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Cómo pintar un rostro al óleo — fundamentos
Para pintar un retrato al óleo hay que tener siempre presente la ley de graso sombre magro, si las primeras capas son grasientas las de arriba secarán mal, o chorrearán dando un aspecto vitrificado.
Tu dibujo tiene que ser acertado, exacto, porque los errores en las capas se translucen, es decir, si corriges tu dibujo con el mismo color corres el riesgo de se chapucero, viajero en la duda, y si en la nueva capa vuelvas a corregir pecaras de sucio. Si quieres enmendar un error grave primero debes tapar esa sección con un empaste de blanco con barniz dammar (sobre la superficie ya seca que se va a tratar), a eso se le llama parchado, y permite que no salga como un fantasma los colores fallados del fondo.
Se generoso con el color, y así tu pintura al óleo será generosa contigo. El color bien aplicado le da limpieza y luminosidad a tu trabajo. No desesperes por acabar todo de un porrazo, como por arte de magia; con esto quiero referirme a la técnica antigua, porque en la moderna uno puede tener la libertad de acabar un retrato en menos de una hora, en ese caso los colores deben ser aun más pastosos, tener una visión veloz de las consecuencias y nuevas preguntas sobre el lienzo, no tenerle miedo a ser explosivo, pero ese es otro tema y estilo que será tratado en otro momento.
En las carnaciones, de la piel blanca, los colores básicos son el blanco, el ocre amarillo y el rojo de cadmio; el rojo indio, la siena y la sombra tostada se agregan para las sombras. Si la piel es morena se tendrá que añadir más sombra tostada y rojo indio; y si es negra el color de la piel se deberá emplear negro de humo y sombra tostada, para las luces el ocre amarillo quebrado y las sienas ayudarán, de preferencia dale algo más de presencia a los brillos para darle más sentido al volumen del cuerpo oscuro.
Para la raza asiática procura emplear un tanto más de ocre amarillo y blanco, para la raza indo-americana el rojo-indio es muy útil; y en los arios reemplaza el ocre amarillo por el amarillo de cadmio en las carnes luminosas, de esa manera podrás recrear la palidez del caucásico con más luminosidad, el rojo debes moderarlo de acuerdo a la tonalidad de la piel.
Tienes que recordar que aún entre las razas definidas existen grandes variables de tonalidades, por ejemplo, en la raza negra hay pieles que tienden al rojizo, otras al azul (si es realmente negro) o al verde amarronado. En la raza aria hay gente que tiende al pálido mortecino, mientras que otros tienen un rosado encendido, el popular "colorado"... es por todo esto, y otras más que no explayo, que es importante el meditar sobre el tono básico del modelo, jugar con los colores, agregarle un poco más de rojo, tal vez un tanto de ocre, o una porción más generosa de blanco,,, es decir, probar los matices antes de aventurarse sobre la tela.
¿Cómo crea sus cuadros Yerka ? —por Jacek Kowalski.
The Sargass sea bishop —por Yerka
—¿Cómo puedo crear mis cuadros? —se cuestiona Jacek Kowalski, para darnos una respuesta clara y directa, y ese pregunta ha nacido como un resumen ante el misterio de su capacidad creadora, ver su arte es adentrarse a un mundo mágico, expresado con un realismo al estilo de los grandes maestros de la pintura flamenca, y nos dice: —La realización de una pintura no es una cosa fácil. Todo empieza en la cabeza y de la mano izquierda, con un lápiz 2B suave, quedando registrado en el cuaderno de croquis en forma de unos cuantos dibujos de pocas pulgadas.
Si la idea vale la pena que se desarrolle, entonces lo hago con lápices de colores, se añaden nuevos detalles y todo es perfilado en papel de buena calidad, de un formato de 14 x 11,5 cm, con los colores resueltos y completados.
Tal proyecto se presenta al jurado la familia (mi esposa y mi hija de 4), que en la mayoría de los casos es lastimosamente cuestionado y rechazado, acompañado de comentarios amargos y ligeros. Normalmente esta sentencia es seguida por una tensión familiar innecesaria y un portazo.
En la siguiente etapa se madura el proyecto, colocado bajo las facturas viejas y otros diseños. Si en el segundo enfoque, generalmente después de unas semanas, el veredicto se mantiene sin cambios, el proyecto termina su vida en mis archivos, o, eventualmente pueden ser vendidos a los coleccionistas.
Pero en la mayoría de los casos, una de mis niñas, con misericordia sobre mi trabajo, manifiesta su interés rebelde ante el proyecto rechazado anteriormente - en el acto, su estado cambia a la fase de prospecto y sirve como base para pasteles en el tamaño de 60x48 cm.
El pastel es ya una forma que puede ser presentado al mundo, y considerado como pieza terminada y de arte. Para mí, sin embargo, es sólo una forma de proyecto desarrollado, donde la idea se presenta en el régimen general. Por lo tanto, los pasteles sirven como base para hacer las pinturas de acrílico sobre lienzo. Sólo con un pincel y pintura, soy capaz de mostrar todos los pormenores en efectos visuales y de color, dando lugar a la presentación plena y completa del concepto del trabajo, perfecto tanto en la forma como en el contenido.
"Lo mejor que puedo hacer" - ELA IX AN como Jan van Eyck escribió en muchas de sus pinturas.
Jacek Kowalski (Yerka)Como dibujar un retrato al carbón — nociones previas
Las barras de carbón no deben tener nudos duros, y eso con el fin de evitar de que el papel se arañe, los araños le pueden provocar serios disgustos ya que esos surcos hacen que el carbón se adhiere con más intensidad que en las áreas normales del dibujo.
Cuando difumines con los dedos, estos deben estar en extremo limpios, la grasa también hace que el carbón se adhiera de una manera desagradable, una huella digital que no saldrá fácilmente, ni siquiera con el uso del borrador para dibujo, no te recomiendo que uses otro porque los "fuertes" tienen un agregado de piedra poma en polvo, y eso es un abrasivo sobre el papel de dibujo. Es vital de que seas pulcro y cuidadoso con el papel, si los vas a torturara adrede que sea pensado, o con una creatividad explosiva concatenada, y digo concatenada porque la impulsividad sin unidad creadora es como un mono dopado, un disparo incoherente hacia la Luna, un discurso bajo el agua para luego quedar ahogado.
Cuando borres para sacar luces o suavizar sombras, haz lo mismo que con los dedos, trata de mantener limpio el borrador, porque este cuando está sucio también dibuja, y si eres inexperto: "mancha".
La ventaja de usa el borrador de tipo es que puedes darle forma, y hacer trucos para rebajar la intensidad de ciertas sombras. Cuando quieras puedes doblarlo para hallar otras partes vírgenes del borrador, realmente es muy útil este utensilio de corrección.
Trata de ser ordenado en tu trabajo, y de analizar el peso de la sombras; la atmósfera depende mucho de ello, del esfumato y el balance cromático. Tiene que existir una coherencia entre valores, es como modular la voz en un discurso para hacerlo más ameno.
Como dibujar un rostro —La expresión según Leonardo Da Vinci y Marcel Marceau
Estudio para la Batalla de Angliari —por Leonardo Da Vinci.
Viene de : "Cómo dibujar el rostro de un bebé"XIV.- La expresión (por Leonardo Da Vinci)
473.— Las imágenes de los hombres tienen expresiones apropiadas a su acción, de suerte que, viéndolas, alcanzaras lo que ellos piensan y dicen. En cuanto esto estarán acertador aquellos que imiten los movimientos de los mudos que hablan con el movimiento de las manos, ojos y cejas, así como de toda su persona, en su empeño de expresar los conceptos de su alma. Y no te burles de mí porque te propongo un perceptor sin lengua que sepa enseñarte este arte que él no conoce, porque sólo te enseñará con hechos lo que otros harán con palabras. No hay que despreciar este consejo, puesto que los mudos son maestros en materia de movimiento; entienden desde lejos lo que cualquiera habla, cuando éste acompaña sus palabras con el movimiento de sus manos. [Apagar la radio; es donde dice PLAY OR STOP]
Un café en París —por Marcel Marceau
475.— Ejecuta la figura en forma tal que, con solo mostrarla, exprese lo que el personaje tiene en su alma; de otra manera tu arte no será loable.
475.— En pintura las figuras deben ser ejecutadas en forma tal que el que las contempla pueda conocer fácilmente, por sus actitudes, el concepto de su alma. Y si tienes que hacer hablar a un hombre honrado, que sus gestos sean los que acompañan las buenas palabras; y similarmente, si tienes que representar a un hombre bruto, hazlo con movimientos bruscos amenazando con su brazo al auditorio, y la cabeza con el pecho adelantándose a los pies, agitándose al par que las manos de orador: lo mismo que el mudo que, viendo dos que conversan, bien que esté privado del oído, sin otro recurso que los efectos y las actitudes de los interlocutores, comprende el objeto de su conversación.
En Florencia he visto un sordo especial, que no oía si le hablabas fuerte; y que oía si le hablabas lentamente, sin voz alguna, nada más que por el movimiento de los labios.
Se me podría decir: El que habla fuerte mueve los labios de la misma manera que el que habla suavemente, y, por consecuencia, si mueven los labios idénticamente, deben ser entendidos tanto uno como el otro. A esto yo dejo que la experiencia dé la respuesta: haz hablar a cualquiera, primero dulcemente, luego fuerte, y observa los labios.
Marcel Marceau —maestro del silencio.
Marcel Marceau —Le Dompteur (el domador de leones)
476. —Al pasear, al atardecer, aplícate a contemplar el rostro de los hombres y de las mujeres, cuando el tiempo está malo: ¡cuanta gracias y qué dulzura la que se ve en los rostros!
477. —El buen pintor tiene que realizar dos cosas principales, a saber: el hombre y el concepto de su espíritu. Lo primero es fácil, lo segundo difícil, porque debe representarlo con los gestos y el juego de sus miembros; y esto debe aprenderse de los mudos, que lo hacen mejor que cualquier otra clase de hombres.
478. —La figura cuyos movimientos no expresan las pasiones y lo que ella piensa, no tendrá miembros correspondientes a la significación de la figura, y al juzgarla, se sacará la conclusión de que el artista carece de valor.
El movimiento debe ser apropiado a la circunstancia moral de la figura, la que deberá hacerse muy viva, mostrando tanto fervor o afección, de los contrario se la considerará dos veces muerta, porque está pintada, y muerta una segunda vez, porque no expresa nada ni de su alma ni de su cuerpo.
Los movimientos de las actitudes deben manifestar la circunstancia moral del personaje, de manera que ella no pueda significar nada de otro ni servir para otra escena.
479. — Del que ríe al que llora no hay gran variante alguna para la boca y los labios, sino solamente en la rigidez de las cejas, que se juntan en el llano y se levantan para la risa. Aquel que llora puede destroza sus ropas y hacer otros actos semejantes, según el motivo de su aflicción. Se llora de cólera, de aprensión, de ternura, de alegría, de sospecha, de dolor, de compasión, de pesar por la pérdida de parientes a amigos. Las expresiones de dolor, de tristeza, de enfado, son muy diferentes. Así, haz a uno desesperado, al otro más moderado, y al tercero solo afligido y derramando lágrimas, mientras que otro grita, algunos levantan sus miradas al cielo, juntando las manos, con los dedos entrecruzados; y otros llenos de temor encogen los hombros hasta las orejas, así hacen ver la expresión de la misma pasión, según los individuos tratados.
Aquel que derrama lágrimas enarca las cejas hacia su juntura, aproximándolas, y forma arrugas en las sienes y en medio de la parte baja de la boca; pero, el que ríe tiene las comisuras de la boca levantadas y las cejas rectas y bien extendidas.
Estudio para la batalla de Angliari —por Leonardo Da Vinci
480. — La actitud de las figuras en todos sus miembros debe ser tal y tan expresiva, que se puedan conocer las intenciones de su alma.
481. — Se expresa la acción humana según la edad y la calidad, y también según la especie y el sexo.
