rulli Rendo). El tema, Gerardo lo compuso para Felipe Pomar, peruano, campeón mundial de tabla hawaiana. La grabación nunca apareció en disco porque a los ejecutivos "les pareció muy americana", me dijo, en 1990."
La versión fue muy popular, cuando fue grabada por Los Dolton's, tiempo después, ya sin Gerardo Manuel. Fue uno de los pocos temas rockeros y bailables de los Dolton's, además sonaba menos surf que la original-
Los Shain's
A mediados de 1964, Enrique "Pico" Ego Aguirre y los hermanos Juan Luis y Raúl Pereira, aun siendo escolares, fundaron Los Shain's . dando inicio a la historia de una de las bandas más representativas de la primera escena rockera del Perú. A lo largo del año de 1965 la conformación del grupo se modificó varias veces, unos músico se incorporaban y otros abandonaban el grupo, incluyendo los hermanos Pereira, para fines de años ya habían grabado 3 discos 45 rpm, es por esos días que se produce la invitación a Gerardo Manuel para una prueba como vocalista y es inmediatamente asimilado a la banda, con quien grabaron un cuarto 45 rpm.
El Ritmo de Los Shain's (Iempsa/Odeon, 1966)(Repsychled, 2008) (Electro Harmonix, 2002 España) (Munster, 2019 España)
Ya con Gerardo Manuel, - para ese entonces solo era conocido como Gerardo Rojas -, como primera voz, graban su primera álbum de estudio, un disco LP de 33 rpm. Ritmos como Surf, Go Go y otros, daban vida a una de las páginas claves de la onda garagera en el Perú. Las grabaciones empezaron a fines de 1965, en los recientemente renovados estudios de IEMPSA. que habían sido traídos desde Inglaterra y eran muy similares a los de Abbey Road.
La alineación que participó en las grabaciones fueron: Enrique "Pico" Ego Aguirre, director y 1ra. guitarra, nada menos que una Fender Stratocaster azul; Hernán Chocano en la 2da. guitarra, una Fender Mustang color rojo; Alexei Kostrisky Pereira en el bajo Fender; Pedro Pajuelo en la batería, quien se marchó a mitad de la grabación, siendo reemplazada por Julio Chávez Cabello; Lynn Stricklin en el órgano Farfisa y Gerardo Rojas Rodó como vocalista.
La mayoría de los temas del álbum eran covers de los grandes éxitos de aquel tiempo, algunas con adaptaciones en español, excepto Shain's a go go y Hoy escritas por "Pico" Ego Aguirre y Gerardo Manuel . Debo dar fe de que en esa primigenia etapa, a los juveniles fanáticos de la música juvenil de esos tiempos, nos interesaba fuertemente que los grandes éxitos musicales que pegaban en la radio, las queríamos escuchar y verlos en directo, especialmente en las matinales, y la única posibilidad que teníamos, era de que los grupos de moda hagan el cover correspondiente y luego sopesar y comentar quiénes lo hacía mejor. De este disco, siempre me sorprendió El Monstruo, yo hacía el paralelo con la voz de Erwin Flores que ya eran muy populares con su 45 Demolición, pero resulta que era un cover de una canción que no había escuchado en la radio, que había compuesto Bob Nolan para el grupo The Novas, en honor de una figura de la lucha libre llamado Reginald Lisowski , canción titulada como "The Crusher" (El triturador) que era el sobrenombre del luchador. En la canción se imitaba la voz ronca del luchador tal como retaba a sus adversarios en el ring. La versión de Gerardo Manuel y los Shain's tuvo otra temática, la de un monstruo extraterrestre y comenzaba con las notas de la introducción musical de la serie La Dimensión desconocida (The Twilight Zone) muy popular es ese tiempo.
Ya después de muchos años, encontré que entre las adaptaciones efectuadas para este álbum , había una joyita, se trata de la adaptación de la canción de John Davenport y Eddie Cooley titulada Fever, que se convertiría en un sacrosanto clásico desde que la cantó con algunos cambios Peggy Lee allá por el 1958, y que ha sido versionada decenas de veces a lo largo del tiempo, Elvis Presley, hizo una La adaptación de Los Shain's resulta ser una versión mucho más atrevida que las que hicieran Madonna o Beyoncé mucho tiempo después.
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Segundo Volumen (IEMPSA/ Líder, 1967) (Lazarus Audio Products, 1997, US).
Los Shain's habían demostrado ser una banda muy ordenada y bien administrada, así que en esas condiciones vuelven a lso estudios de grabación para trabajar en lo que sería su segundo disco de larga duración en momentos de popularidad al tope, se habían vuelto expertos en el uso de las innovaciones en los efectos de sonido como el "fuzz tone", "wah wah" y en el Eco de cinta, tal como se aprecian en las canciones del segundo disco, en donde se distancian del surf, y son menos garageros empezando a experimentar sonidos y llegan a pisar terrenos psicodélicos. Las temas del disco son mayoritariamente creaciones propias, e inspiradas en la corriente del "flower power" que recorría el mundo y presentan una novedosa creación local el "ritmo enfermedad" con la intención de marcar diferencia utilizando una música más rockera, frenética y desenfadada que la que hacían los grupos y cantantes de la llamada Nueva Ola. De esta manera varias de las canciones del disco, son presentadas como que están en ritmo "enfermedad".
Al tiempo en que llegan a grabar el disco, los integrantes del grupo se había renovado múltiples veces, pero la formación con la que se grabó el LP es la siguiente: Enrique Ego Aguirre en la 1era. guitarra y órgano; Beto Tataje es la segunda guitarra y la primera en Shain's a jazz y en No hay más que dar (en solo); Juan Carlos Barreda como bajista; Carlos Manuel Barreda en la batería y Gerardo Rojas cantante y arreglista. A este tiempo el mayor del grupo era Gerardo Manuel con 20 años. Enfermedades, es la carta de presentación de ese nuevo ritmo que fue compuesto por Manolo Ventura, que pasó brevemente por la banda. "Enfermedad" posteriormente lo asimilaría a su estilo, el grupo Los York's, en donde el ritmo alcanzó su mayor expresión frenética.
Un sentimiento profundo, es precursoramente un tema presentado como "canción protesta", de lírica pacifista y donde se lucen con el fuzztone marca Maestro de Gibson, ese aparato distorsionador armónico de sonido que alcanzó explosiva fama cuando los Rolling Stone lo usaron en la grabación de su gran éxito Satisfaction de 1965.
Docena 3 (IEMPSA/ Odeón, 1968)(Lazarus Audio Products, 1997, US) (Orbe, 1968, Venezuela)(Imperio, ?, Bolivia)
Entre 1967 y 1068 el grupo se encontraba en apogeo y eran muy solicitados para actuar en matinales, TV y radio. A la llegada a Lima de la banda uruguaya de los ilustres hermanos Fattoruso, se organizó un mano a mano en público en el escenario del cine Excelsior ubicado en el Jirón de la Unión en el centro de Lima, causando un desorden inusitado por esa céntrica calle, ya que la cola para el ingreso superaba las tres cuadras y el público que intentaba ingresar sexcedía en el doble el aforo de la sala. Igualmente hubo un mano a mano con una banda californiana llamada Los Challengers que se realizó en el cine Coloso del barrio de La Victoria. Se acostumbraba a organizar los "mano a mano" con alguna frecuencia, de manera que Los Shain's, se enfrentaron en más de una oportunidad a otros grupos locales. Por aquel entonces fueron convocados a elaborar la banda sonora de una película mexicana titulada Las Psicodélicas, que era una película de espías estilo James Bond, pero en comedia, el grupo llegó a aparecer en una de las escenas.
Para el año en que graban el tercer LP, el ritmo enfermedad, se encontraba en apogeo y el grupo había madurado y consolidado su estilo, abordando de lleno la psicodelia y el "Flower Power". Las canciones de Docena 3 son las mejores logradas por el grupo y son las que más perduraron en el tiempo, el grupo había evolucionado en letra y música. Experimentaron una novedosa técnica para lograr una distorsión real sin el uso de fuzztone, utilizaron una grabadora a tubos a la que conectaban la guitarra luego la saturaban y de ahí la conectaban en línea a un amplificador, logrando una distorsión armónica real, una "descarga muy fuerte a lo Hendrix", como lo comentaba "Pico" cuando solía contar esta experiencia. Nunca quisieron quedarse atrás en las tendencias de la época, así que utilizaron una cítara en el Tema de los Shain's, un instrumento que George Harrison había introducido en la grabaciones de The Beatles
La formación en este disco estuvo conformada por "Pico" Ego Aguirre, los hermano Barreda, Jorge Pomar y Gerardo Manuel quienes dejaron esta otra joyita, El tren pasa esta noche, una adaptación en español que hizo Gerardo Manuel a la canción Train kept a rollin' que fue popularizado por Johnny Burnette Trio y que ha sido versionado por The Yardbirds, Led Zeppelin, Aerosmith o Metallica entre otros. La versión resultó totalmente más electrizada que la original, muy buena.
Luego de Docena 3, grabaron un cuarto LP, Instrumental's (IEMPSA/ 1968) más por una obligación contractual con la disquera, en el cual Gerardo Manuel toca el saxo. Un disco que no parecen ellos pues ni siquiera aparecen en la carátula. Las cosas no andaban bien entre los integrantes, luego de la grabación, el grupo se disolvió abruptamente, "Pico" Ego Aguirre quedaría solo y el resto marchó a buscar otros horizontes, otras páginas de la historia del rock peruano empezaban a escribirse.
The (St. Thomas) Pepper Smelter.
Después de la salida de los Shain's, Gerardo Manuel con los otros tres, es decir, con Beto Tataje en la guitarra, Juan Carlos Barreda en el bajo y Carlos Manuel Barreda en la batería, fundan la banda The (St. Thomas) Pepper Smelter, a la que sumarían a Freddy Macedo en el órgano Farfisa. Durante 1969 producirían 6 discos 45 rpm y un álbum de estudio que tuvo por nombre Soul and Pepper. para el sello El Virrey, para entonces ya Gerardo Manuel se desempeñaba como ejecutivo en el sello.
Soul and Pepper (Virrey, 1969)(Repsychled, 2012) (Lazarus Audio Products, 1997, US) (Discos Monterrey, 2020, España)(Imagen, 1969, Brasil)(Virrey, Ecuador, 1969) (In a gadda da vida, Eco, 1969, México).
En este disco la banda está imbuida en explorar los sonidos oscuros y psicodélicos del rock con temas en que la mitad eran covers y los demás, sendas creaciones propias. La duración del grupo fue corta, Gerardo Manuel estaba apremiado por sus actividades laborales en la disquera, y cada uno ya manejaban proyectos propios, así que la banda se disolvió en 1970, habían experimentado los sonidos que les llevarían a otros proyectos y estilos justo en umbral de los estilos que imperarán en la nueva década.