482. — El pintor debe anotar la actitud y los movimientos que sorprende en el mismo momento; habiéndolas anotado y guardado en su espíritu, no aguardará a que el modelo imite el dolor, cuando no tiene ocasión de llorar.
Una acción sin causa moral no será ni viva ni natural. Es ventajoso haber observado las cosas en lo vivo, y luego hacer mantener al modelo en la posición para ayudar a la imaginación y descubrir cualquier cosa que haya en el sujeto para pintarla inmediatamente.
483. — Los asistentes a cualquier acontecimiento notable hacen diversas figuras expresivas, como cuando la justicia castiga a los criminales, o bien, si el asunto es de piedad, todos los asistentes elevan las miradas, con muestras de devoción, como en la elevación de la hostia en la misa o en otras ceremonias similares, o si se trata de una extravagancia que hace reír o que mueve a compasión. No es necesario que todos los espectadores tengan los ojos vueltos hacia el objeto; pueden variar; es bueno distribuirlos en diversos grupos que se reúnan para señalar su alegría o su tristeza. Si el tema es terrible e inspira terror, hay que hacer pálidos a los que huyen y con el rostro convulsionado por el espanto, y que la huida sea diversamente representada, como lo decimos en el capítulo XIII, que trata del movimiento.
484. — El movimiento mental mueve los cuerpos por medio de acciones simples y fáciles, sin llevarlos a ningún costado, porque su objeto está en el espíritu que no mueve los sentidos cuando está ocupado en si mismo.
485. — El movimiento suscitado por la vista de un objeto se produce inmediatamente o no. Inmediatamente aquel que se mueve vuelve los ojos hacia el objeto, con el sentido que le es más necesario para reconocerlo y observarlo; al mismo tiempo tiene inmóviles los pies y vuelve sólo los muslo, las caderas y las rodillas hacia el lado donde se dirigen sus ojos. En semejantes situaciones, será preciso realizar observaciones exactas sobre los movimientos que aquí se señalan.
486. — La imagen no será loable, si su acto no expresa tanto como sea posible la pasión de su alma.
Prisionero —por Leonardo Da Vinci
487. — Loa aires del rostro varían según los accidentes, fatiga, reposo, cólera, dolor, risa, lágrima, temor. Los miembros de personaje y toda su actitud deben corresponder a su estado personal.
Estudio para "La Última Cena" —por Leonardo Da Vinci
488. — Las manos y los brazos, en toda operación, deben mostrar la intención de personaje, porque también los accidentes espontáneos se manifiestan por los movimientos lógicos de su expresión. Cuando se quiere convencer al auditorio, las manos y los brazos acompañan las palabras. Muchos insensatos no se cuidan de la mímica y se mantienen ante su tribunal como estatuas de madera, y sus bocas no hacen escuchar la voz de un hombre sometido a la justicia; esto, que es un defecto entre los seres vivientes, es peor aún en las figuras pintadas, que no pueden revelarse sino por medio de actos vivaces y realizadores de la intención que tú encarnas en la figura. Ella parecerá dos veces muerta, porque no tiene vida y porque no actúa. Pero, para presentar a nuestro entendimiento aquello que es figurado, es menester exteriorizar los principales accidentes, los movimientos de la cólera, el del dolor, del miedo, del súbito espanto, de la súplica, de la fuga, del hambre, de la pereza, del a zozobra y otras más.
Rostro de viejo —por Leonardo Da Vinci
489. — Hay movimientos del alma que no van acompañados por ningún movimiento del cuerpo. En éstos, las manos y los brazos y las partes más agitables penden naturalmente. Pero, los movimientos del alma, que se acompañan con acciones del cuerpo mantienen los miembros en las actitudes apropiadas a la intención del espíritu y al estado interior. Hay mucho que decir sobre el particular. Un tercer movimiento participa del uno y del otro; y un cuarto, particularísimo, que no tiene nada de ellos. Estos dos últimos son los que ejecutan los locos y los furiosos, hay que ponerlos en el capítulo de la demencia y de los grotescos, de los arabescos se componen.
Grotesco —por Leonardo Da Vinci
490. —Entre las gracias notables con que el pintor puede aumentar el buen aire de sus figuras que no son por naturaleza graciosas y que lo serán por accidente, contempla a su tiempo, las partes excelentes de numerosos rostro bellos a los cuales la opinión pública mejor que tu juicio, mira como tales. Podrás engañarte prefiriendo los rostro que se te parecen, porque siempre nos complacemos en todo lo que tiene algo nuestro, y si tú eres feo, no escogerás bellos tipos, sino aquéllos con trazos feos, como muchos pintores que ejecutan que se les parecen: por eso debes buscar la belleza, como te digo, y llevar a tu espíritu aquella que designa la fama.
Estudio de ángel para "La Virgen de las Rocas" —por Leonardo Da Vinci
491. — Si tienes un patio al que puedas cubrir con una tela extendida, esto te permitirá tener buena luz. Cuando quieras ejecutar un retrato, escoge un tiempo nublado y las últimas horas del día, colocando al modelo con las espaldas apoyadas en el muro del patio. Tú has observado en la calle, al car la tarde, cuando el tiempo está nublado, qué gracia y cuánta dulzura tienen los rostros de los hombres y las mujeres. Tendrás, pues, un patio con los muros pintados de oscuro, con un saledizo de techo sobre el muro, y que sea ancho de diez brazas y largo de veinte, con diez de altura, y lo cubrirás con un velo. A la tarde trabajarás. Las nubes y la lluvia harán el aire deseado.
492. — La belleza con la fealdad se destacan una a la otra.
493. — La belleza del rostro puede existir en diversas personas de la misma bondad, pero no de facciones semejantes, porque estas son de variedad infinita y se adaptan a lo que aparentan.
494. — Aunque la belleza varía con el cuerpo y las gracias iguales, los juicios de las personas iguales en inteligencia varían mucho del uno al otro, a causa de las preferencias de cada cual.
495. — La figura no es loable, si en ella no aparece un rasgo que exprese la pasión de su alma. La figura más encomiable es aquella que mejor expresa por medio de la acción la pasión de su carácter.
Rostro de Cristo —por Leonardo Da Vinci
Un desesperado se golpeará con un cuchillo, la vestimenta desgarrada, y una mano reabrirá su herida, los pies separados, las piernas dobladas, inclinado hacia tierra, con los cabellos arrancados y esparcidos.
Para obtener la elegancia, construye los miembros extendidos, sin muchos músculos.
Que ningún miembro aparezca en linea recta con el miembro que a él se junta, si las caderas se encuentran colocadas la derecha más alta que la izquierda, harás caer la articulación del hombro por una línea perpendicular sobre el costado. Que la pierna que no se apoya tenga la rodilla más baja y más cerca de la otra pierna.
496. — Lo más importante que hay en la teoría de la pintura es el movimiento apropiado a las circunstancias mentales de cada animal, como el deseo, el desdén, al cólera, el dolor.
497. — Hará tu figura, en tal actitud, que sea suficiente para mostrar lo que tu figura tiene en el alma; de lo contrario tu arte no será loable.
498. — Que la actitud del hombre y la de sus miembros estén dispuestas de manera tal que expresen la intención de su alma.
499. —La figura no es loable si en ella no aparece el acto que expresa su pasión. Será tanto más loable cuanto mejor exprese su pasión.
500. — Los movimientos humanos son tan variados como los accidentes que se producen en su espíritu; cada accidente por si mismo, actúa más o menos sobre los hombres, según sea mayor o menor la individualidad y según la edad, porque, en un mismo caso, un joven no realizará el mismo movimiento que un anciano.
Desnudo de hombre con cayado —por Leonardo Da Vinci
501. — La figura que no tiene una acción rápida y cuyos miembros no expresan el concepto del espíritu es dos veces muerta, primero porque la pintura ni vive, aunque debe representar seres vivientes sin vida; y sin la vivacidad de la acción que se persigue, ella aparece muerta una segunda vez. [1]
502. — Si te place estudiar a los que hablan entre sí con los movimientos de las manos, y si te aproximas y escuchas el motivo por el cual gesticulan, verás el detalle de los gestos en los mudos que no saben dibujar y que no se ayudan con el dibujo. De los mudos aprende a ejecutar los movimientos que expresan el concepto del alma de los que platican.
Contempla a los que ríen y a los que lloran; mira a los que se enojan así como a todos los movimientos de sus espíritus; observa el decorado y si conviene como sitio, para la acción que hace el señor y su servidor, el niño con el adolescente, nada igual al anciano que se sostiene mal: no hagas la actitud de un villano, si se trata de un noble bien vestido, ni al fuerte como al débil, ni los rasgos de la cortesana como los de la dama honesta, ni las cosas de los hombres como las de las mujeres.
503. — Hay que estudiar los movimientos de los jugadores de pelota, a mano y a pala cuando lucha juntos.
Para hacer al que ves hablando en medio de muchas personas, hay que considerar la materia de que trata, y acomodar sus acciones con las que a dicha materia convienen, a saber: si se trata de persuadir, que sus ademanes tengan resolución, y si la materia es susceptible de diversas razones, que el que habla tome con dos dedos de la mano derecha uno de la izquierda, habiendo cerrado los dos menores, y vuelto el rostro hacia el pueblo y la boca entreabierta, parezca hablar; y si está sentado, que parezca levantarse un tanto, derecho y hacia adelante con la cabeza; si lo haces de pie, será preciso inclinar un tanto el pecho y la cabeza hacia la multitud. Si lo representas silencioso y reflexivo, todos mirarán al rostro del orador con movimientos admirativos, y hará la boca de un viejo que, admirado de las sentencias escuchadas, tiene su boca con las comisuras hacia abajo y las cejas arqueadas en su unión, y muchas arrugas sobre su frente; algunos, sentados, entrelazados los dedos de sus manos, tendrán sostenidas sus rodillas; otros cruzarán una rodilla sobre la otra y apoyarán la mano para sostener el codo, y la mano será el apoyo de barbudo mentón de un anciano encorvado.
505. — La envidia ataca, con infamia aguda, a saber: ella aleja la virtud, a la cual espanta.
Se la representa mirando al cielo, porque si ella pudiera emplearía sus fuerzas contra el mismo Dios. Hazla con una máscara sobre su rostro de bello aspecto. Hazla herida a la vista de palmas y ramas de olivo, airada ante la contemplación de laureles y mirtos, pues que la victoria y la verdad la ofenden. Haz brotar de ella vapores que significan sus pérfidas palabras. Hazla magra y seca, porqué está en continuas zozobras muestra su cuerpo roído por una serpiente. Dale un carcaj y largas fechas, porque es así como ella ataca. Vístela con la piel de un leopardo, porque este animal, con sus mañas vence al león. En su mano habrá un vaso con flores, y entre ellas escorpiones, sapos y otro animales venenosos. Hazla cabalgar sobre la muerte, porque la envidia no muere jamás, sino que aveces languidece, hazla sorda, cargando diversas armas, instrumentos de muerte. Desde que la virtud nace, despierta contra si la envidia, y así como no hay cuerpo sin sombra no hay virtud sin envidia.
506. — El irritado. — A la figura del irritado la harás aferrando a un hombre por los cabellos, cuyo sombrero ha caído al suelo, con una rodilla oprimiéndole el costado, y la figura levantará el puño del brazo derecho; esta figura tendrá los cabellos erizados, las cejas bajas y pobladas, apretando los dientes y ambas extremidades cerca de la boca arqueada; el cuello grueso e inclinándose hacia el enemigo; que esté llena de arrugas.
507. — El desesperado. — Al desesperado le darás un cuchillo, y con sus manos habrá arrancado su vestimenta, y una de ellas estará afanada en desvendar su herida; y hará sus pies separados y las piernas un poco dobladas, y toda la persona inclinada hacia tierra, con los cabellos arrancados y esparcidos.
508. — Fisonomía — De la falaz fisonomía y de la quiromancia no trataré, porque en ellas no hay verdad; esto es manifiesto; y tales quimeras no tienen ningún fundamento científico.
Es verdad que los rasgos del rostro muestran en parte la naturaleza del hombre, sus vicios y su temperamento. Pero, en el rostro:
a) Las líneas que separan las mejillas de los labios y de la boca y las fosas nasales y las cuencas de los ojos, son salientes en los hombres alegres y siempre sonrientes; aquellos que tienen estos rasgos poco pronunciados, al contrario, son dados a la meditación.
b) Aquellos que tienen las parts del rostro en gran relieve y profundamente son gentes bestiales, violentas y de escaso razonamiento.
c) Los que tienen líneas colocadas entre las cejas y muy acentuadas son irascibles.
d) Los que tienen líneas transversales en la frente y muy pronunciadas, son hombres que se lamentan mucho en secreto y en público.
Se puede decir otro tanto de muchas rasgos.
Pero, ¿de la mano? Encontrarás un ejercito exterminando en una misma hora, bajo la espada, y ninguno tendrá en su mano las mismas líneas que otra, y lo mismo en un naufragio.
509. — Cuando sepas bien la perspectiva y tangas en el espíritu todos los miembros del cuerpo de la cosas, sé observador, y frecuentemente en los lugares donde vayas para distraerte, estudia los actos de los hombres, su manera de hablar, de reír o de batirse, que actitudes adoptan, que gestos hacen, las circunstancias, las disputas y los espectadores; y anota con signos breves todos sus rasgos sobre tu pequeño carnet, que siempre llevarás; que sea de papel tintado, no para borrar, sino para cambiar lo viejo en nuevo; ya que no son cosas para ser borradas sino para ser conservadas con gran diligencia, porque hay tal variedad infinita de formas y actos que la memoria no puede retenerlos, y esos croquis te servirán como autores y maestros.
Estudio para "Santa Ana, la Virgen y el Niño" —por Leonardo Da Vinci
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[1] Punto repetido en el versículo 488. Esta técnica pedagógica que emplea Leonado es para afianzar un concepto importante, en todo su tratado es frecuente ese estilo de enseñanza. No gruñas por releer una misma idea, tómalo como el repaso necesario, sugerido por un genio indiscutible.
—En lineas generales Leonardo le da énfasis al lenguaje corporal, estableciendo una serie de normas y códigos para la interpretación correcta de una acción nacida del espíritu. En esa época la forma era recreada en una superficie lisa, los empastes eran anti-académicos; la belleza radicaba en imitar la naturaleza como si esta se reflejara en un espejo, es por eso, que, el maestro Leonardo en sus consejos compensa esta carencia del lenguaje de las texturas con la dramatización de la expresión corporal y de los gestos.
A su vez debemos recordar que en el renacimiento no existía el cine, existía el teatro y la danza, pero, en la recreación bidimensional la pintura era única reina, soberana de la forma, es por eso que la recreación del movimiento era un tanto teatralizado, sin embargo, cabe resaltar que con esa manera de pintar el hablar era innecesario, la obra de arte se expresaba por si sola. En nuestros tiempo hay muchas pinturas indescifrables y que solo pueden ser explicadas con el auxilio de un crítico, es decir: mucho del arte de ahora no tiene sentido mas que en las palabras que embadurnan los trabajos carentes de significado autónomo. El crítico en el siglo XXI es un traductor; en el renacimiento el especialista en temas de arte era un narrador.
Rostro de mujer —por Leonardo Da Vinci
Del Tratado de la Pintura y del Paisaje : Sombra y Luz.
¿Cómo dibujar manos? —Anatomía y proporciones, primera parte
Sistema oseo de la mano —por Salvador NúñezPara dibuja una mano primero debes ser consciente de que existe un sistema oseo que le permite diversa movilidad, sus posturas y combinaciones son ilimitadas, pero, algo que ayuda es el imaginar que se trata de un sistema articulado de tubos, el sistema para recrear el claroscuro es el mismo que se emplea para los cilindros, sin embargo, esta claro que en esos juegos de luces y sombras los accidentes de pliegues, depresiones, abultamientos, y texturas, hace la cosa aún más interesante.
Músculos de la mano —por Salvador Núñez
El conocimiento anatómico de la mano es importante, pero más importante es saber relacionar e interpretar las protuberancias anatómicas de la mano con el juego del claro oscuro, para eso es importante palpar tu mano y ser consciente de ella.
— Ejercicio I: Esconde tu mano debajo de una mesa de tal manera que tus ojos no puedan verla y que solo puedas capturarla en tu imaginación con el palpar, así el único sentido que podrás emplear para dibujar tu mano será el tacto; podrás reconocer las protuberancias duras de los huesos como las blandas de los músculos. No te sientas mal su la mano te sale un poco desproporcionada y con un claro oscuro simplón, aquí el ejercicio es reconocer con el tacto la anatomía, darle a tu mente una idea clara y tridimensional de la mano.
—Ejercicio II: Ahora frente a un espejo o pidiéndole el favor a un familiar trata de dibujar una mano, sin tratar de buscar una fórmula para expresarla, simplemente mira con atención y reproduce la mano tal cual es, mira las distancias, los límites de las lineas en ese juego del claroscuro. Las proporciones serán correctas en la medida que interpretes las distancias y las compares, para eso fija puntos imaginarios sobre las características anatómicas de la mano, durante más puntos imaginarios emplees tanto mejor será el resultado de tu arte.
Estudio de mano dibujando— por Salvador Núñez
—Ejercicio III: Cuando sientas que puedes ubicar correctamente los puntos para interpretar las distancias procura conseguir un espejo grande y dibuja tu brazo sin sombrearlo, pura linea, y dibuja en ese interior el sistema oseo, puedes supinar o pronar tu antebrazo, abrir la mano o cerrarla, plegar suave o completo; busca e inventa tus posturas, pero, para comenzar no busques perspectivas forzadas, escorzos acentuados, busca primero lo simple y en orden llegarás a lo complejo.
Estudio de pronación —por Salvador Núñez
Sobre las proporciones:La mano tiene varios tipos de movimientos: la flexión, extensión, rotación, supinación y pronación. Todos esos movimientos le permiten a la mano hacer prácticamente cualquier cosa. La mano está compuesta de tres secciones: el carpo (juego de huesos de la muñeca), el metacarpo (la palma y dorso de la mano), y los dedos (falange, falangina y galangeta o punta de los dedos).
El carpo está constituido por los siguientes grupos de huesos: el escafoides, semilunar y piramidal como apoyo articular del radio y el cúbito (huesos del antebrazo), el trapecio que le da gran base y movimiento al dedo pulgar; por último el trapezoide, el grande, el ganchoso y el pisiforme que le dan soporte a los huesos de la palma de la mano.
Estas nociones anatómicas sirven para que entiendas la dinámica de la mano, que en resumen puede esquematizarse en un juego de dados en la muñeca, una palma un tanto rígida, y unos dedos en extremo móviles de tres articulaciones.
No podemos hablar de proporción sin tener conciencia del movimiento. Hay posturas muy forzadas, y otras de gran descanso. Dentro de esa dinámica está la perspectiva de la mano que se puede esquematizar con paralepípedos o cilindros articulados. Si uno de los dedos te señala o fuga al horizonte (señalando al infinito de forma horizontal) el escorzo será considerable y la forma de la mano será interpretada en el conjunto del movimiento, si vieras la mano solitaria no la podrás interpretar de manera rápida.
Hay una curiosidad en el crecimiento de la mano. Si multiplicas el largo del metacarpo por 0.618 tendrás por resultado el largo de la primera falange; si multiplicas la falange por 0.618 tendrás el largo de la falangina, y si multiplicas la falangina nuevamente por 0.618 tendrás el resultado del largo de la falangeta. Eso quiere decir que hay una suerte de progresión armónica de más a menos: 9 cm [metacarpo], 5.6 cm [falange], 3.4 cm [falangina] y 2.1 cm [falangeta]; todo esto va como ejemplo para una mano grande de 20cm de largo.
El 0.618033988...es el número armónico de Marco Vitruvio que puede ser analizado de la siguiente forma, en el que "X" será: -1 ± la raíz cuadrada de 5, dividido todo esto entre 2, es decir, 0.618 ó 1.618:
Este número puede ser aplicado en todo el cuerpo humano, en la relación del brazo y antebrazo, entre la pierna y las pantorrilla, incluso entre las facciones de la cara. Vibonaci encontró el mismo valor dentro de su secuencia de crecimiento de las plantas. Es un número muy antiguo, aprendido desde Grecia y Egipto, no se sabe a ciencia a cierta quien tuvo la primera intuición matemática... Este número lo seguiremos mencionando al estudiar todas las proporciones y correlaciones del cuerpo humano
Hay otro factor que debes considerar: El dedo pulgar es muy fuerte y por ello ha evolucionado de un porte corto y estructura gruesa a diferencia de los demás dedos que trabajan como opositores. El meñique es débil, delgado y un tanto corto por ser el más alejado del pulgar, es casi un dedo de adorno, pero muy útil para dar precisión y un tanto más de agarre a la mano. De todos los dedos de la mano es el pulgar el mejor de todos, tiene un gran movimiento y fuerza expresiva, el que le sigue es el indice. Cuando un cirujano tiene que recomponer una mano de un terrible accidente sabe perfectamente que el pulgar y el índice son los más importantes para el funcionamiento prensil de la mano.
—Ejercicio IV:
Con la ayuda de un plumón (si quieres que salga con facilidad puedes echarte un poco de crema a tus manos, pero frota bien porque si está muy grasosa no podrá agarrar el plumón) dibuja sobre tu mano unas lineas sobre los huesos, y unos círculos sobre las articulaciones; eso tienes que hacerlo tanto en el dorso como en la palma de la mano. Ahora consigue un espejo y dibuja sobre un papel tu mano como si estuviera hecha de alambres, ensaya en todas las posturas que quieras y que no te importe para nada el volumen, solo el movimiento.—Ejercicio V: Imagina que tus dedos están hechos con cajas de remedios y que tu palma es gran una caja de cigarros cubanos; geometrizada de esta forma tu mano te será más fácil comprender la forma en movimiento. No busques detalles anatómicos, solo trata de entender el lenguaje mudo de la mano, agarra objetos, puede ser un vaso, una tetera, una taza, todo lo que se emplea en la vida diaria, y recrea todos esos movimientos. No pienses que estás perdiendo el tiempo, todo lo contrario, este ejercicio es una buena base para el cubismo y el arte geométrico, además te enseñará a recrear la vida con pocos elementos. Es dentro de estos paralepípedos (cajas) que la forma está contenida, es como un bloque de mármol que será tallado cuando hablemos de anatomía. Cuando sientas algo de confianza agrega a este facetado algo más de la estructura de la mano, pero no abandones la idea y el esfuerzo de geometrizar la forma. Este ejercicio es muy importante y no debes tomarlo a la ligera, demás esta decir que si no has practicado el primer ejercicio este será un tanto más difícil de ejecutar.
Ejemplo para dibujar manos facetadas
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Nota: Muchas veces amplio las entradas. Voy a seguir desarrollando este tema.
Nicholas Hilliard —pintor miniaturista (1547 -1619)
Autorretraro —por Nicholas Hilliard
—Estos son los consejos del miniaturista y orfebre de la reina Isabel, sus palabras muy bien pueden ser aplicadas para el arte del retrato en general. Una de las cualidades de Hilliard era la luminosidad en sus pinturas, el dibujo exacto y el colorido pulcro, también pinto cuadros de formatos convencionales, pero es más reconocido como miniaturista. Aquí algunas de sus reflexiones extraidas del tratado de Giovanni Paolo Lomazzo:
La línea sin sombra lo expresa todo.No olvidéis, pues, que la parte principal de la pintura o dibujo del natural consiste en la verdad de la linea...Resigue la linea de una sombra proyectada por un hombre en la pared con un carbón, y cuando desaparezca la sombra el parecido será mayor que antes, y si es un bello rostro, puede guardar un dulce semblante aún en la línea, porque la línea sola da el semblante, pero la unión de línea y color da el parecido vivo, y las sombras reproducen las redondeces y el efecto o defecto de la luz en la que fue hecha la pintura.