In-a-gadda-da-vida, es un cover de la canción de extraño título que impusiera la banda Iron Butterfly, la versión original dura 17 minutos, la de los "Peppers", mantiene esos poderosos y extensos riff de guitarra y bajos con los solos de guitarra y órgano intercalados por solos de batería, excelente versión que se editó en sencillo antes que el grupo original lo hiciera, con lo que consiguió muy buenas venta, incluso en el exterior. Eran los atisbos precursores del heavy metal.
Gerardo Manuel y El Humo
Ha llegado la década de los setenta y conforme avanzan los meses las famosas matinales repentinamente desaparecerían, el frenético ritmo "enfermedad", terminaba ocasionando demasiado desorden a los que se sumaban algunos desmanes que aparentemente sucedían, pero además atraías a los tropeles de "hippies criollos", como se les denominó a los jóvenes que vestían con pantalones de tela de carpa y boca ancha, camisas de flecos, pelo largo, vincha y flores, ellos solían caminar por la calles en grupo como si estuvieran realizando una marcha de protesta, la Municipalidad de Lima les había prohibido reunirse en plazas o parques, de manera que las matinales se les empezó a negar la autorización para efectuarse. Los rockeros perderían un importante espacio. La mayoría de los integrantes de la bandas eran jóvenes estudiantes, con el tiempo terminaron sus carreras universitarias, y se dedicaron a sus profesiones o viajaron al extranjero, otros varios entre ellos Gerardo Manuel, que terminando la universidad, ya era un ejecutivo de la disquera El Virrey, no abandonarían la actividad musical, pero deberían enfrentar otro gran problema, el gobierno militar solo permitía en la TV y radio programas de música peruana, de manera que el rock y la nueva ola en vivo desaparecería, Un asunto jugó a favor. las estaciones de radio estaban obligados a incluir un porcentaje de producción nacional si importar el género, de esa manera que había un resquicio que aprovechar.
En ese contexto, la disquera El Virrey había instalado nuevos equipos de producción, un ingeniero alemán estuvo encargado de la instalación y cuando ya estuvo totalmente instalado el ingeniero le solicitó a Gerardo Manuel apoyo en un proyecto para hacer los ajustes necesarios en el estudio y las pruebas correspondientes, para lo cual debería de convocar a amigos suyos y grabar un disco sin costo que permitiera la evaluación de la instalación. Para agosto de 1970, estaría listos para comenzar la pruebas. Como luego de la grabación el grupo se "haría humo", sería bautizado por el bajista Ernesto Samamé como "El Humo".. En esta oportunidad es cuando Gerardo Rojas Rodó, empezaría a usar su segundo nombre y en adelante lo conoceríamos como simplemente, Gerardo Manuel.
Apocallypsis (Virrey, 1970) (Lazurus Audio Products, 1997, US) (Repsychled, 2006 Perú) (Repsychled, 2012, US).
La formación que partició en este disco fue: Jorge "Coco" Pomar en el bajo y guitarra rítmica; Freddy "Puro" Fuentes, en la batería y percusión; Enrique "Pico" Ego Aguirre con el seudónimo "Enrique Mario" en la 1ra.. guitarra" y Gerardo Manuel como vocalista. Para el tema Flores en la mañana los arreglos para violín fueron hechos por Claudio Fabbri y el violín fue de Rafael Purizaga (Padre). El empaque del disco tenía en la parte posterior dos solapas y al centro una gran foto de Gerardo Manuel. el disco fue presentado en el Cine Central para el estreno de la película Woodstock, 3 días de paz. amor y música, cuando interpretaron Apocallypsis, un tema compuesto por Gerardo Manuel y Richie Zellon, el auditorio se sumió en el paroxismo y el caos.
Machu Picchu 2000 (Polydor, 1971) (Lazarus Audio Products, 1997, US).
Con el éxito del primer disco, fueron por el segundo, en este todos los temas fueron escritos por Gerardo Manuel y El Humo y son cantados en idioma inglés un disco en que desde la psicodelia, experimentan el estilo hippie, con diversos sonidos e incorporan elementos de música andina, apostando por la fusión, un estilo que comenzaba a desarrollarse fuertemente por esos años.
La temática del álbum estuvo inspirada según el propio Gerardo Manuel en un cuento de ciencia ficción que escribió cuando era escolar y nunca publicó donde cuenta que "estalla la Tercera Guerra Mundial, a las cinco y media del 31 de diciembre de 1999, y que al comenzar el nuevo milenio, resurge el Imperio de los Incas". También Gerardo Manuel solía contar que las canciones están contadas en inglés como revancha a que por esos tiempos el dúo Simon y Garfunkel habían grabado el Cóndor Pasa como si fuera de ellos, tiempo después el duo tuvo que reconocer derechos al autor original de tan emblemática canción.
La banda estuvo conformada por: "Pocho" Purizaga, Juan Carlos Barreda, Coco Pomar, Ernesto Samamé , Richie Zellon y Gerardo Manuel, con el apoyo de músicos para varios instrumentos. La funda del disco al igual que la anterior se hizo en formato "Gatefold", en el que la parte posterior se abre en dos solapas a los costados. La canción Machu Picchu Blues pertenece a Richie Zellon.
¿Quién es el mayor? (Polydor, 1974)(Discos Monterrey, 2020, España)
A mediados de 1973 en los estudios de El Virrey, se empezarían las grabaciones para un tercer disco, con un proyecto ideado por Pocho Purizaga quien hizo los arreglos de todas las canciones para añadirles cuerdas, vientos y percusión, por los cual tuvo que convocarse a una serie de grandes músicos, muchos de los cuales tendría una brillante trayectoria a lo largo de los años, de allí que en el disco la banda sería presentada como Gerardo Manuel & CVP . La grabación terminaría a principios de 1974. El álbum contiene canciones propias y covers con adaptaciones al español escritas por Gerardo Manuel quien hizo de primera voz, junto con Rafael “Pocho” Purizaga al piano, órgano, vibráfono y batería, Carlos “Oso” Torres al bajo, Ramón Stagnaro en la guitarra, Karl “Fosforito” Seibt a la batería, y Manuel “Cejitas” Marañón apoyando en la percusión. Contó con un nutrido grupo de cuerda, violines y chelo;y otro de metales con saxo, clarinete, trompeta, trombón, oboe y corno inglés, estuvieron además, Oscar Stagnaro, Pablo Luna Mansilla y esposa, Walter La Madrid, "Pico" Ego Aguirre, Jorge Pomar, Lucho Calixto, Antonio Alzamora, Hugo Alvites y otros.
La temática y título del disco está inspirado en conocido pasaje bíblico, de hecho en la penúltima pista del álbum que tiene el mismo nombre, se escucha la voz declamativa de Gerardo Manuel leyendo el fragmento del versículo que también fue impreso en la parte posterior de la funda. Los textos de las letras mayormente tienen una lírica de protesta, reivindicativa por derechos,igualdad y libertad, muy a tono con la época. Musicalmente hay una virtuosa experimentación de fusiones de diversos ritmos y tonalidades; psicodelia, pop, rock , acid rock, soul, funk y percusiones latinas
Reuniones posteriores
Además de su labor de difusión musical y de la destacable labor apoyo y promoción de nuevas bandas, Gerardo Manuel, siempre tuvo una constante vida artística a través de los años como solista acompañado de músicos de sesión en formato de banda de rock, o alineando como Gerardo Manuel y El Humo, dejando para la posteridad algún material discográfico. Reunió a los Shain's para celebrar sus 50 años de fundación en 2013, participando los veteranos Shain's: Gerardo Manuel Rojas, en la primera voz, "Pico" Ego Aguirre, en la primera guitarra, Lynn Stricklin en los teclados, Juan Carlos Barreda en el bajo y Julio Chávez Cabello en la batería,
Gerardo manuel solista, No te olvides de mi (1985)
Emotivo y nostálgico homenaje
Escuchar a Gerardo Manuel en Spotify
El ritmo de los Shain's
Anthology . Los Shain's
Soul & Pepper - The (ST. Thomas) Pepper Smelter
Apocallypsis - Gerardo Manuel y El Humo
¿Quién es el mayor? - Gerardo Manuel & CVP
Fuentes consultadas:
https://magicpopblog.wordpress.com
discog,com
wikipedia.com
Demoler. El rock en el Perú 1965-1975 de Carlos Torres Rotondo. Editorial Planeta Perú, 2018.
Días Felices Sótano Beat varios autores. Ediciones Contracultura, 2012.
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Fecha Publicación: 2020-07-08T17:59:00.002-05:00
Fecha Publicación: 2020-07-08T17:59:00.002-05:00
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| Ennio Morricone (Foto Reuters) |
Ha fallecido el genial maestro Ennio Morricone, a los 91 años de edad en su ciudad natal, la eterna Roma. No tengo dudas que Morricones amó profundamente al cine, ese sentimiento es lo que le permitió crear innumerables bandas sonoras, alrededor de 500, que transmitían la magia cinematográfica, creando una atmósfera envolvente para compenetrarnos con la ficción mostrada en la pantalla, para hacernos sentir como en un sueño, las angustias, los temores, las alegrías, las pasión y todo la carga de emociones de los personajes, un sueño que se prolongaba aun después de que los créditos de la película terminaban de aparecer, pues nos llevábamos la música de la película vista impregnada en nuestras vida,. prendida en nuestra memoria para siempre. Nunca he olvidado los temas de la "trilogía del dólar" que escuché por primera vez en la oscuridad de esas enormes salas de cine de hace ya más de cincuenta años, como olvidar esa sinfonía de silbidos, campanas, trompetas, cuerdas, coros y armonías, que nos trae la fantasía mágica de la infalibilidad de Clint Eastwood con la pistola y que me entusiasmaba tanto cuando era un adolescente. Ya son 30 años de la conmovedora y nostálgica película Cinema Paradiso, que renovó mi entusiasmo por el cine y cada vez que escucho esa sinfonía de cuerdas tan nostálgica como la película, me regresa a la sala donde vi ese film por primera vez. El cine,"el séptimo arte", es una suma de artes, y el arte de la música en el cine, alcanzó a ser brillante, grandioso y genial con la música de Morricone. Gracias maestro por dejarnos tanta magia para soñar eternamente.