Esto me hace recordar las palabras y razones de Su Alteza para retratarla; la cual, después de decirme que había notado gran diferencia en el sombreado en las obra y artistas de la diferentes naciones, y que los italianos que tenían fama de ser los más hábiles y de dibujar mejor no sombreaban, preguntóme la razón de ello, ya que para mostrarse mejor no conviene ponerse en un lugar sombreado sino mas bien en plena luz, a lo cual yo asentí y afirmé que en pintura las sombras eran causadas por la sombra del lugar o venían de que la luz entraba por un solo punto, por una ventana pequeña o alta, y que muchos artistas desean trabajar así para comodidad de su vista y dar realce a la obra y poderla mostrar de lejos, cosa que la miniatura no necesita, pues está destinada a ser contemplada en la mano, cerca del ojo. Entonces Su majestad entendió la razón y en consecuencia eligió un lugar para posar en la avenida abierta de un magnífico jardín, sin ningún árbol al lado ni sombra de ninguna clase, solo que como el cielo es más claro que la tierra, por eso había esta pequeña sombra que viene de la tierra.
Error de alabar la abundancia de SombrasDejadme acaba este asunto de la luz, para que ningún hombre prudente persista en el error de alabar la abundancia de sombras en pinturas del natural, especialmente pequeños cuadritos que han de ser vistos en la mano: las grandes pinturas colocadas a lo alto o lejos de la vista requieren sombras duras, y es mejor verlas de lejos que de cerca, y más en cuadros de historia que en retratos; porque la belleza y el buen parecido es como la verdad clara, que no avergüenza de la luz, ni necesita obscuridad; así en una pintura puede permitirse un poco de sombreado para darle un acabado mejor, pero tiznarla y obscurecerla como hacen muchos es desgraciarla, y es como una verdad mal dicha. Si una mujer muy bien parecida está en una estancia muy obscura, esta a pesar de todo encantadora, pero no gracias a la sombra, sino a causa de su dulce belleza que consiste en la linea y en la proporción, y lo poco que deja ver la luz da gran placer, moviendo el deseo de ver más; pero si no es muy hermosa, aunque bien proporcionada, si es demasiado pálida o demasiado colorada o pecosa, etc., entonces la sombra la favorece.
Alice Brandom de Hilliard —por Nicholas Hilliard
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Nota: Estas pinturas son maravillosas, pero son increíbles cuando uno toma conciencia de que pueden entrar en la palma de una mano. Date cuenta de los encajes y bordados, de la finura con que ha sido realizado el volumen y brillos del cabello, de las tenues sombra difusas, de la atmósfera y la luminosidad de las carnaciones, eso no es nada fácil. Es verdad que hay pinturas más pequeñas, mucho más pequeñas, pero el formato que eligió Hilliard es ideal para recrear las particularidades a vista simple, sin lupa. De seguro que el maestro Hilliard era capaz de hacer cosas más pequeñas, pero prefirió no sacrificar las particularidades. —Cuanto más pequeña sea una miniatura más se tiene que acudir a los efectos que a la realidad de la forma. Hasta un simple y solitario pelo de marta tiene un espacio que ataca sobre el formato.
Hombre en llamas —por Nicholas Hilliard
Lambert Lombard a Giorgio Vasari — Lieja, 27 de abril de 1565
La multiplicación de los panes y los peces —por Lambert Lombard
A Giorgio Vasari - Lieja, 27 de abril de 1565
El arte italiano primitivo
De vuestros libros deduzco que vuestro espíritu es tan amable y cortés como dotado en las artes, lo que me anima a abriros mi pensamiento, de pintor a pintor, sin artificios de lenguaje, y confesaros mi gran deseo de obtener un favor de vuestra cortesía. Me gustaría tener una pintura de Margaritone, y también una de Gaddi y una de Giotto, con objeto de compararlas con ciertas vidrieras de antiguos monasterios de aquí y con ciertos bajorrelieves en bronce. Estas obras contienen figuras, en su mayor parte de puntillas. No obstante, han excitado mi interés más que ciertas obras modernas de los últimos cien años. Obras antiguas de dos, tres o cuatro siglos me placen más que las de hoy en lo que concierne a su estilo, a pesar de estar hechas más de acuerdo con la tradición que con arte real e imitación de la vida.
Recuerdo haber visto en Italia algunas figuras pintadas hacia 1400, muy desagradables a la vista, porque no eran delgadas ni gruesas ni tenían ningún buen estilo. Paréceme — perdonadme si yerro — que las obras de los artistas que vivieron en los tiempos de Giotto y de Donatello resultan chapuceras. Muchas las hay así en nuestro país y en toda Alemania, procedentes del periodo entre aquel tiempo y el Maestro Roger y Juan de Brujas. Este último abrió los ojos de los pintores, que se pusieron a imitar si manera y, sin preocuparse de nada más, dejaron nuestra iglesias llenas de pintura que en nada semejan a las buenas y de aspecto natural, y no tienen más cualidad que un bello colorido.
Schongauer y DureroApareció entonces en Alemania un tal Martín Schongauer, grabador en cobre, que no se apartó del estilo de su maestro Roger, aunque sin lograr su excelencia en el colorido. Era menos hábil con el pincel que en grabar sus láminas, que entonces parecían milagrosas y aun hoy gozan de gran reputación entre nuestros artistas, pues, aunque algo secas, no carecen de elegancia.
De este Martín Schongauer derivan todos los artistas alemanes de fama. El primero es su discípulo, el sin par y diligente Alberto Durero. Durero siguió los procedimientos de su maestro, pero trató sus amplios ropajes de una manera más conforme a la vida, aunque no le fuera completamente fiel, e introdujo un modo de dibujar más vigoroso y menos seco, asistido por la geometría, la óptica, las reglas y la proporción en las figuras.
La primer virgen tonta —por Martín SchongauerFederico Zuccari criticando a Durero y Leonardo (Turín - 1607 d.C)
Fragmento del Duomo de Florencia —realizado por Zuccari y Vasari
El dibujo fantásticoEl tercer género de dibujo —los otros dos son el natural y el artificial (según Zuccari)—es el que representa todo lo que en cualquier arte puede puede inventar la mente, la fantasía o el capricho del hombre. Aunque menos perfecto que los dos géneros precedentes, es sin embargo, necesario y placentero, y proporciona gran ayuda, mejora y perfecciona a todas las obras del pintor, así como a las de las demás artes y ciencias prácticas. Imagina nuevas invenciones y caprichos con toda suerte de asuntos para paneles y ornamentos pictóricos, esculturales y arquitectónicos, para ser ejecutados en estuco, piedra, mármol, bronce, hierro, oro, plata, madera, ébano, marfil y otras materias naturales o artificiales, o simuladas con colores, y para adornos pertenecientes a cualquier otro arte, como fuentes, jardines, loggias, vestíbulos, templos, palacios, teatros, palacios, teatros, decoración escénica, decorados para festivales, máquinas de guerra y cualquier otra cosa, como grotescos, harpías, guirnaldas, almanaques, esferas, formas matemáticas, mil mecanismos distintos, máquinas, molinos, cifras, relojes, quimeras y cuanto se te antoje. Todas estas cosas enriquecen nuestro arte y son muy ornamentales.
Refutación de Durero y LeonardoAfirmo —y se que estoy diciendo la verdad —que el arte de la pintura no deriva sus principios de las ciencias matemáticas [1]. Ni la necesidad de recurrir a ellas para aprender las reglas y métodos del arte, ni tan solo para discutirlas en teorías. La pintura es hija, no de la ciencia, sino de la naturaleza y del dibujo. La naturaleza le señala sus formas, y el dibujo le enseña a trabajar. De suerte que el pintor que se sirva, además de los primeros elementos y lecciones recibidas de sus predecesores y de la naturaleza misma, de su juicio natural, de una diligencia bien dirigida y de la observación de lo bello y lo bueno, puede adelantar sin más ayuda y sin recurrir a las matemáticas [2].
Añadiré —como es verdad —que en cada criatura que la naturaleza produce hay proporción y medida, como afirma el sabio. Sin embargo, si un artista hubiera de ponerse a examinar todos los seres existentes e informarse de su estructura especulativamente, por medio de su teoría matemática, y proceder después a pintarlos de conformidad con ello, no solo se embarcaría en un intolerable trajín, sino que perdería el tiempo sin provecho...
Las reglas no sirven para nada, solo para hacer daño, porque aparte de que los cuerpos son escorzados y siempre redondeados, estas reglas son inútiles e inadecuadas a nuestras tareas. La mente del artista debe ser no solo clara, sino libre. Su fantasía no debe estar trabada y frenada por una mecánica servidumbre a estas reglas. En esta profesión, realmente nobilísima, el juicio y la experiencia deben servir de reglas y fórmulas.
Mi caro hermano y predecesor, al enseñarme las reglas y medidas básicas de la figura humana, me dijo que las proporciones perfecciones y graciosas debían ser de tantas caras de longitud y no más. Pero, añadía: —"debes familiarizarte con estas reglas y medidas hasta el punto de que cuando trabajes tengas los compases y la escuadra en los ojos, y el juicio y la práctica en la mano." —De modo que estas regla y métodos matemáticos no son ni pueden ser de ningún servicio o valor. Ni debemos usarlas en nuestra obra, porque, lejos de acrecentar la práctica, espíritu y vivacidad del artista, se los quitarán completamente, modificando su inteligencia, entorpeciendo su juicio y privando a su arte de toda gracias, espíritu y sabor.
Creo, por tanto, que Durero tomó todo este trabajo, que no fue poco, como un juego y pasatiempo para entretener estos espíritus que se sienten más inclinados a la especulación que al trabajo.
Y no tiene más substancia ni es de mayor provecho aquel otro trabajo, ilustrado con dibujos y escrito hacia atrás, que nos ha sido dejado por otro artista [Leonardo], perito en nuestra profesión, no hay duda, pero extrasofístico, que formuló preceptos matemáticos para dibujar los movimientos y actitudes de las figuras por medio de líneas perpendiculares, escuadra y compás.
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Criticando a Zuccari:
[1] Hay que ser muy ingrato para no reconocer que gracias a la geometría el pintor fue capaz de expresar lo tridimensional en un plano. Es imposible recrear las tres dimensiones en un papel o lienzo sin la ayuda de la "perspectiva". Las progresiones, puntos de fuga, el nadir y el zenit, la distorsión del cono angular, y los caprichos de Roger Penrose —recreados magistralmente por Escher —son nacidos de la geometría del espacio. ¿y qué es la geometría? ¿a qué rama de la ciencia pertenece?
[2] El origen del manierismo estuvo en la renuncia de los pintores a la naturaleza. Se dedicaron a copiar a los viejos maestros con el fin de adquirir el oficio. Mi pregunta es: ¿Y a quién copiaron los viejos maestros? A la naturaleza. Masaccio, Sandro Botticelli, Leonardo, Miguel Ángel, todos ellos, los grandes, tomaron a la naturaleza por principal maestra. Copiar a otros maestros es una arma de doble filo, porque como adquieres sus virtudes también puedes adquirir sus defectos.
En lo del conocimiento matemático solo diré que es necesario, pero hasta cierto límite. Lo aplicable para el arte está contenido en la geometría y trigonometría, nada más, no hay que hacer análisis numérico, álgebra avanzada, o estudios de ecuaciones con exponenciales altos, esas infinitas variables para un resultado etéreo y relativo, la matemática de ese nivel solo tiene aplicación para las ingenierías y la física.
Es bueno, y no te quitará mucho tiempo, que estudies geometría con cierto empeño, eso le dará más estructura a tu creatividad. La imaginación desbocada es como un caballo salvaje:
"Si no tienes un genio portentoso a la par de Dalí o Miguel Ángel, lo más probable es que cabalgues al antojo del capricho mutable y traidor." No olvides además que la Capilla Sixtina esta llena de proporciones, de secuencias muy bien estructuradas, y si Miguel Ángel tuvo la modestia de recurrir a la geometría ¿por qué tú no?
Con esto que les digo no quiero desconocer los logros de Zuccari, pero ya que Zuccari tuvo el mal gusto de insultar a Leonardo como extrasofístico me vino el deseo de analizar con frialdad los alcances de tal calificativo. Leonardo nunca estudió por estudiar, sus bocetos siempre tuvieron una razón, un objetivo. Si bien es cierto que pintó poco, también es justo afirmar que nadie en el renacimiento fue capaz de pintar una obra tan excelsa como la Virgen de las rocas, obra perfecta en las proporciones, en el claro oscuro, en la atmósfera y composición. Además está el hecho de que Leonardo fue un pionero, un Cristóbal Colón de la pintura, un Magallanes del claro oscuro, un Américo Vespucio de la perspectiva. No me parece justo calificar peyorativamente a Leonardo, de burlarse de sus escritos invertidos, (lo hizo para ejercitar los dos hemisferios cerebrales) o de su geometría pulcra y creativa.
Salvador Núñez.Percepción e ilusión
Trata de hacerla bailar dándole con tu imaginación un medio giro a un lado y luego otro medio giro al inverso, aunque es difícil al comienzo este ejercicio es muy bueno para ejercitar el cerebro. En realidad nunca da la vuelta entera, tu cerebro es la que genera esa ilusión, por muchos años tu mente ha procesado ese dato, y es que es antinatural dar un saltito con medio giro y sin esfuerzo regresar al origen, para el cerebro lo natural es culminar el giro. Trata de imaginar que la mujer tiene que patear con la pierna derecha varias veces, rota tu cabeza de izquierda a derecha, como ayudándola a patear, después solo hazlo con tu imaginación. La otra manera es imaginar que primero tiene alzada la pierna derecha y luego la cambia por la izquierda... —¿puedes hacerlo? —si te sale a la primera eres el rey, sino ya tienes un buen motivo para perder el tiempo
Escalera arriba, escalera abajo —por EscherEn este castillo de Escher la cosa es saber si la gente sube o baja, en la realidad eso es imposible, pero en la perspectiva bidimensional si es factible. Si tu tratas de recrear ese castillo tendrás que hacer una secuencia natural de ascenso o descenso, dependiendo de tu deseo, pero siempre habrá un punto más alto que otro. Lo que hace el papel es ocultar la tercera dimensión, el cerebro interpretará la ausencia de profundidad a su manera. En realidad todo el arte de la pintura es un engaño porque solo está en un plano, con bellas mentiras aquel mundo bidimensional nos dice que hay profundidad, volumen y vida.
También están las ilusiones de los colores. El sistema visual humano descansa en el opuesto, esa es su manera de darle reposo a los ojos y a la vez de buscar de manera instintiva una ubicación y secuencia armonía. Tal como el cerebro completa el movimiento, también llena la secuencia de los color complementarios. Eso se ve claramente en el trabajo de Created by Jeremy L. Hinton en su "Lilac Chaser". [Mira el (+) del centro. En los vacíos que se generan en el ciclo mirarás un verde]
Lilac Chaser — por Jeremy L. Hinton
Van Gogh llevaba eso en el sangre, el sabía perfectamente cual era la pareja más idónea de colores, y no solo eso, también analizaba con la velocidad de un impacto meteórico cuales eran los sistemas armónicos secuenciales más apropiados. Algo así como un "músico salvaje" del color, similar a esos tipos que no saben leer un pentagrama y que con solo oír su "música interna" generan maravillas con naturalidad. Claro que Van Gogh sabía las teorías de Goethe y todo aquello que hablaban los impresionistas de los complementarios, pero él no solo hallaba el complementario evidente, entre el caos y la secuencia el encontraba armonía, genio indiscutible.
Primeros pasos — por Vincent Van Gogh
Por último están las ilusiones de la vida, esas que te hacen creer las cosas que no son, el chisme de la vecina, el mal consejo de tu madre, la enamorada que te pide plata entre beso y beso, el amigo que dice que te estima y nunca te devuelve los libros que le prestas, el que dice que te puede ayudar y al final te mete en más problemas, el que presume de ser un enamorado de la vida pero que en realidad solo es un violador incapaz de ser amado por la oscuridad de su alma, el político que promete salvar a un país y al final solo se lleva el dinero para un pomposo cuartel de invierno en Europa, en fin, son tantas las ilusiones en esta vida...
Tool — y sus cuadros vivientes
Apaguen la radio del blog (donde esta Beethoven, PLAY OR STOP ) antes de ver los vídeo. Realmente vale la pena no solo verlos, también hay que escucharlos. Para que vean que no soy tan antiguo.
The pot
Parábola
Vicarious
Las imágenes que se han creado para estos vídeos son surreales, no puedo establecer similitudes con Dalí o Magritte, tal vez algo de Chirico, pero aun así no hay un artista que tenga esa oscuridad mística, ni siquiera Giger.
Lo que me agrada de los vídeos son las gamas cromáticas quebradas, usan poco color y un claro oscuro con un solo punto de luz, la luz de ambiente es muy tenue para ser considerada, como Caravaggio, pero enriquecido con azules.
Después ver esos vídeos te recomiendo que tomes mates de manzanilla y que veas algo más feliz, tal vez una canción como las de Stinky Wizzleteats, me refiero a Happy happy joy joy, u otras melodías felices, pueden ser de los Luthiers.
¡ Feliz Navidad ! — dibujo navideño
Feliz Navidad — por Salvador Núñez ( Humano 666 )
Este ejercicio es muy bueno para ejercitar la imaginación. Generalmente a la gente le gusta dibujar o pintar para navidad temas de niños regordetes, medias rojas colgadas en la chimenea, reyes cargados de regalos, un bodegón con pavo y vino...ustedes me entienden. Lo que yo les propongo es algo diametralmente opuesto.
Mi esposa me pidió que dibujara un angelito de navidad. Lo que se me vino a lamente son esos bebes rolletudos y rosados, pero después me dije que eso es demasiado previsible, estaba a la búsqueda de algo nuevo, y para hallar esos caminos lo mejor es imaginar lo irrelevante, aquellas cosas que no se "miran" de manera consciente, entonces me dije: "un mendigo recién nacido", eso ya es bastante inusual, pero decidí darle un poco más de paradoja y le puse en el vestido de la madre "feliz navidad", repetido varias veces, como decorando la vestimenta con algo reflexivo. ¿Te haz puesto pensar en las miserias que pasan tantas familias por estas fechas? Ningún niño pobre viene con un pan bajo el brazo, eso es mentira.
No te pido que repitas la idea que te propongo, haz algo diferente, puede ser un niño pobre robando los juguetes de un árbol, una mujer de rojo entrando por la chimenea, un trineo jalado por perros, unos músicos orates vestidos como reyes magos...las ideas son miles.
Es siempre buen pensar en lo que no es evidente, en las particularidades, en el drama detrás de la risa. Trata de ver con tu corazón lo que es invisible para las otras personas.
¡Feliz navidad para todos los seres que amas!
Rockwell Kent
Godspeed- por Rockwell Kent"Yo pienso que cuando las pinturas necesitan ser explicadas estas no son son buenas pintura"
Rockwell Kent (21 de junio, 1882 - 13 de marzo, 1971)
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Rockwell Kent es un artista que se formó contemplando la naturaleza, copiando in situ todas sus aventuras. Estuvo en Monhegan Island (1905), Newfoundland (1914-15), Alaska (1918-19), Tierra del Fuego (1922-23), Irlanda (1926), y Groenlandia (1929; 1931-32; 1934-35). Su otra formación fue mirar dentro de su alma, ejercitó su imaginación con expresión y simbolismo, figurativo pero libre de la academia. En gran parte se le ve influenciado por William Blake y el realismo soviético, sin embargo su estilo lírico y fantástico es personal e innovador.
La Segunda Guerra Mundial cambió su mentalidad y sensibilidad social, la experiencia y consecuencias de la guerra lo hizo buscar nuevos ideales. En 1938 la Oficina de Correos de EE.UU. le pidió que pintar un mural en su sede en Washington, DC; Kent Incluyo una declaración polémica a en la pintura, lo que causó serios problemas y críticas. En 1939, se unió a la Logia de Harlem de la Orden Internacional de los Trabajadores (OIV), una organización fraternal socialista. Una litografía de Kent se convirtió en el logotipo de la organización en 1940, y, desde 1944 hasta 1953, se desempeñó como Presidente de la organización.
Cada vez más apoyo de amistad soviético-estadounidense y un mundo libre de armas nucleares, Kent y su identidad como un pintor estadounidense retrocedió en los años de posguerra, se convirtió, junto con cientos de otros destacados intelectuales y creadores, en un objetivo de Joseph McCarthy. El aumento de expresionismo abstracto, una corriente que influenció a Kent y otros de su generación. En 1960, Kent donó varios cientos de sus pinturas y dibujos para los pueblos soviéticos y se convirtió en miembro honorario de la Academia Rusa de Bellas Artes, siendo galardonado con el Premio Lenin de la Paz en 1967. ( Kent donó el dinero del premio para el pueblo de Vietnam del Norte, en una entrevista con la esposa de Kent, Sally habló de esa donación a las mujeres y niños de Vietnam, tanto en el Norte y el Sur. )
Sin duda un ejemplo de humanismo, no solo un artista formidable, fue excelso y desprendido de todo lo material, y no le importó pasar apuros económicos durante la persecución que se hizo a los comunistas en la post guerra, se mantuvo firme en sus ideales hasta la muerte. Creo como pintor, y admirador, que esa fue su más grade lección.
Rindo homenaje desde este humilde blog a un grande: "Rockwell Kent", el soñador de América.
Prometeo desencadeando —por Rockwell KentGiovan Battista Armenini
Giovan Battista Armenini cultivó el arte de la pintura antes de dar sus votos a Dios en el sacerdocio, de él solo queda una "Asunción" en Faenza, la tierra que lo vio nacer.
En Ravena, en el año de 1587, publicó: "Sobre los verdaderos preceptos de la pintura", ahí escribe sobre las técnicas en la pintura y las diversas escuelas italianas. En unos puntos parece contradecir la fuente del naturalismo puro, él no la cita como la más grande entre todas las fuentes, se queja de su imperfección y de manera directa nos lleva al idealismo manierista.
Le da importancia el aprender de las diversas formas de ver y expresar, mensaje muy contradictorio a los postulados de Leonardo.
El mensaje del maestro Giovan tiene un mensaje muy actual si se le pone en otro contexto.
Hay que recordar que los grandes como Velázquez (estilo barroco) o Rafael (el clásico), inspiraron sus obras en la naturaleza, no en el trabajo de otros, pero, no obviemos que el mirar lo que hicieron los grandes maestros ayuda a superar caminos difíciles en los primeros pasos, pero de ahí a copiarlos...En ese caso hay que seguir solo a los titanes del arte, me refiero a: Durero, Rafael, Rembrandt, Velázquez, Leonardo y William Turner, ellos "casi siempre" dicen la verdad.
¡Ten mucho cuidado! los vicios, en el arte, también se aprenden.
En lo de hacer esculturillas de lo que vas a pintar si que es un trabajo y ejercicio formidable, así tu cerebro relacionará de manera más correcta el objeto tridimensional con la pintura bidimensional que vas a realizar. El pintor debe cultivar la escultura como segundo oficio.
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Unas palabras del maestro Giovan Battista Armenini:
Los modelos naturales no bastan.
Los pintores ganan gran provecho en viajar por varios países como hacen, porque así ven pinturas muy distintas y estilos raros de obras fantásticas y nuevas, con lo que su espíritu cobra seguridad y se enriquece de muchos nobles conocimientos referentes tanto al desnudo como a una vasta variedad de temas.