Una lectura sobre Ennio Morricone en los medios:
MITO DEL CINE
Muere el compositor italiano Ennio
Morricone a los 91 años
El prestigioso compositor italiano, habitual de Sergio Leone, Bertolucci y Pasolini, ganó el Oscar por 'Los odiosos ocho' y el reciente Premio Princesa de Asturias de las Artes
Quim Casas
BARCELONA - LUNES, 06/07/2020 - 18:49
El pasado 5 de junio se les concedía a los compositores cinematográficos Ennio Morricone y John Williams el premio Princesa de Asturias de las Artes por el conjunto de su obra. En ambos casos, de una dimensión popular pocas veces vista en la música de cine. El autor de las bandas sonoras de los célebres 'spaghetti wéstern' de Sergio Leone ha tenido solo un mes para disfrutar este galardón. Morricone ha fallecido hoy a los 91 años en su ciudad natal, Roma, a consecuencia de las complicaciones derivadas de una caída reciente en la que se rompió el fémur.
Activo hasta el final, el cine pierde con Morricone uno de sus grandes iconos musicales. Su última banda sonora la compuso en el 2016 para 'La correspondencia', una película de Giuseppe Tornatore interpretada por Jeremy Irons y Olga Kurylenko. Pero además de un posterior trabajo musical para la firma Dolce & Gabbana, estaba escribiendo el 'score' para una versión británica de 'El fantasma de Canterville' en dibujos animados.
El wéstern europeo de Sergio Leone
Siempre se le asociará a las curiosas imágenes urdidas por Leone en el wéstern europeo, al Clint Eastwood de 'Por un puñado de dólares', 'La muerte tenía un precio' y 'El bueno, el feo y el malo', a las melodías inconfundibles elaboradas en esos filmes con silbidos, armónicas y arpa de boca. Morricone creó en el marco del euro-wéstern de los años 60 una estética sonora renovadora y apreciable, arriesgada también, entonces denostada y hoy reivindicada.
Pero además de seguir colaborando con Leone en todas las películas posteriores a la trilogía con Eastwood -en 'Hasta que llegó su hora', una de sus mejores bandas sonoras en conjunto, en '¡Agáchate maldito!' y en el potente fresco dramático e histórico que es 'Erase una vez en América'-, el compositor practicó otros géneros música coral, orquestal y de cámara- y, dentro de la gran pantalla, tuvo prolongadas y definitorias asociaciones con lo más representativo del cine de autor italiano de los años 60 y 70, es decir, la antítesis del cine popular representado por Leone y demás practicantes del wéstern italiano.
Bernardo Bertolucci confió en él en 'Antes de la revolución', 'Partner', 'Novecento' o 'La luna'. Para Pier Paolo Passolini elaboró la música de 'Pajarracos y pajaritos', 'Teorema' y las tres entregas de la trilogía de la vida ('El decamerón', 'Los cuentos de Canterbury' y 'Las 1001 noches'), una auténtica celebración de música popular, sensual y lúdica. Con Marco Bellocchio colaboró en 'Las manos en los bolsillos' y 'La China está cerca'. Compuso las bandas sonoras de 'La batalla de Argel', 'Queimada' y 'Operación Ogro', de Gillo Pontecorvo.
Bertolucci participó en la escritura del argumento de 'Hasta que llegó su hora', lo que demuestra, como en el caso de Morricone, que podían hacerse las dos cosas, cine más minoritario y cine para plateas amplias. Otro de los colaboradores en el guion de aquel filme del Oeste en el que la música más minimalista de Morricone, combinada con el uso del silencio, sostenía la dilatación del tiempo en recordadas secuencias como la de la espera de unos pistoleros en una estación de tren, fue Dario Argento, el maestro del 'giallo' o 'thriller' de terror. Para él también trabajó Morricone, dejando su sello en las nerviosas columnas sonoras de títulos como 'El pájaro de las plumas de cristal' y 'El gato de nueve colas'.
Y en clave francesa, Morricone también compuso para el gran género popular del cine galo, el 'polar' o cine policíaco, caso de otra de sus partituras más inconfundibles, la de 'El clan de los sicilianos', versionada hasta la saciedad. Y no olvidemos su evocadora música para la nostálgica 'Cinema Paradiso', de 1988, película repuesta en nuestras salas después del confinamiento, así como su único encuentro con Pedro Almodóvar en '¡Átame!'.
Dio pronto el salto al cine anglosajón. De entre toda su producción en Estados Unidos y Gran Bretaña destacan su incorporación del 'sonido spaghetti' a 'Dos mulas y una mujer', así como piezas de distinto registro y calado en 'El exorcista II: El hereje', 'Días del cielo', 'La misión', 'Los intocables de Elliot Ness' o 'En la línea de fuego'. Pero uno de sus trabajos más reconocidos es el que elaboró para el filme de terror de John Carpenter 'La cosa', que es, curiosamente, una de sus obras menos personales, ya que Morricone hizo poco más que adaptar a su estilo el tipo de músicas inquietantes que escribía el propio Carpenter para sus películas.
Oscar honorífico
Entre 1979 y 2001 fue nominado al Oscar en cinco ocasiones: por 'Días del cielo', el film de Terrence Malick con arte europeo (música de Morricone y fotografía de Néstor Almendros), 'La misión', 'Los intocables de Elliot Ness', 'Bugsy' y 'Malena'. En el 2007 le concedieron ese Oscar honorífico que siempre dan a quien no lo ha ganado por una de sus películas. La relación de Morricone con el galardón hollywoodiense parecía así cerrada, pero nadie esperaba que Quentin Tarantino, tras utilizar varios de sus temas ya existentes en 'Kill Bill' y 'Django desencadenado', le encomendará en el 2015 la banda sonora original de 'Los odiosos ocho'. Morricone, aupado por uno de sus más fervientes admiradores, consiguió, ahora sí, su preciado Oscar a la mejor banda sonora y, de paso, el Globo de Oro.
Una de sus últimas entrevistas, con motivo de la concesión del Princesa de Asturias, la publicó el diario 'La Nueva España' el pasado 12 de junio.
Nota original aparece en:
https://www.elperiodico.com/es/ocio-y-cultura/20200706/muere-ennio-morricone-bandas-sonoras-compositor-cine-8028113
10 Bandas sonoras inolvidables
1. Cinema Paradiso (1988)
No hay duda que Cinema Paradiso (Oscar Mejor Película en Lengua Extranjera, 1990), la película de Giuseppe Tornatore es inolvidable, nostálgica, mágica y soñadora, pero no sería tan emotiva, sentimental, mágica y a la vez auténtica sin la música de Morricone. Cinema Paradiso es un homenaje al cine y a la vez a los amantes del cine. Totó es un niño que en el cine de su pueblo está dispuesto a averiguar que magia existe tras cada proyección y Alfredo el operario del proyector terminará por mostrarle de que trata esa magia, sobre esa historia, se hizo una de las películas más nostálgicas que tratan sobre el cine mismo, de lo que fue y de lo que se convirtió, y de lo que será siempre: Magia. Morricone pone esa sinfonía de cuerdas para transportarnos y hacernos flotar con esos recuerdos de lo que fue el cine como parte de nuestras vidas. En esta película cuenta con la colaboración de su hijo Andrea y su música suena tan perfecta como la de su padre, una relación tan simbólica para la película, porque los personajes Alfredo y Totó mantiene esa relación tan perfecta cuando están en la salita de proyección y también en esa tan difícil vida que les tocó vivir Si hay que recordar a Morricone con alguna de sus bandas sonoras, eligo la de esta película y en especial la secuencia final, donde el niño ya convertido en un director de cine, recibe un regalo que dejó Alfredo para él, la secuencia de todo lo que el cura censor había cortado en las películas de los tiempos pasados.
2. Malena (2000)
Esta película fue otra de las genialidade de Giuseppe Tornatore, ambientada en un pueblo siciliano en 1940, tiempos de guerra mundial y de las tropelías de "El Duce", una película que no descuida la visión crítica de esos tiempos, pero cargada de fino sentimentalismo, en que destacan la belleza de Mónica Bellucci, la extraordinaria fotografía y la hermosa música de Morricone. Una música sin convenciones sinfónicas, es mediterránea,es sencilla como el pueblo donde transcurre la acción, es parte de los personajes, es la que "habla" cuando los diálogos son escasos, es una música en la que fluye los sentimientos, las dudas, los miedos, la obsesión de los personajes. Una banda sonora, que no alcanza la belleza lograda en Cinema Paradiso, pero vean el siguiente clip a manera de collage casi una sinopsis completa del film, solo con la música de Morricone de fondo, que más allá de la expresividad de los actores, no se necesita sus diálogos, la música es la expresión de todos los sentimientos de los protagonistas. Por este trabajo fue nominado al Oscar.
3. The hateful eight (2015)
No será la más recordada bandas sonoras del maestro Ennio Morricone, ni tampoco será la más recordada de las películas del genial Quentin Tarantino, que dirigió este film, pero fue fue con la cual le conceden el Oscar en 2016. Ya había sido nominado hasta en cinco oportunidades, una de esas cosas extrañas en el mundo de Hollywood. Sería en 2007 en que se le concede un Oscar honorífico, ese que se otorga a aquellos que a pesar de sus genialidades creadas a lo largo de sus extensas carreras no recibieron el codiciado galardón. Por este trabajo también le concedieron el Globo de Oro ese mismo año. No podemos olvidar que los films y por supuesto las música de Morricone en aquellos, influenciaron grandemente en la formación cinematográfica de Tarantino y lo inspiraron posteriormente a realizar varias de sus genialidades. de hecho la música de Morricone, estaba ya presente en muchas de sus películas. Para Django Unchained ocurrió una primera colaboración con la canción Ancora Qui, que pasa desapercibida en la película, Tras muchos intentos Tarantino consiguió que componga los temas en base al guión.El opening de la película con los créditos y el tema L'ultima diligenza di Red Rock, hacen memorables el inicio del film.
4. The Mission (1986).
La película dirigida por Roland Joffé, será recordada por la genial partitura de Morricone, con la cual ganó el Globo de Oro y que fue nominado al Oscar, pero a pesar del marcado favoritismo, por esa cosas extrañas en Hollywood, nuevamente no se la otorgaron. El oboe de Gabriel (Gabriel, uno de los misioneros interpretado por Jeremy Irons) es una de sus piezas maestras, que está en el territorio de la eternidad.
5. Por un puñado de dólares (1964).
El spaghetti western, se convertiría en una importante y singular capítulo en la historia del cine, se le consideró todo un subgénero fílmico, las piedras angulares de esta tendencia serían: la famosa "Trilogía del dólar" (Por un puñado de dólares, Por unos dólares más y El bueno, el malo y el feo); Sergio Leone; Clint Eastwood y Ennio Morricone con la banda sonora creadas para cada uno de estas películas.
Silbidos, campanas, guitarras y trompetas ponen la atmósfera hispano-mexicanas que requería el western. Cada una de las creaciones de Morricone y en especial los fragmentos de silbidos son el sello indiscutible del género, una música que está tan presente en el imaginario popular que ha persistido por ya más de 50 años, como su tarjeta de presentación, podrá haberse perdido en la memoria las tramas de estas películas, pero jamás de que son los temas de Morricone con solo escuchar algún fragmento.