Y no sirve objetar que los modelos naturales son suficientes en cada caso, que pueden hallarse en cualquier parte y que un pintor que demuestre saber imitarlos puede ser considerado bastante diestro. Esto no será tan fácilmente concedido, porque entre nosotros, los artistas, es cosa bien sabida que el uso de modelos vivientes, si no es ayudado por un estilo vigoroso basado en los antiguos, sólo reporta desprecio para el pintor que en todas sus obras se fía de ellos. Después de un repetido examen de muestras de la escultura antigua, hemos llegado a la conclusión de que la naturaleza, decayendo continuamente desde las edades primitivas, ha llegado a ser tan tosca y chapucera que ahora resulta difícil —incluso después de inspeccionar un gran número de personas —Hallar un cuerpo o un miembro de tal calidad que pueda ser aprobado sin enmiendas por un artista competente.
Cómo adquirir una buena manera de la pintura.
Hay dos procedimientos muy seguros para aprender la manera que hemos dicho: uno es copiar asiduamente las obras de varios buenos artistas; otra, aplicarse sólo a uno que sea de primerísimo rango. Si sigues el primer método, una regla general y universal es copiar siempre las mejores obras, las de mejor técnica y las más próximas a la buena escultura antigua. Gracias a un continuo estudio te habituarás a sus formas y la dominarás tan completamente que podrás poner a contribución uno o dos de sus motivos composicionales en cada una de sus obras...
Debemos concluir, pues, que además de buscar los objetos naturales mejores y más perfectos, debes completarlos con una buen manera y con ésta ir tan lejos como creas suficiente, porque, en cuanto hayas combinado una buena manera con un buen modelo natural, podrás hacer una composición de sobresaliente belleza.
La utilidad de modelos de bulto
Es una antigua y muy loable costumbre de los mejores pintores que, cuando reciben el encargo de nobles e importantes obras, una vez han trazado el plan de la composición, se ponen a la tarea empezando por hacer muchas figuras en escultura y a veces hasta grupos enteros con las mejores posiciones y la mayor corrección posible en las medidas. La mayoría de los pintores las hacen de los mismo tamaños y formas con que piensan reproducirlas en su obra definitiva, y en verdad que ello les cuesta no poco trabajo, aplicación y tiempo, pues se ven obligados a empeñarse en un tipo de trabajo que es ajeno a su profesión, excepto en lo concerniente a esas figuras. Lo hacen tanto para estudiar los escorzos y el sombreado en los puntos que puedan serles dudosos, como para comprobar algunos otros detalles inherentes a las composiciones de figuras múltiples.
Giovan Battista Armenini
El dibujo contemporáneo
Tu no sabes lo que amo —por Salvador Núñez ( Humano 666 )
El arte de dibujar en estos tiempos no solo es recrear la forma de la manera más conveniente desde un punto de vista académico. Si bien es verdad que el ser conocedor del contorno y el volumen ayuda, esto no significa que uno ya sea un artista. La verdadera razón del arte está en decir lo que uno siente, para ello cualquier recurso es válido.
Muchos artistas, indiscutiblemente merecedores de estar en la historia del arte, ni siquiera sabían dibujar a la manera académica. No creo que a Munch o Van Gogh les hubiera interesado de sobremanera, eso no les quitó para nada su grandeza, más bien creo que justamente esa es su grandeza: "hablar" a su manera.
Ejercicio:Sin ninguna preocupación de hacer "bonito" tu trabajo, visualiza una emoción, no una imagen necesariamente, una emoción. Como las emociones suelen escapar a la forma y al tiempo no te detengas si es que sientes que en el proceso nuevas cosas se te ocurren. Lo importante es liberar tu cohibición.
Cuando uno trabaja a la manera académica uno debe mirar la forma como si fuera un mapa, imaginar que si uno falla en ese contorno puede provocar una guerra entre naciones. Cuando dibujas de manera espontánea solo debes dejarte llevar, imaginar que estas frente a una mujer muy experimentada (si eres hombre) o frente a un hombre de mundo (si eres mujer) y que solo quieres conseguir afecto y dicha: Si eres niño, imagina que estas comiendo un helado y no debes parar, porque si lo haces tu mamá te lo quitará. Bueno, en verdad los niños no necesitan de este ejercicio porque ellos siempre pintan con emoción y felicidad, no para quedar bien, lo hacen de manera espontanea. Así que si eres un adulto recuerda como dibujabas de niño.
La idea no es hacer un mamarracho. Lo que se quiere es que plasmes una emoción, y esa emoción tiene una forma, recuérdalo: "Las emociones tienen forma y esa forma solo tú puedes darla." Si otro quisiera recrear una emoción similar es casi seguro de que la forma que recree será diferente (partiendo del hecho de que no ha visto tu trabajo, simplemente el mandato de recrear una emoción) . Es a lo que yo llamo matices emotivos, o razones armónicas.
Diseñando la cabecera de tu blog
Primero hay que decir que en gustos y en colore no han escrito los autores, sin embargo hay unas pautas que pueden ayudar.
Los que visitan este blog se habrán dado cuenta que le he dado vueltas varias veces al asunto, desde propuestas muy personales hasta cosas de experimento indebido, pero justamente gracias al experimentar uno puede llegar a aprender. Este por ejemplo es en base a un trabajo del gran maestro Bosco, pero luego pensé que era faltar respeto usar la imagen de un santo para mis fines y propias búsquedas.
Así que trabajé en algo más propio, pero me excedí en lo personal, puse un retrato que le hice a mi esposa y un dibujo que representa mi soledad (yo soy el ogro)
Un amigo mío me dijo que estaba re-mal, muy personal, y que no le agradaba para nada, a mi me gustó porque se trataba de un drama personal. Como ustedes saben ahora me encuentro encadenado y mudo por una performance que estoy realizando...ustedes ya saben: 666días sin hablar ni una sola palabra y encadenado del tobillo. Así que mi amigo me presentó un trabajo más mínimal, purista:
Por desgracia ese logo con fondo claro fue diseñado para una página de fondo claro, el logo resaltaba demasiado y daba la ilusión de un pega-pega, así que no hubo más remedio que cambiar el fondo del logo y variar los tonos más hacia el oro:
Y con ese logo diseñar el trabajo final, en un comienzo pensé en hacerlo purista, pero luego me dije: " no todos los que visitan este blog hablan castellano", pero lo desarrollé de igual forma:
y de ahí procedí al trabajo con referencias de materiales de arte y un fragmento de una escultura que hice el año pasado, y el resultado fue este:
Con esto no quiero decir que es la mejor de todas las anteriores, pero para mi resulta claro en sus finalidades y a pesar de los elementos añadidos esta cabecera sigue siendo sobria.
Un fuerte abrazo y gracias por visitar el blog, hasta la próxima clase.
El origen de la creación
Boceto para la última cena - por Leonardo da Vinci
El origen de la creación viene cuando el bagaje cognitivo alimenta a la emoción o idea del ser sensible o pensante. Lo cognición puede ser obtenida de dos formas: por el método de aprendizaje analítico o por la capacidad de percepción intuitiva, esta última virtud es propia de los genios creadores.
Entre los conocimientos necesario para realizar el proceso creativo está la estética, sin embargo este conocimiento pude ser obviado si el creador tiene un instinto holístico innato de su entorno, denominado como "talento innato"
NO se puede expresar nada si no existe un motivo directo o indirecto. El motivo directo nace de la vivencia propia, y el indirecto de lo aprendido con la ayuda de un mediador. En ambos casos se establece una sucesión: Estímulo detonante interno o externo, diálogo emotivo o analítico del artista con su propio yo, trabajo mecánico o proceso de ejecución. La grandes obras arte tienen por cualidad un diálogo emotivo y analítico universal, es decir que una gran obra de arte tendrá por resultado un mensaje entendible por una gran cantidad de conciencias.
Boceto — composición
Otoño —por Salvador Núñez (Humano 666)
El boceto es el esqueleto de la creación, el soporte, la visión primera de las dificultades.
Unos maestros chabacanos dicen que el boceto no es importante, que es solo una referencia y que las cosas se arreglan en el camino. Basta con ver los bocetos de Daumier, Dalí, Picasso, Leonardo, Rembrandt o Durero para darse cuenta que esos maestros son mediocres, temerosos o envidiosos frente el alumno. No les hagas caso. Es preferible no tener maestro, mirar a la naturaleza como si fuera una maestra y consultar los consejos de los grandes maestros, de esos que han superado las palabras "moda" y "tiempo"
Para establecer tu composición lo primero que tienes que hacer es ver el ritmo. Ese ritmo está presente en la naturaleza, cuando caminas, al peinar tu pelo (silo tienes largo), en la caída de las hojas, en el movimiento del mar, en las algas que danzan con la corriente, en las nubes. Aveces este ritmo es poco evidente y en esos casos la belleza de la naturaleza no conmueve, pero cuando hay jirones de nubes, paisajes en perfecto equilibro con el hombre, en los trigales azotados por el viento o la faena, ahí la belleza es innegable.
Existe cierto paralelismo en las cosas, por ejemplo: los brazos son paralelos, las facciones del rostro son paralelas y simétricas, los senderos son paralelos, muchos contornos de troncos son casi paralelos. Cuando ese paralelismo se mueve nace la radiación, es decir, el movimiento que parte de un origen común. Si separas los dedos de tu mano el paralelismo se acabará, pero ese movimiento tendrá un origen que atará todos los terminales.
En el dibujo es esta nota el verde como un paralelismo curvilíneo, y en las lineas rojas y azules un paralelismo rectilíneo.
Del Boceto: No debes preocuparte por conseguir un papel muy fino, una hoja bond o craft puede ser un excelente compañero de trabajo. Lo importante es que trates con respeto a ese papel, no garabatees por garabatear , tienes que ser consciente que se trata de una obra de arte, no de un arte menor. Gracias a los dibujos de Leonardo hemos llegado a comprender todas las inquietudes del maestro renacentista, el sabía que esos bocetos eran valiosos, por eso no los quemó ni los dejó botados por ahí: Tú deberás proceder de la misma manera. Trabaja con detenimiento, con pasión, ese boceto tiene que hablar por si solo cuando esté acabado.
Otro truco para el boceto es narrar lo que sentías o pensabas en el margen, pueden ser apuntes de colores, conceptos o sentimientos. así cuando lleves el boceto al cuadro sabrás cual fue la intención inicial. Este boceto lo hice tiempo atrás, al revisar mis notas lo redescubrí, me pareció bueno, entonces lo acomodé en el tablero y lo acabé en sus sombras y ritmos. Creo que puede llegar a ser un buen óleo.
Cómo dibujar el rostro de un bebé
Estudio a lápiz referente a la cabeza de una bebe -por Salvador Núñez (Humano 666)
Viene de la segunda parte:
La verdad de la naturaleza
Cuando dibujes a un niño tienes que dar más prioridad a tu observación que al trabajo mecánico. Las facciones del niño son muy delicadas y por ende es fácil caer en el error. Tratar de hallar el parecido es harto complicado, pero más difícil es describir ese estado de inocencia total. Sus facciones están libres de todo pecado y por ello es complicado de "caricaturizar" para hallar el camino del retrato.
Un truco es ver las características de las partes por separado partiendo de un canon establecido. Si miras bien, hay niños con las orejas más grandes, la nariz más ancha, otros con al nariz respingada, más halla un bebe un tanto cabezón, y otro de ojos pequeños; eso es lo que debes observar: las particularidades.
Las lineas generales son para no salir de la proporción, pero el parecido nace de las partes juzgadas individualmente.
Mira este canon:
Horizontalmente se puede dividir en cuatro partes. La cuarta sección (marcada con asterisco) abarca también lo que es el pelo, pero si el bebe estuviera sin cabellera esa sección cuatro solo llegaría a 2/3, si el niño es cabezón se puede llegar a un entero pudiendo, en ese caso, ser dividida en cuatro secciones iguales.
De la columnas o secciones verticales (a,e,i,o,u) podemos separarla en cinco secciones similares y en ellas veremos que ente ojo y ojo es como si hubiera la distancia imaginaria de un tercero, esa distancia es casi idéntica al ancho de la nariz o al de la boca, pero, recuerda que lo que propongo es un canon, nada más. La raza es de tomarse en cuenta al igual que el tamaño de los ojos y la cabeza. Los niños de raza africana tiene los labios más carnosos y el ángulo facial no es tan recto como en el caso de la raza aria. Los niños de los andes americanos tienen la nariz un tanto más grande que los otros anteriores. Los niños anglosajones generalmente tienen la nariz mas pequeña y respingada. En los niños descendientes de mestizos no hay reglas, las miles de mezclas hace imposible el tratar de crear un canon.
Otro detalle relevante es el brillo de los ojos. No se porqué, pero, generalmente los ojos de las criaturas son más conmovedores y llenos de luminosidad. Sus labios son más lisos.
Por último un consejo, esto es más fácil si eres padre, madre o tienes a un sobrino menor de seis meses:
Acércate a la cabecita del bebé o huele su pechito. Sentirás el olor de la santidad, del carisma, sobrecógete ante la máxima expresión de la esperanza, libera tu cariño infinito y da gracias a la vida por la existencia de la pureza, trata de sentir el futuro de la humanidad en ese pequeño ser, toca sus manita, acaricia suavemente su cabellera y asocia todo eso con una palabra al azar, no importa que no esté vinculada al niño. Ejemplos de palabras al azar: Pelota, tren, árbol, flor, moneda...en fin, no importa que tenga que ver con el niño, pero esa asociación de palabra, textura, olor y recuerdo de tu visión emotiva dejará grabada la imagen del niño a la manera más perdurable.
Cuando el bebé crece sus facciones se alargan, se ve algo más de personalidad, ya no es un rostro neutro de emociones, sus vivenias ya han modificado en algo su expresión general. Los ojos se ven un poco más pequeños en relación a la cara, su dentadura ya formada le de más firmeza y decisión.
En las niñas ya en los cinco años se ve una diferencia de género con los niños, sus facciones son de una suavidad distinta a la de los niños, también sus maneras se notan femeninas, eso es evidente en el hecho de que rompen menos cosas que los varones. Si vas a dibujar a una niña trata de captar eso.
En el claro oscuro trata de jugar con todas la tonalidades posibles, desde el negro absoluto hasta el blanco del papel, es en esas transiciones que se notarán los diversos volúmenes y variables de curvaturas.
No se porque hay gente que mira por mirar, come una manzana como si se tratara de una simple fruta, se baña sin percatarse de la forma de su cuerpo, mira los atardecer como si se trataran de anuncios comerciales, en pocas palabras: No son conscientes de su propia existencia, solo son un saco de conceptos abstractos carentes de emoción. En esa gente es casi imposible el que aprendan a dibujar. Así que ya sabes: "Asocia tus sentidos para memorizar mejor las cosas".
Visitar: La Expresión —por Leonardo Da VinciKseniya Simonova
Estimado lector:
Anda a "play or stop" (donde está la imagen de Beethoven) y apaga la radio antes de ver el magnífico trabajo de Kseniya Simonova.
Esta artista ucraniana empezó a experimentar con la arena sobre el vidrio tras la quiebra de su negocio durante la crisis de crédito internacional y en menos de un año de práctica participó en el concurso Ukraine's Got Talent resultando ganadora en el 2009. El tema del trabajo presentado en dicho certamen fue la vida en la Unión Soviética durante la Segunda Guerra Mundial.
El arte efímero es un concepto practicado también por los monjes tibetanos quienes con la ayuda de tierras de varios colores o coloreadas dibujan complicadas estructuras geométricas llamadas "Mandalas". Después la obra de arte es borrada a si haya demorado un año o más.
En el caso de Kseniya Simonova el trabajo es recrear escenas cargadas de emotividad o de un contenido que pueda ser interpretado de manera directa. Una tras otra, las imágenes son borradas y van dejando en el espectador el recuerdo de la secuencia como origen del placer estético. Lo maravilloso en esta talentosa artista es su capacidad de transmitir emociones con un dibujo violento, seguro y preciso. Kseniya Simonova utiliza únicamente los trazos vitales para no estancarse en la dinámica de la narrativa. Cada escena creada por sus manos es una verdadera obra de arte.
Clases brutales
Clases brutales -por Salvador Núñez (Humano 666)
Por lo que veo en mis amigos acompañantes uno que otro es maestro, así que esta clase de arte la dedico para ellos y ellas.
Ejercicio primero:Respira hondo, olvida todas tus preocupaciones, los gritos de tus alumnos y sus faltas de respeto, las quejas de los padres, la presión del director, los balances y evaluaciones. En cada respiro perdona a los que te han ofendido, mira con amor a los que te odian o te tienen envidia, convierte tu envidia (si es que la tienes) en admiración. Mira al mundo con profundo amor en cada respiración.
No se si este humilde maestro virtual signifique algo para ti, pero, yo te amor con todo mi ser y te respeto por el simple hecho de existir, aunque no te conozca, yo te quiero de sinceramente porque eres mi prójimo y solo tratando de hacerte la vida más feliz puedo adorar a Dios.
Ejercicio segundo:Ahora que estas más relajado recuerda tu infancia, todo aquello que te gustaba del colegio y todo lo que detestabas. Recuerda cuando el maestro te insultaba, te alzaba la voz, te trataba como a un estorbo o simplemente te ignoraba. Haz memoria del porqué de los castigos y si realmente merecías ese trato. Te ruego que no pienses como adulto, piensa como niño, haz el esfuerzo. Luego recuerda las cosas buenas, al profesor que admirabas y le tenías alto aprecio, razona del porqué esa persona ocupó un sitio especial en tus recuerdos.
Ejercicio tercero:Entra imaginariamente al cuerpo de tu maestro preferido, siente que en verdad puedes ver por sus ojos, escuchar y sentir tal cual era él. Es el momento de recrear imaginariamente una clase ideal con tus alumnos. Siente el respeto de ellos, el aprecio, la admiración y la atención. En estos momentos eres el mejor maestro del mundo, siente esa dicha de saber que haces las cosas bien.
Ejercicio cuarto:El respeto se lo gana un maestro cuanto más conocimiento tenga y sepa demostrar con todo su ser que sus alumnos son importantes para él. Si todo este tiempo no te haz esmerado por superarte como profesor ahora es el momento, renuncia a ciertas cosas que no son trascendentales para agarrar un buen libro o para realizar un trabajo o ejercicio complicado, lo suficiente como para que sientas que tu cerebro se está esforzando. La televisión, por ejemplo, es un vicio para estúpidos, el salir a comprar ropa y demorar horas en ello es de imbéciles o frívolos, ir a fiestas ruidosas para gastar tu dinero en placeres efímeros es para gente que no paresia su vida, para esas personas que no se han dado cuenta que su existencia en este mundo es trascendente. Renuncia a morir con los ojos abiertos, no hay nada más triste que un muerto en vida.
Ejercicio quinto: Cuando estés frente a tus alumnos recuerda que tu trabajo es muy importante. Si vives en un país del tercer mundo como el mío, no te quejes en ese momento de tu sueldo miserable, olvida que tus gobernantes roban, que la pobreza que vives te impide comprar las cosas que necesitas para tu familia. Ahora eres un santo hermano(a) del alma, y tu oficio es hacer de este mundo un sitio más grato para vivir.
Las cosas que no se deben hacer y las que sí:
1.-Si tu alumno te demuestra que sabe una cosa que tú ignorabas no te muestres sorprendido y mucho menos ofendido. Felicita su iniciativa y haz que sus compañeros sean alumnos por ese momento de él. Deja que se explaye en demostrar lo que aprendió fuera de clases. Eso es muy importante para su autoestima.
2.-No te quejes, ni siquiera para tus adentros, si no tienes material didáctico, si lo haces ellos se darán cuenta y perderás la autoridad como la confianza. Mi país es muy pobre y por ello he tenido la dicha de conocer a maestro muy creativos. Por ejemplo: Puedes comprar lápices y partirlos en cuatro partes y así darles a los niños que no tienen para trabajar. Si vives en una zona rural agarra ramas de sauce, consigue un tubo de metal ancho y con la ayuda de una hoguera convierte esas ramas en carboncillos...Te daré trucos para que incluso fabriques tu propia plastilina.
3.-Nunca humilles a tu alumno si ves que no cumplió con su trabajo de la manera correcta, trata incluso de sentirte feliz de ver su esfuerzo. Encuentra lo poco bueno que en su trabajo hay. Si no lo haces de esa forma es probable que en la siguiente clase ni siquiera haga el intento de hacerlo mejor. Ese niño verá en ti a un ogro maldito.
4.-Recuerda que estas formando a un nuevo ser, no seas cruel con las notas. Tu misión es hacer de ese niño una esperanza para el mañana. Si lo conviertes en un resentido es probable que cuando apenas tenga algo de libertad o poder este desquite sus frustraciones en una persona inocente, por arte de magia cometerá las mismas crueldades o necedades que tú cometiste contra él.
Dios proveerá (Tinta y aguada)
Es importante cuando hagas un dibujo guardar desde un comienzo el cuidado de los puntos de gravedad, si te das cuenta los niños muertos están justo debajo de la Luna y estos encima de la jara con veneno, en el caso de la mujer este recurso no ha sido tan evidente pero el tercer vaso en algo apoya su ubicación, el otro pobre niñito esta casi abajo de la estrella derecha y este justo encima de la carta de despedida.
El tema es cruel y despiadado, pero antes de mi encierro me impactó de sobremanera como unas madres pobres de mi patria ante la desesperación y el abandono económico optaron por el suicidio y la muerte de sus hijos, ahí si que Dios no dio ninguna providencia y el entorno pecó de insensibilidad y egoísmo, es evidente que los vecinos y personajes de esos preludios fatales no hicieron lo suficiente para apoyar a esas pobres madres llenas de hijos, llenas de problemas y de una insondable soledad.
Dios proveerá -por Salvador Núñez (Humano 666)Meditaciones sobre mi vida —Proyecto "Humano 666"
Despedidos- por Salvador Núñez (humano666)
Estimados lectores:
Desde niño he sentido profundo respeto y amor por la clase trabajadora, por los ingenieros, obreros, carpinteros, arquitectos, artesanos, abogados y demás oficios que hacen de este mundo algo interesante. Son gente que trabajan para diversas empresas, consorcios o simplemente pequeñas empresas unipersonales como es el caso de los artistas.
El otro grupo de personas son los que viven administrando el trabajo ajeno, incluso la creatividad ajena, ese grupo pequeño del 15% es el que tiene la culpa de la miseria global, de la mortandad infantil, de la depredación del medio ambiente, el desempleo, la locura social y las guerras.
¿Como es posible que el ser humano sea tan miserable con su prójimo? Esa es una pregunta milenaria y la respuesta siempre ha sido la misma: El egoísmo es inherente en el ser humano y este acto natural le ha permitido sobrevivir y evolucionar en la catarsis por hallar al más bestia y desalmado, al más ingenioso y usurero para guiar al rebaño, y es que a la par con el progreso se instituyó la esclavitud, digo rebaño porque el explotado es tan culpable y hasta más detestable que el que explota, el que es manso como el cordero ha nacido para ser degollado con el cuchillo de su propia indiferencia. Jesús dijo: —"hay que ser manso como el cordero pero astuto como la serpiente."—Pero en esta aldea global la gente es mansa como el cordero y bruto como el cordero o bestia como la hiena y creativo como el chancho, eso tiene que cambiar hermanos.