6. El bueno, el malo y el feo (1966).
La fórmula musical utilizada en un Puñado de dólares es repetida en las escenas de esta película, pero los resultados son más impresionantes.7. Novecento (1976).
Morricone pone la música en esta extensa epopeya dirigida por Bernardo Bertolucci, que narra la historia de Italia desde principio de siglo hasta la derrota del fascismo teniendo como hilo conductor a la amistad fraterna y encontrada del hijo de patrón de una hacienda y el hijo del campesino, nacidos el mismo día, papeles interpretados por los jóvenes Robert de Niro y Gérard Depardieu. Una película de culto, histórica y de deslindes ideológicos.
8. Sacco y Vanzetti (1971).
Giuliano Montaldo dirige esta película que encaja en el llamado "cine político", reivindica la historia real de Nicola Sacco (Riccardo Cucciola) y a Bartolomeo Vanzetti (Gian María Volonté), dos inmigrantes italianos, que fueron condenados a la silla eléctrica por un tribunal de Massachusetts, acusados de robo y asesinato que no cometieron, fueron considerados sospechosos y culpables por represalia ya que eran obreros activistas del movimiento anarquista. A pesar de las movilizaciones masivas y los reclamos de multitud de personalidades en el mundo, la ejecución se llevó a cabo en 1927. Tiempo después de estrenada la película el proceso fue considerado un caso no resuelto. La banda sonora del film es una temprana obra maestra de Morricone. La música le da el carácter reivindicativo, las movilizaciones populares requieren una marcha y para eso compuso un himno Here's to you (Nicola and Bart), canción con letra de Joan Baez e interpreta por ella, nada menos que una de las figuras más representativas de la canción protesta por aquellos años en que se estrenó. También una de las preciosas canciones de la banda sonora es The Ballad of Sacco and Vanzetti.
9. Once upon a time in America (1984).
La última de la trilogía de películas en América de Sergio Leone, fue la también su última película. La banda sonora del maestro Morricones está compuesta de una serie de temas fascinantes, por lo cual le correspondía un Oscar sin discusión, no obstante no fue nominado por un absurdo tecnicismo. La adaptación de Amapola es magistral.
10. Days of Heaven (1978).
Por la Banda sonora de la película dirigida por Terrence Malick un ícono del cine independiente, Ennio Morricone fue nominada por primera vez al Oscar de la categoría.
La historia de uan madre cuyo hijo fue abatido a tiros
La multipremiada cantautora neoyorquina, Alicia Keys lanzó el pasado 19 de junio un nuevo corte de su próximo disco, que será lanzada en el otoño del hemisferio norte y que tendrá como nombre Alicia, este será su séptimo álbum de estudio. Con este lanzamiento, ya son cinco, los cortes entregados del esperado disco, que tuvo que retrasar lanzamiento y suspender gira de promoción, por motivos de la pandemia del COVID-19.
Su nueva canción se llama Perfect way to die (La forma perfecta de morir), en ella aborda uno de los temas más preocupantes en las últimas semanas en los Estados Unidos, como es la violencia policial y la lucha contra la discriminación racial,
"Me he sentido llamada por la música como nunca antes, he seguido ese llamado y me ha llevado a la canción A perfect way to die", comentó en su cuenta de Instagram.
"El título de la canción es tan poderoso y desgarrador porque NOSOTROS estamos destrozados por tantos que han muerto injustamente" agregó.
Inicialmente escribió la letra de la canción por las muertes de Michael Brown y Sandra Bland, dos afroamericanos que perdieron la vida a manos de la policía, hace algún tiempo atrás.
"Por supuesto NO hay una forma perfecta de morir. Esa frase ni siquiera tiene sentido. Al igual que no tiene sentido,que haya tantas vidas inocentes que no deberían de habernos quitado, por la cultura destructiva de la violencia policial", continuó escribiendo Alicia.
"A veces no tengo las palabras y la música es lo único que puede hablar. Espero que esto te hable. Espero que algún día esta canción no sea tan relevante", agregó muy conmovida la cantautora, para terminar con una arenga. "NUNCA dejemos de luchar por la justicia".
Alicia Keys mas piano constituyen una fórmula inobjetable de calidad, sus performances de piano y canto son para el delite. Su formación en la música clásica, ha contribuído a esa fórmula de éxito.
No hay una fecha exacta aun para el lanzamiento del álbum Alicia, pero ya, desde su nombre promete ser intimista y personal para Alicia Keys super star del R and B contemporáneo y el neo soul, que en los cortes ya liberados ha dejado entrever mucha alma y convicción.
Verse
Simple walk to the corner store
Mama never thought she would be
Getting a call from the coroner
Said her sons been gunned down
Been gunned down
Can you come now
Tears in her eyes
Can you calm down
Please ma’am can you calm down
B Section
It rained fire in the city
That day
They say
A river of blood in the streets
No love in the streets
Then came silence in the city
That day
They say
Just another one gone
And they tell her move on
Chorus
She stuck there singing
Baby don’t you close your eyes
Because this could be our final time
And you know I’m horrible at saying goodbye
And I think of all you could have done
At least you’ll stay forever young
I guess you picked the perfect way to die
Ohh
I guess you picked the perfect way to die
Verse #2
New job
New city
New her
Bright eyed
As you would have been proud
If you knew her
Flashing lights in the mirror
Pull over
Pull over
A couple nights in detention
And it’s over
A whole life’s over
B Section
They came marching in the city
That day
They say
Carrying signs in the street
Crying eyes in the streets
But they heard nothing from the city
That day
They say
Just another one gone
And the city moved on
En la reciente ceremonia de premios de la cadena BET, que se transmitió el pasado 29 de junio. Alicia Keys hizo una primera ejecución en directo de su última canción publicada, Perfect way to die. Fue una presentación hermosa e impactante, Mientras Alicia tocaba piano en una calle desierta, se mostraban proyecciones en los edificios de fotos murales de Breonna Taylor, Sandra Bland y George Floyd, el final de la canción fue épico, Alicia dejó el piano y se arrodilló en la calle mientras en el piso se podían leer los nombres de hombres y mujeres afroamericanas que perdieron la vida por la violencia racial.
Etiquetas: [Lanzamientos] [Miguel Ríos] [The black Betty Trío]
Fecha Publicación: 2020-06-29T17:23:00.001-05:00
Fecha Publicación: 2020-06-29T17:23:00.001-05:00
Nueva canción después de 12 años
El blues de la tercera edad (Letra)
Letra: Miguel Ríos.
Música: José Nortes.
Miguel Ríos, The Black Betty Trío. EL Blues de la tercera edad
Producido por José Nortes
Grabado en Black Betty Studios
Mastering: Denis Blackham
Miguel Ríos: voz
José Nortes: guitarra y coros
Edu Ortega: violines y mandolina
Luis Prado: piano
Txetxu Altube: coros
Vídeo dirigido y realizado por AfterliVe
http://vevo.ly/YuR2Ww
Descargas en
https://links.altafonte.com/elbluesdelaterceraedad
Miguel Ríos, una de las piedras fundamentales del rock español, ha regresado a los estudios de grabación y ha publicado un corte de lo que será un próximo disco, acompañado de un vídeo donde a pesar de sus 76 años recién cumplidos, se muestra totalmente vigente y con mucha energía. Es su primera creación en 12 años.
En el 2010, Ríos había anunciado su retiro, mediante gira, disco y libro: Bye, Bye Ríos, parecía ser el final de tan icónica carrera. Pero esa pasión por los escenarios que lo había sentido desde los años 1960, lo llevó a regresar aunque fugazmente a ellos, entre actuaciones a beneficio y colaboraciones. En el 2018, subió a los escenarios nuevamente y en una gira en clave sinfónica y entregando Symphonic Ríos, un disco + DVD, grabado en un concierto en Granada, su ciudad natal,nuevamente parecía casi un lógico final, pues su fama empezó a rodar por el mundo con su famoso Himno a la alegría, la oda sinfónica del genial Beethoven que publicó como sencillo en 1969.
Pero para Río, el retiro no llega todavía, lo muestra su reciente publicación, tan cargada de vida y pasión, donde rinde tributo a todas las personas de su generación, nacidos a mitad del siglo veinte, Ana es el personaje en su canción, ella representa esa generación, que son los que ahora, tienen que vivir austeramente, hasta donde alcance sus pensiones que son solamente asistenciales. La generación de Ríos nació tras la guerra civil y vivieron los largos años del oscurantismo franquista. marcada por la falta de libertades, pero también por el prejuicio y un "tradicionalismo" familiar opresivo. y Ríos canta que Ana " luchó contracorriente, contra el padre y la tradición", " se curtió en las barricadas, se alistó en la insurrección, es feminista declarada". Es una generación que las pasó duras, tuvo que pelear por la democracia, la justicia y la equidad, fueron tiempos de barricadas y feminismo, pero es una generación que a pesar del tiempo. no ha perdido la pasión.
La rutinaria soledad de las personas de la tercera edad, se convirtieron en estas semanas, en días extremadamente angustiosos causados por la pandemia y la cuarentena, pero la canción de Ríos llega como la vacuna esperada, pero para proteger como una coraza contra la soledad, que hay muchos sueños para soñar, que no hay que rendirse porque la tristeza no pasará,
El blues de la tercera edad (Letra)
Letra: Miguel Ríos.
Música: José Nortes.
Ana se asoma a la ventana
con una taza de café
es su rutina cotidiana
le gusta ver amanecer
lleva una vida algo espartana
su pensión es asistencial
pero se siente afortunada
de compartir con los demás.
Nació a mitad del siglo veinte
es parte de mi generación
la que luchó contracorriente
contra el padre y la tradición
se curtió en las barricadas
se alistó en la insurrección
es feminista declarada
y partidaria de la pasión
pero en su corazón
suena el blues de la tercera edad
un sutil aguijón
de nostalgia llamada soledad
En el cristal de su reflejoEn los medios:
su belleza es la dignidad
repite el mantra de un consejo
Ana no te rindas jamás
y le da gracias a la vida,
la tristeza no pasará
hasta el final de la partida
le quedan sueños por soñar
cuando en su corazón
suena el blues de la tercera edad
un sutil aguijón de nostalgia
buscará en su canción
un conjuro para convocar
el mes de abril,
un talismán,
una coraza
contra la soledad
de la tercera edad
contra la soledad
de la tercera edad
EL PAÍSArtículo original en: https://elpais.com/cultura/2020-06-25/video-miguel-rios-vuelve-despues-de-12-anos-sin-temas-nuevos-con-un-emocional-blues-contra-la-soledad.html
Madrid - 25 JUN 2020 - 17:30 PET
Hace solo unos días (el 7 de junio), Miguel Ríos cumplió 76 años. Lejos de pensar en la retirada, la leyenda del rock español edita una canción que es el adelanto de un nuevo disco que se publicara a la vuelta del verano. El tema se llama El blues de la tercera edad y es un homenaje a la gente de su generación, esa que nació después de una cruenta guerra civil, vivió la oscuridad del franquismo, disfrutó de la libertad de la democracia, vivió la decepción política, se adaptó a la revolución tecnológica y, cuando creía que su capacidad de sorpresa estaba agotada, está viviendo una pandemia invisible y misteriosa. Ríos no grababa temas nuevos desde 2008.
Acompañado de un trío de grandes músicos (José Nortes a la guitarra, Edu Ortega al violín y Luis Prado al piano: The Black Betty Trio), Miguel Ríos canta: “Nació a mitad del siglo XX, es parte de mi generación./ La que luchó contracorriente, contra el padre y la tradición”. La letra, escrita por Ríos, cuenta la historia de Ana, una mujer mayor, que “se curtió en las barricadas, feminista declarada y partidaria de la pasión”, que vive de una pensión asistencial y ve amanecer desde su ventana con una taza de café.
Una historia sobre la dignidad de las personas mayores, “contra la soledad de la tercera edad”, un blues pasional con una gran demostración vocal de Miguel Ríos. Dicen que para interpretar blues, cuando más curtido, mejor. Miguel Ríos lo demuestra.
Miguel Ríos, The Black Betty Trío. EL Blues de la tercera edad
Producido por José Nortes
Grabado en Black Betty Studios
Mastering: Denis Blackham
Miguel Ríos: voz
José Nortes: guitarra y coros
Edu Ortega: violines y mandolina
Luis Prado: piano
Txetxu Altube: coros
Vídeo dirigido y realizado por AfterliVe
http://vevo.ly/YuR2Ww
Descargas en
https://links.altafonte.com/elbluesdelaterceraedad
Memorias
Era 1968, cuando conocimos por esta parte del mundo a Miguel Ríos, su single El Río, sonó intensamente en las radios locales, poco tiempo después con el Himno a la alegría (Hispavox, 1970), su fama alcanzaría dimensiones espectaculares.
El Blues de la soledad o El blues del autobús, son otros "blues" muy recordados de Miguel Ríos.
Aquí el último mencionado, una composición colaborativa de Ríos publicada en el álbum en directo Rock and Ríos. (Polydor, 1982).
Etiquetas: [Cuba] [Lanzamientos] [Silvio Rodrìguez]
Fecha Publicación: 2020-06-23T17:35:00.003-05:00
Fecha Publicación: 2020-06-23T17:35:00.003-05:00
El trovador está de vuelta.
La adivinanza. (Diciembre, 2014)
Noche sin fin y mar (Julio, 2016),
Viene la cosa. (17 de noviembre de 2016)
Danzón para la espera. (Julio de 2015).
"Este es un clip que hizo mi hija Malva con un teléfono, en plena cuarentena. Iba a ser un recuerdo familiar, pero me gustó tanto que decidí compartirlo con ustedes.
Silvio"
Si Lucifer volviera al paraíso. (Febrero , 2013).
Aunque no quiero, veo que me alejo. /(Abril, 2014),
Modo Frigio (Tema soñado). (Marzo, 2018).
Nota de Silvio Rodríguez para el anuncio del disco y los respectivos cortes (8 de mayo).
“Para la espera” incluye algunas de las canciones que he compuesto en los últimos años. En todos los casos son primeras versiones, realizadas poco tiempo después de haberlas compuesto. Los instrumentos y voces que aquí se escuchan soy yo mismo, tomando apuntes para desarrollar después. Sólo tres de estos temas fueron divulgados anteriormente: “Jugábamos a Dios” (2010) para los créditos del filme “Afinidades” –dirigido por Jorge Perugorría y Vladimir Cruz–, “Viene la cosa” (2016), interpretada en múltiples conciertos en barrios de La Habana y “Noche sin fin y mar” (2017), dedicado a mi querido amigo Eduardo Aute. Los 10 temas restantes son inéditos.
Dedico este trabajo a la memoria de varios amigos, excelentes creadores que el mundo ha perdido en el último mes. Los pongo en el orden que partieron:
Tupac Pinilla Núñez: sicólogo, cineasta y editor…….[28.08.72 – 18.03.20]
Juan Padrón Blanco: historietista y cineasta ……….. [29.01.47 – 24.03.20]
Luis Eduardo Aute: pintor, cantautor y cineasta …..[13.09.43 – 04.04.20]
César López: poeta, escritor, ensayista ................[25.12.33 - 07.04.20]
Luis Sepúlveda: escritor, periodista y cineasta ……. [04.10.49 – 16.04.20]
Marcos Mundstock: locutor, escritor y humorista … [25.05.42 – 22.04.20]
Óscar Chávez: cantante, actor, compositor ……….. [20.03.35 – 30.04.20]
Gracias infinitas a todos.
Silvio Rodríguez Domínguez,
1º de mayo de 2020,
La Habana, Cuba.
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Ficha técnica
“Para la espera” fue grabado, mezclado y masterizado en los estudios Ojalá, en La Habana, Cuba, entre 2010 y 2020. Todas las canciones fueron compuestas e interpretadas por Silvio Rodríguez.
Grabación y mezclas: Olimpia Calderón Arias
Masterización: Merlin Lorenzo Rodríguez.
Responsable de Estudios Ojalá: Juan Mario Chávez.
Auxiliar: Orlando Valdés.
Secretaria: Mirtha Almeida.
Foto: Daniel Mordzinski.
Guitarras, voces, bajo, percusión y diseño de portada: Silvio Rodríguez.
Gracias especiales a Jerzy Belc, por su asesoría en ambientes
y al luthier granadino Paco Marín por la guitarra que se escucha.
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Fuentes consultadas:http://www.zurrondelaprendiz.cult.cu/
El pasado 12 de junio, SIlvio Rodríguez, hizo público su último disco titulado Para la espera, es su decimonoveno álbum y está disponible solamente en las plataformas digitales, una novedad para "que la gente aquí en Cuba lo tenga, que lo copien, que lo graben. Quiero regalarles este disco a los cubanos", explica el cantautor. En el disco se han reunido varias de sus composiciones realizadas en los últimos años, todas primeras versiones que las realizaba a poco de haberlas compuesto. "Yo no me propuse hacerlo, son canciones que han nacido tomando nota en el estudio, como ensayos que yo hago, y estos eran los temas que tenía grabados y más terminados como concepto”. Silvio, es el único protagonista en este disco, pues él. es la voz, la guitarra, la segunda voz, el bajo, la percusión, y hasta el silbido, todo en el formato de maquetas grabadas, mezcladas y producidas en su estudio "Ojalá" de La Habana. Tres de los trece temas que componen el álbum, ya habían sido presentadas en público, como Jugábamos a Dios (2010), Viene la cosa (2016) y Noche sin fin y mar (2017). Previo al lanzamiento del disco, se fueron entregando sucesivamente, cuatro cortes, con un calendario que empezó el 15 de mayo cuando se publicó La adivinanza.
Pasaron cinco años para tenerlo con un nuevo trabajo, en el que vuelve a ser el trovador, tal como lo tengo en mi memoria hace muchos años, una imágen cl´sicas de trovador y guitarra. Sus dos últimas producciones en la pasada década Amoríos (2015) y Segunda Cita (2010), fueron producciones musicales com acompañamientos instrumentales. Como trovador me viene al recuerdo inevitablemente del Silvio de sus discos que lo convirtieron en la figura legendaria y mítica de la Nueva Trova, su primigenio y convertido en ícono, el buque insignia Playa Girón, y sus piezas maestras como Al final de este viaje o Mujeres, (1978) dos álbumes, donde el trovador dejó huella para siempre.
Pasaron cinco años para tenerlo con un nuevo trabajo, en el que vuelve a ser el trovador, tal como lo tengo en mi memoria hace muchos años, una imágen cl´sicas de trovador y guitarra. Sus dos últimas producciones en la pasada década Amoríos (2015) y Segunda Cita (2010), fueron producciones musicales com acompañamientos instrumentales. Como trovador me viene al recuerdo inevitablemente del Silvio de sus discos que lo convirtieron en la figura legendaria y mítica de la Nueva Trova, su primigenio y convertido en ícono, el buque insignia Playa Girón, y sus piezas maestras como Al final de este viaje o Mujeres, (1978) dos álbumes, donde el trovador dejó huella para siempre.
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| Imagen captura: clip "Danzón para la espera" |
Silvio, mantiene prendidos esos faros que particularmente me encandilaron ya hace tantos años, son más de 40, de esas grandes composiciones que mantienen la misma vitalidad a pesar del tiempo y Silvio a sus 73 años nos está recordando su creatividad imperecedera y en esta oportunidad que son momentos tan difíciles para toda la humanidad, nos trae un antídoto eficaz contra el aislamiento y la desesperanza, un disco íntimo y sencillito, pero cargados de mensajes. todas las canciones tienen "sentimientos afines", pero "son muy distintas entre sí", tiene canciones introspectivas, "suavecitas aunque nunca me gustaron las canciones bonitas" según palabras del mismo Silvio.
Hay más de una canción que están destinadas a superar el tiempo, y abajo verán mis temas favoritos de este disco, entre las que destaco,, Aunque no quiero, veo que me alejo, Noche sin fin ni mar, Modo Frigio y otras canciones "suavecitas".
Silvio Rodríguez, trovador inagotable, ya viene preparando otro disco " más grande, más complejo”, pero tuvo que hacer una pausa, dadas las circunstancias. "Y tengo otro disco por ahí que se llama Pendientes, y otro que es todo lo que grabé con Diákara hace treinta años y todavía no ha salido. De cierta forma son otros Descartes, "la diferencia con Para la espera es que los descartes van a salir primero que el disco de donde serían descartados”. O sea que este disco es solo para la espera y no por eso deja de ser grandioso.
Recordemos: Silvio publicó en el 2010 Segunda cita /EGREM/ Ojalá), un álbum en homenaje a los 50 años de la Revolución Cubana (2009), el nombre se debe a que un anterior disco se tituló Cita con ángeles (EGREM/ Ojalá, 2003), inspirados por el desencadenamiento de la guerra en Irak y que dedicó a su hija Malva y su nieto Diego, nacidos por esos tiempos (A ellos también dedicó una canción en su reciente producción con el título: Los aliviadores Ya el 2012, SIlvio Rodríguez anunció que estaba trabajando en un disco con canciones no publicadas y grabadas con el grupo Diákara y otro que hizo con Afrocuba, que como estamos viendo siguen en, pendientes.