El 21 de octubre realizaré un acto creativo o performance, por 666 días estaré encadenado y viviendo en una casa-taller hecha como para pobre, de esteras y calaminas, es una sátira del actual sistema laboral en el que la gente dice que es libre pero en realidad viven presos de sus trabajos, no me refiero a todos porque también es verdad que hay empresas que tratan con dignidad a sus empleados, me refiero al común denominador, a esa danza entre estados y sistemas de gobierno con empresas transnacionales o empresas locales usureras, a esos despidos masivos en pro de la estabilidad financiera. ¿Se acuerdan como despidieron a los empleados de la "General Motors"? Como a perros, y como a ellos a miles desde que se inicio la era industrial, y es que siempre fue así: la última prioridad en un "estado democrático, liberal y cristiano" es el trabajador.
Si ustedes navegan por los miles de blogs y diarios virtuales del mundo se darán cuenta como se le trata al empleado moderno, muchos arquitectos se quejan de que les dejan mucho trabajo y que en muchas ocasiones eso les cuesta el perder la vida familiar, los abogados se quejan de que llevan trabajo para la casa porque los estudios donde trabajan les piden más de lo razonable, otros mineros se quejan de ser despedidos antes de ser declarados empleados fijos. La lista de injusticias son interminables y por eso nace mi protesta y arte.
En estos 666 días no dejaré de publicar en este blog, porque mi esclavitud será con mi oficio de artista, produciré como nunca, pero yo se que tal acto tal vez me cueste el matrimonio, sin embargo el acto es justo y necesario, nunca podría estar en paz si al borde de esta esclavitud global y sin precedentes yo no hiciera nada, siento que es mi deber y ustedes serán mis testigos.
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Puedes seguirme en el blog de Humano 666 , hablaré con imágenes y creeme que eso también ayudará en tu autoformación de artista, es hora de hacer arte con sentido y sensibilidad por la vida, el arte por el arte es como vivir por vivir o intimar con una mujer sin amarla.
Monjas y pingüinos
Monjas y pingüinos -por Salvador Núñez
Anda a un sitio que te agrade no importando si es en el campo o en la ciudad y dentro de ese paisaje dibuja seres imaginarios que en realidad no están en la escena que dibujas.
Este ejercicio es muy útil para desarrollar la imaginación, porque una cosa es dibujar lo que ya existe y otra lo que solo es visible si miras dentro de ti, a eso es a lo que se le llama imaginación. Ahora bien, te contaré que el cerebro tiene la tendencia de proyectar elementos o seres que en la realidad no existen sobre las cosas o entornos reales, es como un mundo paralelo, por ejemplo: "Un joven mira la silla vacía donde su abuela tomaba el sol en las tardes, esa abuela puede estar muerta físicamente pero la mente del joven la trae a esa silla nuevamente de manera emotiva"
El ejemplo de "Monjas y pingüinos" es un dibujo que hice de buen humor, estaba la imagen del convento de Santa Catalina y me acordé de un chiste de colegio en el que un conductor ebrio preguntaba si en las calles de Arequipa caminaban pingüinos, ante la respuesta negativa el borracho se dio cuenta de que en realidad lo que había atropellado era a un grupo de monjas que cruzaban la calle, entonces dibujé en el convento de Santa Catalina a unos pingüinos, luego se me vino a la mente a una familia vestida como personajes de circo y los dibuje sin pensar, simplemente dibujé mirando mi "modelo interno", en el se veía a un niño con una flor forzando inutilmente a su padre a ir donde estaban los pingüinos.
La idea de este ejercicio es que lo hagas de manera natural, sin forzar tu imaginación, si tratas de racionalizar lo que ves dentro de ti tu habilidad disminuirá considerablemente porque con esa actitud estarás dejando de lado a tu lóbulo derecho que justamente es el especialista en este tipo de resolución de problemas espaciales, si quieres racionalizar la escena entonces trata de hacerlo provocando una "falsa esquizofrenia" dentro de tu mente para mover internamente los objetos de tu imaginación con facilidad.
Como dibujar un rostro (la verdad de la naturaleza)
Como dibujar un rostro viene de la primera parte
Mira como Michael Jackson bailaba, lo sigo viendo y me parece increíble, fantástico.
Apaga la radio primero en "PLAY OR STOP" en el lado superior derecho de este blog, justo abajo del traductor de Google y mira este video:
Este hombre de joven era un hombre negro muy atractivo, pero cometió el desatino de recrear la naturaleza.
Michael Jackson antes y despuésEn un rostro natural, por más feo que este sea, guarda una armonía entre las facciones que otorga verdad y belleza, la mayoría de veces por los estereotipos en nuestro consciente recreamos lo que "deseamos ver" en lugar de ver las cosas tal cual son, tu tienes que tratar de ver esa verdad inmutable y original, no cuestionarte nada de lo que ves y reproducir las facciones con respeto y en un estado de concentración similar al que se experimenta al manejar: más cerca, más lejos, lento, despacio, es como si el papel fuera una carretera y tu un responsable conductor, si procedes de esa forma todo te saldrá, no importando la dificultad del rostro, empieza por dibujar a una persona mirando televisión o en una postura tranquila de perfil (
no usar fotos, tiene que ser un modelo del natural).
Retrato de mi hermano- por Salvador Núñez (humano666)No te olvides al terminar de colocar la fecha de la realización ya que los ejercicios que continúan a esta entrada te darán pautas para mejorar tu dibujo, esto solo es un punto de partida. Después trata de hacerlo de memoria, rebusca dentro de tu mente un rostro y "copialo", a eso se le llama interiorizar, es un ejercicio vital pero no desesperes si no te sale excelente a la primera.
El trabajo realizalo con lápices blandos, el 2B y el 6B, con trazos diagonales, y con un drástico contraste de luz y sombra (es mas fácil que los tonos pálidos). Es importante realizar los trazos variado la intensidad de la presión del lápiz, de esa forma se generarán diversas texturas y atmósferas en los límites de sombras y contornos. Los contornos están expresados por su claro oscuro y no por la linea de contorno, eso es ribete, es válido, pero en todo caso es una linea de expresión y eso va más allá de la academia .
La abuela, por Salvador Núñez (Humano 666)
Nota Importante:Olvídate de tus parámetros de lo que es un rostro, tu mente seguro te dice que tiene la cara dos ojos, una nariz, dos orejas y demás tonteras, escúchame bien: "ESO SOLO ES LO QUE DICE TU LÓBULO IZQUIERDO" ¡PURA ESTUPIDEZ! son "conceptos" aprendidos, pero, repito: "conceptos" y nada más, el arte de hacer un retrato es dibujar formas y no conceptos abstractos, las formas pueden contener emociones complejas, un milímetro de más y la expresión cambia, una exageración de una facción y nacerá un sentimiento diferente, pero los "conceptos" solo te dirán cosas frías y concretas ¡aprende a dibujar con tu "lóbulo derecho", ese es el lóbulo de la inocencia, del niño creativo, del ciego que ve por primera vez o del que perdió la vista y después de muchos años la recupera.
¿Como te quedo el ojo?¿eso no enseñan en todas las escuelas verdad?
Imagina que nunca haz visto, que desde ahora recién haz recuperado la visión, eres un ser nuevo, un ciego que salió de la caverna, si piensas así dejarás esa absurda manera de ver "conceptos", mira sentimientos, cariño, desprecio, alegría, duda, tristeza y trata de expresarlo con la forma no con el concepto "ahí esta el detalle"
Tu primera lección será en tratar de pensar de esa manera, de volver a pensar como un niño, ahora, si tu me dices que los niños no dibujan bien te equivocas, ellos han empezado de "cero" y sus logros se basan en esa observación natural, en la pureza de la primera vez, pero cuando entran al colegio ahí si que los joden, aprender a "copiar", a no ser creativos, a robar el trabajo ajeno (¿copiar una foto no es ir en contra de los derechos de autor?), a fingir de buenos ciudadanos, a desvincularse de la naturaleza y a creer de que el arte no es una forma natural de expresión.
No saber escribir es disléxia
Pues no saber dibujar es "dismorfografía" (no estoy seguro del termino, me lo he inventado y no se latín como debe ser)
No saber dibujar es una enfermedad psicológica fruto de la imbecilidad del sistema educativo, si las clases de arte y creatividad siempre fueran como en primaria todos, absolutamente todos, sabrían dibujar.
La sociedad valora a Leonardo pero no le obedecen ni le siguen los pasos, olvidan que el "gráfico" es una forma poderosa de expresión.
la sociedad valora la creatividad pero en los colegios no hay talleres de "ciencia creativa" todo es pura imitación, memorización de fórmulas, que lindo sería si te dijeran en el colegio como dedujeron los antiguos el valor de la circunferencia, ese glorioso 3.14 de los egipcios. Lo único que dicen es que 3.141592654... es para calcular el área, el perímetro y el volumen de los objetos que contienen la o las circunferencias:
Mira esta maravilla de Wallis:
2/1 . 2/3 . 4/3 . 4/5 . 6/5 . 6/7 . 8/7 . 8/9 ... = π/2
por ahí va el número de π moderno, antes lo que se hizo fue circunscribir e inscribir polígonos regulares, así se llego al siguiente valor antiguo: 377/120 = (π de Ptolomeo en el siglo II)
Área de la circunferencia= π • r²= 3.141592654
Perímetro de la circunferencia = π • d = π • 2 • r = 2π • r =6.283185307
Área de la esfera = 4 π • r²
Volumen de la esfera= 4/3 π • r ³
Volumen cilindro=Volumen semiesfera+Volumen cono
Volumen semiesfera=Volumen cilindro-Volumen cono
Volumen esfera= 2 • volumen semiesfera
por ahí es que se deduce el volumen de la esfera, es muy interesante
volumen de la semiesfera= π • r³ − 1/3π • r³ = 2/3π • r³
volumen de la esfera= 4/3 π • r³
La memorización es importante pero más importante es aprender a mirar las cosas como si hubiera sido la primera vez, eso es aprender a mirar con amor y sensibilidad.
¿Tu crees que es aburrido ver bostezar a tu hijito?
¿Tu crees que el último beso no fue tan maravilloso como el primero?
¿Tu crees que un chiste bien contado no merece ser repetido?
Piensa que todo es nuevo y entrégate con todo tu ser al misterio repetido de la vida , ama a tus enemigos (pero cuídate de ellos), ama lo desagradable, ama a los incomprendidos, asómbrate ante las cosas que tu llamas repetidas o ya vistas y en ese mismo día ya sabrás dibujar...
¿Te atreves?
Pero esto es solo una parte, así como debes ejercitar la sensibilidad y capacidad de observación del lóbulo derecho es importante que apliquemos algo de ciencia, y la ciencia para el arte del retrato y el desnudo es la anatomía, corre la voz, ahora empieza el maratón del retrato y el desnudo.
Visita la tercera parte: como dibujar la cara de un bebéLa maldita crisis y el arte
...Es la maldita crisis, el año pasado estuve muy bien, pero después de la crisis financiara en EEUU, de los bancos que tambaleaban, las fabricas que cerraban y demás desgracias del mundo financiero todo cambió, la gente empezó a adquirir una suerte de paranoia más grave que la del mismo Dalí, de pronto la gente vio que el arte no era una necesidad y ahí empezaron los problemas, si la cosa esta jodida en Europa imaginen como estará en Perú.
Exagere con eso de que no tengo ni un sol, tengo para vivir y eso es bastante, pero ya no puedo crecer, no puedo ahorrar, pero sería mezquino de mi parte si no le agradezco a la vida todo lo que me ha dado, se que maestros más grandes que yo pasaron desgracias diez veces más graves que la mía, que cambiaban sus trabajos por un pedazo de pan y una botella de vino, otros que sufrieron embargos como Rembrandt, los casos son varios y es para escribir una novela de diez tomos gruesos de lo que es la intolerancia, el desprecio, la estupidez, la perseverancia y la locura.
Perdonen mi arrebato, pero este blog no solo es de clases de arte, también es mi drama personal, mi dolor, mis dudas y aciertos, las alegrías mágicas, mi perseverancia y reposo, espero que me entiendan, sobre todo tú mi estimado amigo Crespo de Castellón.
Un saludo para todos los que aman el arte, para aquellos que se atreven a seguir y también para aquellos que se rindieron en el camino.