El primer sencillo que se adelantó del disco, fue lanzado en los días más duros de la cuarentena "Adivina en que mano yo traigo el amor,... y te doy un boleto de sol", escuchar esos versos, fueron gotas de agua bendita para esos días de desasosiego además de fascinante expectativa por el disco que se anunciaba.
Noche sin fin y mar (Julio, 2016),
Esta canción está dedicada a Luis Eduardo Aute porque su amigo, cantautor español fallecido hace algunas semanas tiene una historia propia con la canción. Recordemos que el recordado Aute, tuvo un infarto cerebral en 2016, que lo mantuvo en coma largo tiempo, uno de los tratamiento para su rehabilitación la hizo en Cuba, y como amigo que era Silvio del cantautor español, estaba pendiente de su salud, de manera que cuenta Silvio: "Yo estaba tocando su guitarra porque Miguel, su hijo, la llevaba al hospital para tocarle mientras estuvo en coma. Cuando llegué con el Dr. Calixto Machado, neurólogo cubano que fue decisivo en su recuperación, me puse a cantarle Noche sin fin y mar, y en ese momento despertó”.
"Noche sin fin, sin fin,
sin fin y mar.
Para soñar, soñar la estrella.
¿Quién estuviera allí viéndote reposar?
saber tu sueño y cantarlo.
Noche sin fin, sin fin y mar."
Viene la cosa. (17 de noviembre de 2016)
"Viene la cosa y la mentira no es quien la detiene",
Viene la cosa por mas que sea injusta y ofenda"
Viene la cosa a exhibir desparpajo total
Viene la cosa invocando lo que le convenga
...
Viene la cosa que solo la sinceridad destroza".
Esta canción, cantada por Silvio en numerosas oportunidades, en estos tiempos de falsa noticias que lo confunden todo, tiene mucho sentido. Siempre nos amenazan los rumores que invocan a nuestros propios miedos , de que algo va a pasar, que va a venir, si cuestionamos las "perfectas reglas" de como funciona la economía y nuestras sociedades, y a veces llega con "desparpajo total" y llega a golpes.
"-- ¿Qué es “la cosa”?
- Es algo que está ahí, pendiendo. Yo no quisiera que llegara. Ojalá nunca llegue; pero por momentos parece que viniera. “La cosa” que reescribe el pasado. " "¿La cosa' te va a querer convencer acerca de dónde viniste, y a lo mejor no fue de ahí sino de otro lado. El problema es ese: que te pongan un pasado que no era el tuyo, que no es el que te tocaba sino el que te va a querer poner "la cosa"". Es lo que explica Silvio Rodríguez.
Danzón para la espera. (Julio de 2015).
"Es una de esas canciones, que uno empieza a hacer, pero se demora en ella, y luego por lo que la empezó ya pierde sentido", es lo que cuenta el trovador, y luego explica: "Empecé a hacerla cuando los Cinco (Los 5 de la inteligencia cubana encarcelados en Miami, caso Red Avispa), todavía estaban presos. Yo quería hacer una canción sobre eso; pero a veces a esos temas tan obviamente políticos es difícil acercarse de una manera que no sea... vulgar. Pero siempre le quedó esa aureola de esperanza; así que la retomé ahora con lo que estamos viviendo y el hecho de que todo el mundo esté esperando y esperando.".
"Este es un clip que hizo mi hija Malva con un teléfono, en plena cuarentena. Iba a ser un recuerdo familiar, pero me gustó tanto que decidí compartirlo con ustedes.
Silvio"
Si Lucifer volviera al paraíso. (Febrero , 2013).
"-Descubrir que el símbolo del mal, Lucifer (portador de la luz), fue primero uno de los arcángeles de Dios; esto, y el hecho de que después adoptara el nombre de Satán (oponente o adversario), me hizo pensar que este tema crucial de la cultura cristiana –que en diversos sentidos heredamos– viene de una diferencia de opiniones, de un hijo que se rebela a los preceptos paternos, de un hecho generacional. Ese es un tema. Que no se detiene ahí, porque continúa con la posibilidad de que el supuesto diablo de tiempos gloriosos ya no sea tal sino más bien “un pobre diablo” del que algunos hacen mofa. Pasa en la vida en muy diferentes direcciones, sobre todo a quienes tienen la costumbre de alardear (de lo que sea)." Es la respuesta de Silvio, ante la pregunta ¿Por qué le fascina el tema Lucifer, en un entrevista publicada en su blog "Segunda CIta".
Aunque no quiero, veo que me alejo. /(Abril, 2014),
Modo Frigio (Tema soñado). (Marzo, 2018).
Una vez una vez(Dedicado a Alberto Cortez).
una vez conocí
una flor una flor
una flor carmesí
y pensé y pensé
y pensé ¿cuál será
su absoluta, profunda
y rotunda verdad?
Una vez una vez que te vi
fui prendado prendado de ti
y nació y nació la virtud
del amor del amor
como buena salud.
Sin embargo, otra vez
otra vez un dolor
fue mayor fue mayor
fue mayor que el amor.
Y pensé y pensé
y pensé ¿cuál será
su absoluta, profunda
y rotunda verdad?
Una vez una vez pareció
que lo adverso era el uno, no el dos.
Una vez que la pena te da
hasta la flor más bella
parece quizás.
Tic y tac, tic y tac
tic y tac del reloj
hombrecito latiendo
al compás de su dios.
Tic y tac, tic y tac
de la flor y el jardín
tic y tac de una historia
que no tiene fin.
Dando abrazos y besos me voy
regresando a la cuna de hoy
preguntándome aún cuál será
la absoluta, profunda
y rotunda verdad.
Una vez una vez
o quizá fueron dos
las verdades las rosas
las fiebres en pos.
Una vez y otra vez
una vez y otra vez
y si sigo… seguro
serán más de diez.
Nota de Silvio Rodríguez para el anuncio del disco y los respectivos cortes (8 de mayo).
“Para la espera” incluye algunas de las canciones que he compuesto en los últimos años. En todos los casos son primeras versiones, realizadas poco tiempo después de haberlas compuesto. Los instrumentos y voces que aquí se escuchan soy yo mismo, tomando apuntes para desarrollar después. Sólo tres de estos temas fueron divulgados anteriormente: “Jugábamos a Dios” (2010) para los créditos del filme “Afinidades” –dirigido por Jorge Perugorría y Vladimir Cruz–, “Viene la cosa” (2016), interpretada en múltiples conciertos en barrios de La Habana y “Noche sin fin y mar” (2017), dedicado a mi querido amigo Eduardo Aute. Los 10 temas restantes son inéditos.
Dedico este trabajo a la memoria de varios amigos, excelentes creadores que el mundo ha perdido en el último mes. Los pongo en el orden que partieron:
Tupac Pinilla Núñez: sicólogo, cineasta y editor…….[28.08.72 – 18.03.20]
Juan Padrón Blanco: historietista y cineasta ……….. [29.01.47 – 24.03.20]
Luis Eduardo Aute: pintor, cantautor y cineasta …..[13.09.43 – 04.04.20]
César López: poeta, escritor, ensayista ................[25.12.33 - 07.04.20]
Luis Sepúlveda: escritor, periodista y cineasta ……. [04.10.49 – 16.04.20]
Marcos Mundstock: locutor, escritor y humorista … [25.05.42 – 22.04.20]
Óscar Chávez: cantante, actor, compositor ……….. [20.03.35 – 30.04.20]
Gracias infinitas a todos.
Silvio Rodríguez Domínguez,
1º de mayo de 2020,
La Habana, Cuba.
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Ficha técnica
“Para la espera” fue grabado, mezclado y masterizado en los estudios Ojalá, en La Habana, Cuba, entre 2010 y 2020. Todas las canciones fueron compuestas e interpretadas por Silvio Rodríguez.
Grabación y mezclas: Olimpia Calderón Arias
Masterización: Merlin Lorenzo Rodríguez.
Responsable de Estudios Ojalá: Juan Mario Chávez.
Auxiliar: Orlando Valdés.
Secretaria: Mirtha Almeida.
Foto: Daniel Mordzinski.
Guitarras, voces, bajo, percusión y diseño de portada: Silvio Rodríguez.
Gracias especiales a Jerzy Belc, por su asesoría en ambientes
y al luthier granadino Paco Marín por la guitarra que se escucha.
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Fuentes consultadas:http://www.zurrondelaprendiz.cult.cu/
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| Imagen: Captura |
Homenaje al líder de Jarabe de Palo
La larga batalla que libró Pau Donés, para vencer el cáncer, finalmente terminó, pasaron varios años, en las que tuvo que anunciar su retiro en más de una oportunidad, pero tan pronto, en que lograba recuperarse, lo teníamos nuevamente en los estudios de grabación o en nuevas giras. No iba a renunciar fácilmente a su pasíon por la música, esa pasión que la sintió de muy niño, y que pudo por fin ponerle en práctica cuando su madre, la única que la apoyó con su pasión, le regaló su primera guitarra cuando tenía 16 años, edad en la que quedaría huérfano pues su madre tuvo la trágica decisión de suicidarse. Los hechos que le ocurrieron a esa edad, marcaron para siempre su vida.
La larga batalla que libró Pau Donés, para vencer el cáncer, finalmente terminó, pasaron varios años, en las que tuvo que anunciar su retiro en más de una oportunidad, pero tan pronto, en que lograba recuperarse, lo teníamos nuevamente en los estudios de grabación o en nuevas giras. No iba a renunciar fácilmente a su pasíon por la música, esa pasión que la sintió de muy niño, y que pudo por fin ponerle en práctica cuando su madre, la única que la apoyó con su pasión, le regaló su primera guitarra cuando tenía 16 años, edad en la que quedaría huérfano pues su madre tuvo la trágica decisión de suicidarse. Los hechos que le ocurrieron a esa edad, marcaron para siempre su vida.
Pero la historia de su fama y la de Jarabe de Palo, la banda que fundó y lideró, empezó en 1996 con La Flaca (Virgin Records,
1996). un sencillo de un álbum del mismo nombre, que explotó en España retumbando en toda Latinoamérica, con un éxito rotundo. Poco tiempo después llegaría Depende (Virgin Record, 1998), disco con el cual se ganaría una fanaticada que no lo dejaría de apoyar nunca, el rock en español noventero se revitalizó con la banda, ese rock con fusiones, con mezclas latina, o rock mestizo como lo llamó Pau, tuvo una conexión tremenda con el público iberoamericano, Algún tiempo después, en 2003 llegaría Bonito, (Warner Music), con el corte en vídeo, que sonaba tan pegajoso, completaba con este disco una trilogía definitiva, quedarían alojados para siempre en la memoria de los que disfrutaron su música..Luego vendrían un periodo de baja intensidad, con varios discos y giras que siempre resultaban exitosas, hasta que de pronto, en 2015, llegaría la terrible enfermedad que le obligó a cancelar la gira que tenía en curso. y anunció su retiro, de ahí en adelante cada vez que se sentía recuperado, desistiría de sus retiros. En el 2017 cumplió sus 50 años, justo en unos de esos oasis de salud, que le permitió celebrarlo con disco, libro y gira. Un libro de memorias, convicciones y reflexiones y un disco donde versiona sus antiguas canciones con un aire de trovador al piano, lo llamó 50 Palos, publicado por su propio sello (Tronco Records). Con el irremediable final ya cercano, Pau, dejó de medicarse para valientemente librar su última batalla musical, un guerrero victorioso, pues entregó su último trabajo antes que la muerte lo sorprendiera. Traga o escupe (Tronco Records), es su último trabajo, precedido por un video, con el viejo estilo mestizo y mucha alegría, un documento de agradecimiento a todos los que lo apoyaron: sus fanáticos, sus colaboradores, ss íntimos. Pau Donés no solo dejó su música, esa que escuchamos tantas veces en nuestras vidas, sino que deja una historia de colaboración, incluida la económica con la comunidad médica que estudiaban la complejidad del tipo de cáncer que lo aquejaba, junto con una campaña para desestigmatizar este mal. Vean el documental que protagonizó: "Jarabe contra el cáncer".
La despedida de Pau Donés en los medios.
El “rock montuno” de Pau Donés
Para ver artículo original seguir el siguiente enlace:La inteligencia natural del músico, más sus conocimientos profesionales de mercadotecnia, le permitieron ampliar su parcela del mestizaje musicalDIEGO A. MANRIQUE09 JUN 2020 - 10:27 PET"En uno de sus (raros) momentos de liviandad, Santiago Auserón sugirió la etiqueta de rock montuno para su propuesta en Juan Perro: la imbricación del rock en la rítmica y la temática cubanas. Esa fue la vía elegida por Pau Donés para presentarse en sociedad, musicalmente hablando. La flaca llegó en buen momento: aparte de sus intrínsecos valores adhesivos, coincidió con el descubrimiento de las maravillas y los enigmas de Cuba, gracias al turismo masivo. Funcionó en los países hispanohablantes y sedujo también al público italiano. Una excepción: el concepto de rock montuno no prendió en Cuba, donde un abismo social separa al rock de las músicas autóctonas; pocas experiencias tan desalentadoras como el concierto de Jarabe de Palo en un semivacío Teatro Karl Marx habanero.La inteligencia natural de Pau más sus conocimientos profesionales de mercadotecnia le permitieron ampliar su parcela del mestizaje musical. Supo elegir sus colaboradores: trabajó con el inglés Jo Dworniak, aquí muy valorado por sus producciones para Radio Futura y Kiko Veneno. Entendió que sus discos necesitaban la variedad vocal que aportarían invitados, extraídos de la farándula nacional o descubiertos en sus giras. Así, se trajo a grabar en España a Vico C, antecesor puertorriqueño del reguetón que entonces (no pregunten) vacilaba entre las drogas duras y el cristianismo fundamentalistaMás fecunda fue la alianza con Lorenzo Jovanotti: Pau adaptó las letras para el lanzamiento en España del genial cantante romano, que desdichadamente apenas contó con el apoyo de la sucursal de Universal Music. Donés no se sorprendió demasiado: aunque tendía a hacer piña con los empleados de su discográfica, sabía que los artistas estaban finalmente a merced de los terremotos empresariales. Vivió la pérdida de autonomía de Virgin Records, la compañía que le lanzó, y desembocó en el multitudinario cajón de sastre de Warner, donde para más inri coincidió con Juan Perro. A partir de 2009, se desenvolvió con sello propio, Tronco Records.Buen calibrador de sus aciertos y sus carencias, Pau enriqueció su paleta sonora y cantó en otros idiomas. Prudente, alternaba sus nuevas canciones con adaptaciones de sus temas clásicos, interpretadas a piano o incluso con orquesta sinfónica. Con su llaneza, era capaz de titular ¿Y ahora qué hacemos? su disco de 2011. La respuesta incluía desde una versión de La quiero a morir, la balada de Francis Cabrel, rockerizada con Alejandro Sanz, al hiriente Hice mal algunas cosas, cantado en compañía de Carlos Tarque y Joaquín Sabina. Así que siguió con la tarea de siempre: buscar el mínimo común denominador, el estribillo perfecto, la historia positiva que ayudara a seguir viviendo. Aunque había fuertes corrientes bajo su afable exterior, reveladas ocasionalmente en entrevistas o en su libro, 50 palos…y sigo soñando."
https://elpais.com/cultura/2020-06-09/el-rock-montuno-de-pau-dones.html
Emotiva despedida
La Flaca (Virgin,Records 1996)
Este es el hito histórico desde donde comienza la fama de Jarabe de Palo y su líder Pau Donés, gracias a la musa inspiradora llamada Alsoris Guzmán, la flaca, una cubana que conoció Pau en 1995 en una discoteca llamada La Tasca en La Habana, ciudad a la que llegaron él y su equipo para rodar el videoclip de El lado oscuro, La historia narrada por el propio Pau en su libro 50 palos... y sigo soñando, cuenta que, impactados por la belleza de la chica, le propusieron que protagonizara el video, cosa que nunca ocurrió, pero que permitió entablar una relación de cercanía y un amor sin correspondencia, que inspiraría la letra de la canción. Una vez creada la canción se pusieron a trabajar con Alsoris como la primera protagonista de un video de La Flaca.
La versión acústica realizada en Cuba
El lado oscuro
Particularmente para mi, es lo mejor del primer álbum de Jarabe de Palo, muy bien logrado y producido, gran trabajo en las armonías y el desempeño de los instrumentos y la voz. Un excelente aporte al rock en español, y lo que se hizo para este género en los últimos años del siglo pasado. Soft rock muy eléctrico, lo suficiente.
Depende (Virgin Records, 1998)
Su segundo golazo, del álbum del mismo nombre, un álbum de buenas y extensas canciones, destacan: Agua, Toca mi canción o Duerme conmigo.
Bonito
Otro pelotazo de Jarabe de Palo, llegaría algún tiempo después. sería en el 2003. Pau Donés reaparecía con un look renovado y diferente, cantando y caminando canta que "todo le parece bonito", full optimismo en una replanteamiento temático y musical, aunque siempre al estilo de rock latino Bonito (Warner Music, 2003), es un álbum de estudio, con varias colaboraciones y canciones llenas de vitalidad, haciendo honor al título del disco.
“Con ‘Bonito’ queremos demostrar que vale la pena vivir en este mundo, que las cosas pueden resolverse con amor y no con bombas como prefieren otros”, aseguraba el cantante, por aquellos días al portal Página del Rock.
Eso que tu me das
Esta canción es el corte en video que trabajó Pau, con Jarabe de Palo para el disco Tragas o escupes (Tronco Records), que lanzó sorpresivamente el pasado 23 de mayo. Una canción y un video totalmente festivo. introducido por alegres notas de un charango en manos de Rocco Papia, más adelante interviene un mariachi violinista, con el cual la despedida y agradecimiento de Pau se extendía hasta latinoamérica desde donde su gran legión de admiradores han lamentado su partida. En ese ambiente de fiesta, en una terraza de Barcelona, incluyó a Sara, su hija de 16 años bailando con él. Sara cargará con la orfandad a temprana edad, como repitiendo el destino que le tocó vivir a su padre. Pau dejó este mensaje de gratitud al presentar su trabajo final:
Estamos acostumbrados a ser escuchados, que no a escuchar. Nos gusta mucho pedir y recibir, mucho más que a dar, y rara es la vez que damos sin esperar nada a cambio.Lo que me ha pasado últimamente es justo lo contrario, he recibido mucho sin pedir ni esperar nada. Cosas buenas, muy buenas: cariño, afecto, respeto, amor, de gente a la que conocía y de gente a la que no. Muchos eran, como dice mi amigo Mikel Erentxun, amigos desconocidos que con sus palabras de aliento me hicieron superar momentos difíciles. Gente supongo que de todo tipo (amigos desconocidos) que quisieron ayudarme y que precisamente por no conocernos, no esperaban nada de mi.Estoy hablando de los amigos, personas que te conozcan o no, y por encima de todo te quieren. Ya lo dicen, quien tiene un amigo tiene un tesoro.¡Y tanto que lo tiene!.A todo mis tesoros, os conozca o no, ¡Muchas gracias!.
Eso que tu me dases la manera que tengo de agradeceros la generosidad que habéis demostrado conmigo,y que siempre ha sido mucho más de la que realmente me he merecido.
Espero os guste
Fuentes consultadas
EuropaFM.com
ElPais.com
Efeeme.com
Elcomercio.com.pe
Roccopapia.com
Etiquetas: [Cuarentena] [Lanzamientos] [Susana Baca]
Fecha Publicación: 2020-06-09T19:59:00.001-05:00
Fecha Publicación: 2020-06-09T19:59:00.001-05:00
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| Foto: Play Music Perú |
Si no fuese por esta pandemia, Susana Baca estaría en algún lugar del mundo maravillando con su voz a un extasiado auditorio probablemente de un idioma diferente al suyo, tan es así que cuando los conciertos empezaban a cancelarse en todas partes, Susana se encontraba en Barcelona desde donde regresó apuradamente justo cuando se decretaba el aislamiento obligatorio, para ir a confinarse en su hogar de Santa Bárbara en San Vicente de Cañete al sur de Lima. Y en plena cuarentena nuestra "Diva peruana de los pies descalzos", "La Dama del World Music ", la galardonada con dos Grammy Latino, la distinguida con la Orden de la Artes y las Letras de la República Francesa, la Premio Nacional de Cultura, la que fue la primera Ministra de Cultura del Perú, a sus 76 años nos sorprende lanzando un disco trabajado en la intimidad de su hogar, donde está cumpliendo rigurosamente su confinamiento, con el cual la sorpresa se convierte en admiración, puesto que su privilegiada y arropadora voz es el único instrumento,para todas las 17 canciones que componen la entrega. "Pensando en todos nosotros quise cantar lo que me sale del corazón, y desde mi casa canté "a capella", no hay músicos, no hay otro sonido más que el de mi esperanza" es lo que nos dice Susana Baca al hacer la presentación de su disco.. .
Ricardo Pereira quien es su compañero de vida, es también el productor de este trabajo, él la impulsó a hurgar en el baúl de sus recuerdos “Me animó a cantar tantas músicas guardadas y así, desnuda de otros instrumentos musicales, pero desnuda también en mi voz, llenarlas de la música natural de mi ser”, nos asegura Susana. Se trata de un disco franco, esperanzador para sacarnos del alma la tristeza y la impotencia producto de esta pandemia peligrosa y fatal. Pocos artistas tendrían la valentía de mostrarse tan solo con su voz eso es muy maravilloso, creo que les gustará y le ayudará a liberarse de las tensiones acumuladas en estos días cada vez que escuchen este concierto a una sola voz, tal como la canción de Tania Libertad otra gran ga¿cantante peruana que ahora radica en México. .
Susana Baca presenta A Capella su nuevo trabajo cantado y producido en casa durante la cuarentena
Yo vengo a ofrecer mi corazón
La estupenda creación de Fito Paez, es la primera pista del nuevo trabajo de Susana Baca, una versión espléndida a capella, libre de sonidos adicionales para apreciar su maravillosa voz y la hermosura de los versos de la canción. Este tema fue muy apreciado y revalorado en estos días de pandemia, fue asumida como una canción de resistencia. La canción original la incluímos en nuestra "Bitácora musical para la cuarentena" que estuvimos publicando durante el confinamiento, donde incluíamos canciones par resistir la cuarentena. (Ver día 44 aquí)
"Muchas gracias Fito Páez por haber compuesto esta canción, será un emblema latinoamericano para luchar contra toda desesperanza... sin tu canción, nos faltaría alma para cantarle a estos tiempos... Yo vengo a ofrecer mi corazón será un himno para nuestro mañana...", es lo que escribió Susana, al presentar el videoclip en Youtube,
Fito Paez felicitó a Susana Baca en su muro de Facebook, por la hermosa interpretación de la canción.
Contigo Perú
Este vals compuesto por Augusto Polo Campos, y que fuera coreado con entusiasmado fervor por la hinchada peruana en los estadios en que la selección de fútbol disputó sus encuentros en la Copa del Mundo 2018 como si fuera un segundo himno, también fue cantado por las personas que salían a la ventanas y balcones a las 8 pm durante los días de la cuarentena.
Susana Baca recordó que sus compatriotas lo cantaban "para alentar en el confinamiento" a los médicos, enfermeras, militares y policías que luchan en primer fila contra la epidemia y representa "esa manera de decirnos: amamos este lugar donde hemos nacido y queremos lo mejor para todos" según declaró a la Agencia EFE,
Canción de Fe
"Necesitamos fe en estos tiempos difíciles, y yo busqué en mi memoria aquellas palabras que nos reafirmen en la confianza de todos... Manuel Acosta Ojeda había escrito hace muchos años "Canción de fe", y vino a mi memoria y la canté y la canto con sus palabras, que necesitamos todos..." son las palabras de Susana en la presentaciín de este viseo.
Además de la satisfacción de escuchar a Susana en el esplendor de su propia voz, es una satisfacción adicional, escuchar esas canciones rescatadas del tiempo, como esta joya de nuestro bardo criollo Manuel Acosta Ojeda, que forma parte del grupo de canciones que escribiera en 1968 en complicidad con Luis Abelardo Nuñez para publicar ese álbum mitológico llamado "Protesta Perú libre, SAYCOPE ", publicado en 1968, etapa de auge y formación del "Nuevo Canto". "Yo creo que algún día se morirá la muerte", nos dice uno de los versos de esta canción, una plegaria de fe y esperanza por un futuro positivo para la humanidad.
En mi "Bitácora Musical de una cuarentena" publiqué nota y la canción interpretada por el propio Acosta Ojeda, seguir el enlace si les interesa.
Día 57 (Para ver nota click aquí)Negra Presuntuosa
"Soy una negra coqueta, quién lo duda, y me gusta. Andrés Soto me la cantaba cuando venía a casa. Cuando lo escuchaba, sabía de su picardía, ahora cuando la canto en cualquier lugar del mundo, me acuerdo de él y esa manera tan suya de cantar... en homenaje a mi amigo Andrés Soto y a lo coqueta que me gusta ser... Negra Presuntuosa...".
Otro gran y maravilloso rescate, una canción de una de las figuras que componen nuestro Patrimonio Cultural, excelente cantautor Andrés Soto, lamentablemente fallecido el 2017, él pertenece a esa generación de músicos que con nuevas armonías y retos asimilaron la cultura afroperuana a nuestra música criolla, justo compartiendo esas vivencia con la extraordinaria Chabuca Granda.
El Lagarto está llorando
Susana esperó este día para publicar el video donde interpreta este poema hecho canción.
"Hoy 5 de junio nació una de las voces poéticas más importantes de nuestra lengua hispana, Federico García Lorca...Él escribió desde lo humano de las cosas simples, él era la voz del pueblo español y la resistencia antifascista..".
"Una mañana de 1980, escuchando la radio, me encontré maravillada con la musicalización de Paco Ibáñez de este poema de García Lorca: El lagarto esta llorando... y me imaginé esos lagartitos verdecitos, que también, en su mundo se enamoran... y me preguntaba, cómo se pregunto el poeta... ¿como será su pena, si pierden sus anillos de esposados? ... y desde ese tiempo la canté"
Idilio muerto
Los poemas de César Vallejo han sido musicalizadas y cantadas varias veces a lo largo de los años, Susana nos recuerda este magistral poema de nuestro bardo universal publicado en el libro Los Heraldos Negros, la música es de Noel Nicola en colaboración con la propia Susana, . Noel Nicola, uno de los grandes de la Nueva Trova cubana, grabó en Lima el álbum Noel Nicola canta a César Vallejo (IEMPSA/ EGREM, 1968), reeditado posteriormente en Cuba, (Unicornio, 2008), en donde musicaliza poemas de Vallejo, una de las pistas fue cantada por nuestra ahora Diva de la World Music
"César Vallejo el mas grande poeta de nuestra tierra de poetas, sufrió lo que han sufrido los emigrantes de los pueblos pequeños cuando vienen a la Capital... sufrió las ausencias y sufrió esa forma de decir sus decires... Ese primer amor nostálgico expresado en Idilio Muerto, a esa andina y dulce Rita que plancha sus tardes por venir...
Vallejo esta en mi corazón, porque lo desafía su palabra y yo lo desafío a él con mi canto..."
Cardo o ceniza
No podía faltar esa canción que tanto ha permitido valorar la calidad excepcional de la voz de Susana, con la que transmite el lamento desgarrador de una canción de amor y muerte que Chabuca Granda compusiera tras la trágica decisión que tomó Violeta Parra
Gracias a la vida (Bonus Track)
No podía faltar esa clásica canción que es casi un himno para todos nosotros los latinoamericanos y que compusiera la cantautora chilena Violeta Parra.
Etiquetas: [Bob Marley] [Esperanza Spalding] [Gil ScottHeron] [James Brown] [John Legend]
Fecha Publicación: 2020-06-03T16:14:00.001-05:00
Fecha Publicación: 2020-06-03T16:14:00.001-05:00
Blakout Tuesday
Terminado el apagón musical de ayer martes 02 de junio de 2020, comparto en esta entrada 5 canciones para dar soporte a la lucha contra la discriminación racial en USA y en general en cualquier lugar del mundo donde estas prácticas aun persisten
Spotify mostraba en su pantalla de inicio playlist de música para soportar al movimiento "Black Live Matter" frase que fue tendencia mundial en Twitter, paralelamente la industria discográfica casi en su totalidad organizó el llamado "Blackout Tuesday" que se materializaba como un apagón musical. En general la tendencia en redes fue utilizada por la cultura, los artistas y el público en general como espacio para la reflexión y el rechazo al racismo, al odio y la exclusión,
La música es parte de la cultura de las sociedades, muestran los diversos rasgos de sus vivencias y como tal también expresa muchas veces los desencantos de las sociedades y también sus batallas, ha estado en las trincheras y en las calles cuando llo justo era vilipendiado en diferentes lugares de nuestro planeta y a lo largo de su historia. Hace más de 50 años que Martin Luther fue asesinado, sin embargo la discriminación persistente desde entonces, ha arrojado chispas una y otra vez sobre una pradera que de todos modos tendría que terminar incendiándose ¿qué esperaban?, Nadie puede justificar la destrucción sin sentido y el saqueo, pero la cantidad de gasolina que se ha esparcido en todos estos años es espantosamente inmensurable, como pueden escandalizarse con la violencia ahora, si eso es lo que se ha propiciado constantemente. Esto no ha terminado
5 canciones para soportar el Black Lives Matter
1. James Brown - Say it Loud I'm Black I'm Proud
Esta canción que fue popularizada por James Brown en 1968, en ritmo funk, fue escrita por el líder de su banda Alfred "Pee Wee" Ellis. Los arreglos tanto para la parte 1 como la parte 2 fueron ellos por Belford "Sinky" Kendricks. Lanzado como sencillo se incorporó al álbum A Soulful Christmas de 1968 y en su álbum de 1969 del mismo título de la canción. Fue considerado como un himno no oficial por el movimiento Black Power. Un coro de niños acompaña a James Brown en la canción que trata sobre la discriminación y el empoderamiento de los afrodescendientes.
2. Esperanza Spalding - Black Gold
Esta formidable artista que trajo aire fresco al jazz, nos interpreta esta canción de 2012, en dueto con Algebra Blessett, una fusión de jazz con los sonidos de la música negra actual, no es una cancipon de resstencia, es una canción que canta a los ancestros del continente originario de donde nace el orgullo negro.
3. Bob Marley - Redemption Song
40 años está cumpliendo esta canción del amo del reggae, el jamaiquino Bob Marley que junto con The Wailers la publicaron en el álbum. Bob tenía audiencia mundial, de manera que su canción iba el empoderameineto de toda la población negra en el mundo y decía "Emancípense de la esclavitud mental, nadie más que nosotros mismos puede liberar nuestras mentes / ¿por cuánto tiempo asesinarán a nuestros profetas? mientras nos hacemos a un lado a observar". Al año siguiente de publicar el álbum, Bob falleció. El video que sigue fue crado precisamente para celebrar los 40 años de la canción y contiene un espectacular trabajo de animación que discurre por la historia de Jamaica y la cultura rastafari.
Gil Scott-Heron considerado el padre del Rap grabó esta canción en 1971 que fue publicada ecomo sencillo, había hecho una versión recitada un año antes y también fue incluído en el recopilatorio de 1974 que llevó el mismo nombre de esta canción. La canción es una crítica al consumismo y la oferta televisiva siempre intrascendente y alejada de la realidad incapaz de mostrar que el negro está en las calles buscando un dia mas brillante, la revolución será en vivo nos decía.
5. John Legend con Common - Glory
Para finalizar gloriosamente este post, esta canción tema de la película Selma (2014), que merecio un Oscar a "Mejor Canción Original", "Un dpia cuando llegue la gloria, será nuestra, Un dia cuando se gane la guerra estaremis seguros.
Para más post del autor visite Blogsperú - EL mundo en una rockola - Música
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